CAIO REISEWITZ Itatinga, 2012, C-Print sobre diasec, ed. 2/5, 227 x 180 cm

CAIO REISEWITZ Penedo, 2013, C-print sobre diasec, ed. 2/5, 180 x 144 cm

CAIO REISEWITZ Paretinga, 2010, C-print sobre diasec, ed. 3/5, 155 x 125 cm

CAIO REISEWITZ São Paulo, Brasil, 1967. Vive y trabaja en São Paulo, Brasil Caio Reisewitz trata mediante la fotografía diferentes cuestiones como la representación de los espacios en zonas naturales, y la repercusión de agresiones y desastres en la naturaleza. Sus fotografías de gran formato abordan el paisaje redefiniendo la perspectiva aérea, invitando a la reflexión a través de una mirada crítica. Las obras de Caio Reisewitz buscan reflejar la grandeza de las reservas naturales a la vez que evidenciar el abismo inconmensurable entre el hombre y su objeto de percepción. Los espacios captados por Caio Reisewitz nos hacen ver el progresivo deterioro de la naturaleza, como resultado de la acción humana. Las imágenes de sus obras, en su sobriedad, pretenden generar complicidad e introducir al espectador en su espacio físico como sujeto contemplador. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES 2017 Pedro no Céu: Arte e a Arquitetura de Paulo Mendes da Rocha, MuBE, São Paulo / Metrópole: Experiência Paulistana, Pinacoteca, São Paulo 2016 Ingenios de hoy, Photoespaña, Museo de Albacete / Caleidoscopio y Rompecabezas, CAAM, Las Palmas, Gran Canaria / Histórias/Histories, USF Contemporary Art Museum, Florida 2015 Disorder, Maison Europeénne de la Photographie, París / Florestas, favelas e falcatruas, Huis Marseille Museum voor Fotografie, Amsterdam 2014 IPC International Center for Photography, Nueva York / Museu de Arte Contemporanea de Goias, Goiania, Brasil / Jaraguá, Casa da Imagem, São Paulo, Brasil 2013 LARA, Latin American Roaming Artist, NC Arte, Bogotá, Colombia 2012 From the Margin to the Edge, Somerset House, Londres / Lugares en Pérdida, Centro de Arte Contemporáneo Huarte, Navarra / Segue-se ver o que quisesse, Fundaçao Clovis Salgado, Belo Horizonte 2011 Ituporanga, Sesc Belenzinho, São Paulo / agua que cai, Galeria Joan Prats, Barcelona / 748.600, Paço das Artes, São Paulo / O Coleccionador de Sonhos. Instituto Figueiredo Ferraz, Riberao Preto, Brasil 2010 Modelos para armar, MUSAC, León / Bienal de Nanjin, China / Cadavre Exquis, Centro Cultural São Paulo 2009 Projecto Parede: Caio Reisewitz, MAM, São Paulo / Tropics, National Gallery, Ciudad del Cabo / GD Art and Technology, Pinacoteca di Bologna / II Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia 2008 Tropen, Martin Gropius Bau, Berlín / Assim se criam realidades, Galeria Joan Prats, Barcelona / Paraísos Indômitos/Untamed Paradises, CAAC, Sevilla y MARCO, Vigo / Parangolé: Fragmentos de los 90 en Brasil, Portugal y España, Museo Patio Herreriano de Valladolid / Arte pela Amazonia, Fundação Bienal de São Paulo 2007 I Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina / Trópicos, Centro Cultural Banco do Brasil, Brasilia / Portraits de Villes: Brasília, Chandigarh, Le Havre, Musée Malraux, Le Havre, Francia / Alegoría Barroca en el Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile 2006 Zeitgenoessische Fotokunst aus Brasilien, Kunstmuseum Dieselkraftwerk, Cottbus; Stadtgalerie, Kiel 2005 51 Biennale di Venezia / Beyond Delirious, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami 2004 XXVI Bienal Internacional de São Paulo

JULIÃO SARMENTO Frames Grey Squares, 2013, Acetato polivinílico, pigmentos, esmalte a base de agua, gesso acrílico, acrílico, grafito y serigrafía sobre tela de algodón sin preparar, 107 x 110,5 cm

JULIÃO SARMENTO Broken Alice, 2014, Escultura en impresión 3D, ABS, madera, MDF, gesso acrílico sobre plátex, cartón corrugado, cinta adhesiva kraft, 136,5 x 90 x 74 cm

JULIÃO SARMENTO Lisboa, 1948 Vive y trabaja en Estoril, Portugal La obra de Julião Sarmento adopta múltiples formas a partir de dibujos, pinturas, esculturas, performances y vídeos que hablan de los artificios de la seducción y de los mecanismos del deseo. Desde sus inicios, a mitad de los años setenta, la obra de Julião Sarmento se ha caracterizado por su carácter archivístico. Así, en sus obras, pueden aparecer siluetas femeninas, planos arquitectónicos, fragmentos literarios y objetos. A menudo, estas iconografías cifradas nos presentan explícitamente signos que remiten a la fuente de su imaginario y de su significado. Esta oscilación permanente entre apariencia y veracidad, ficción y documento, invención y hecho en la que nos coloca Sarmento no es en absoluto un juego gratuito. Los montajes realizados por el artista entran en esta dialéctica de la interpretación de la superficie, donde algunos elementos son perfectamente identificables, incluso banales o anodinos, y de la interpretación profunda, que nos obliga a encontrar correspondencias, buscar pasajes y relaciones, sin darnos cuenta de que el simple hecho de investigar es el sentido que tenemos que descubrir en la obra. Julião Sarmento ha expuesto internacionalmente desde 1979. En los últimos años destacan las siguientes exposiciones individuales: The real thing en el Gulbenkian de París, 2016; Guest or Host en el CAAM de Gran Canaria, 2015; Lo Sguardo Selettivo en GAM de Turín, 2014; Index en el MACE de Oporto, 2013; White Nights (A Retrospective) en Serralves - Museu de Arte Contemporânea de Oporto, 2012; Monograph Room en la Tate Modern de Londres 2010; Grace Under Pressure en Estação Pinacoteca de São Paulo, 2009; Literal en el Centro José Guerrero de Granada, 2008; y Julião Sarmento en el Museum Dhondt-Dhaenens de Deurle, 2005. Ha estado presente en dos Documenta (1982, 1987) y en tres Biennales de Venecia (1980, 2001 y 1997 representando a Portugal). Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas de todo el mundo entre las que podemos destacar: The Hirshhorn Museum, Washington; Centre Georges Pompidou, París; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven; Tate Modern, Londres.

PEREJAUME Exposició Universal, 2003, Serigrafía sobre cristal laminado, 200 x 200 cm

PEREJAUME Obres, 2017, Acrílico sobre papel, 57,5 x 77,5 cm

PEREJAUME Sant Pol de Mar, 1957 Vive y trabaja en Sant Pol de Mar. Desde mediados de los años setenta, Perejaume ha vinculado aspectos de la cultura con fenómenos globales. La absoluta desconexión entre estos dos puntos ha llevado a menudo a una nueva especie de exotismo y de alienación, creando una tensión que desafía los discursos contemporáneos. Sin embargo, los intentos creativos del artista de unir posiciones culturales, históricas y geográficas han dado como resultado algunas de sus obras más logradas. Mediante este procedimiento de juntar espacios remotos, situaciones políticas no paralelas y hechos históricos apenas simultáneos, Perejaume consigue un continuum estético. En este sentido, allí donde hay ruptura y dislocación, una especie de entropía reajusta fragmentos hasta entonces sin conexión. Más que una constante imagen del mundo, lo que emerge es una actividad geopolítica. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES 2016 La màquina de pensar. Ramon Llull i l’«ars combinatoria», CCCB, Barcelona 2015 Condensacions, Galeria Joan Prats, Barcelona / Indisposició general. Assaig de la fatiga, Fabra i Coats, Barcelona 2014 Davant l’horitzó, Fundació Miró, Barcelona; Maniobra de Perejaume, MNAC, Barcelona 2013 Cartografias contemporáneas, Caixaforum Barcelona, Caixaforum Madrid 2012 La Pedrera, Barcelona; El Museu Explora, MNAC, Barcelona 2011 Públicos y contrapúblicos, CAC, Sevilla; Fundación Pedro Barrié de la Maza, Vigo 2010 Pablo Picasso-Im Atelier des Künstlers, Graphikmuseum Pablo Picasso, Münster, Alemania / Teló seguit, Teatre Romea, Barcelona 2009 Imágenes Proyectadas, CAB, Burgos; Premio internacional a las aportaciones e innovaciones en arte gráfico, Calcografía Nacional, Madrid; Màquina d’alè, Galeria Joan Prats, Barcelona 2008 Prospect, New Orleans 2007 Pessebre Sert, Fundació Joan Miró, Barcelona 2006 Art Unlimited, Basel, Suiza; Es Baluard, Palma de Mallorca 2005 51. Biennale di Venezia, Italia; Galeria Joan Prats, Barcelona; Amidament de Joan Coromines, La Pedrera, Barcelona 2004 Retrotabula, Centro de Arte José Guerrero, Granada 2001 Teló seguit, Pavilion 1, Housing exhibition, Malmö, Suecia 1999 Deixar de fer un exposició, Macba, Barcelona 1998 Dibujos Germinales, MNCARS, Madrid; Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Bélgica 1996 Kunsthallen Goteborg, Suecia 1992 22 Bienal Sao Paulo, São Paulo, Brasil 1991 Pintura per exteriors, Espai 13, Fundació Joan Miró, Barcelona; Pintura i Representació, New Museum, Nueva York

CABELLO/CARCELLER Prototipo #1: Relojes (Herramienta para artistas que trabajan en colaboración), 1996, Vitrina con relojes usados, fotografía color de 68 x 90 cm

CABELLO/CARCELLER Prototipo #1: Relojes (Herramienta para artistas que trabajan en colaboración), 1996, Vitrina con relojes usados, fotografía color de 68 x 90 cm

CABELLO/CARCELLER Helena Cabello (París, 1963) y Ana Carceller (Madrid, 1964) Viven y trabajan en Madrid La obra de Cabello/Carceller se sitúa en un territorio desde el cual cuestionan, reflexionan y/o fracturan los roles y estereotipos asociados al género. Entienden la identidad como algo que se construye en conflicto o en consonancia con un entorno social, cultural, político y económico. Señalan un “yo” que se halla siempre en relación a los “otros”, esta idea vertebra su producción. En sus obras se revisan los patrones que se vinculan de forma estática tanto a los roles masculinos como femeninos. De esta manera, en sus piezas se subvierten imágenes, códigos de comportamiento y actitudes, asociadas a aquello que se considera comúnmente como masculino o femenino. La relectura que desde su trabajo Cabello/Carceller ejercen de dichos modelos, sitúa al espectador ante múltiples prejuicios, valores asumidos y contradicciones que logran desestabilizar de forma efectiva una visión unívoca de la realidad. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES 2015 56 Biennale di Venezia, pabellón español 2014 Un texto es un texto es un texto, Centro Cultural de España (CCEMx), México DF 2013 Performer, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Bilbao / re.act feminism#2. A performing archive, Itinerante octubre 2011 - agosto 2013: Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz; Instytut Sztuki Wyspa, Gdańsk; Galerija Miroslav Kraljević, Zagreb; Museet for Samtidskunst, Roskilde; Tallinna Kunstihoone, Tallinn; Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; Akademie der Künste, Berlín / Qué Pensar, Qué Desear, Qué Hacer, Caixa Forum, Barcelona 2012 MicroPolíticas, MicroPoética, CCEBA Centro Cultural de España en Buenos Aires / Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010, MUSAC, León 2011 Off Escena: Si yo fuera, Abierto x Obras, Matadero Madrid / Archivo: Drag Modelos, Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria / Fiction and Reality - Moscow Museum Of Modern Art - MMOMA, Moscú 2010 Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, Barcelona / A/O (Caso Céspedes), CAAC, Sevilla / Handlung. On Producing Possibilities, Bucharest Biennale 4, Bucarest, Rumania 2009 Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid / Itinerarios 07-08. Fundación Marcelino Botín, Santander 2008 Nuevas Historias. New View of Spanish Photography, KulturHuset, Estocolmo 2007 The Screen Eye or The New Image : 100 Videos to Rethink the World, Casino Luxembourg, Forum d‟art contemporain, Luxemburgo; Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Bucarest 2006 Identidades críticas, Sala Puertanueva, Córdoba; Museo Patio Herreriano, Valladolid 2005 No es él, Galería Joan Prats, Barcelona 2004 En construcción (cap_2), Centre d‟art la Panera, Lleida / En construcción, Sala de Verónicas, Murcia

TERESA SOLAR ABBOUD Crushed by pressure, debris, 2017, Tubos de acero galvanizado de 4 cm de diámetro, cuerdas y cerámica rosa esmaltada, 98 x 170 x 60 cm

TERESA SOLAR ABBOUD Crushed by pressure, strain insulation, 2017, Escultura de cerámica negra esmaltada de 20 x 15 x 15 cm y cuerdas, Medidas variables

TERESA SOLAR ABBOUD A través de esculturas cerámicas, vídeos y fotografías, Teresa Solar Abboud traza una narración discontinua que, partiendo de su propio cuerpo, se vincula con la exploración espacial. Precisamente, sus obras giran en torno a la relación del cuerpo de la artista con sus materiales de trabajo, esencialmente la cerámica. A través del vínculo performativo y de doble sentido que se establece entre sujeto y material, entre estructura y masa, Teresa Solar reflexiona acerca de conceptos como el control, la resistencia, cierto equilibrio definitivamente precario del sentido y el accidente. En las esculturas de la serie Crushed by pressure, la presión de las barras metálicas y las cuerdas repite el proceso de creación de las cerámicas, recordando a los amasijos de un accidente, en el que la cerámica se convierte en el cuerpo del sujeto, controlado y estabilizado a través de las estructuras que lo deforman. La cerámica permite enfatizar el contraste entre el primitivismo de un material y una técnica milenaria, con la sofisticación tecnológica de las pieles cerámicas que recubren las naves espaciales.

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) vive y trabaja en Madrid. Ha sido residente y profesora visitante en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste de Stuttgart (2016), quedó finalista del programa para mentores Fundación Rolex (2016), recibió la beca de producción de la Fundación Botín (2014), la del CAM (2011) y el premio Generaciones (2012). Ha expuesto individualmente en La Panera Lleida (2016), Matadero Madrid (2014) y CA2M Móstoles (2012). Recientemente ha sido seleccionada finalista para el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente durante ARCOmadrid 2017. Próximamente expondrá en la Haus der Kunst y en la Kunstverein München, de Munich.

LOLA LASURT Donació, 2016, 22 óleos sobre lino de 80 x 41,5 cm

LOLA LASURT Donació, 2016, 22 óleos sobre lino de 80 x 41,5 cm

LOLA LASURT Barcelona, 1983 Vive y trabaja entre Londres y Barcelona Lola Lasurt centra su actividad artística en la pintura y el video, muchas veces a partir de procesos colaborativos que aportan, a sus trabajos de carácter personal, una proyección universal. El trabajo sobre el „des-tiempo‟, entendido como el análisis y el cuestionamiento de un periodo temporal anterior al propio es uno de los ejes vertebradores de su obra, que frecuentemente toma como punto de partida elementos de la cultura material y estética reveladores de pautas de comportamiento y parámetros ideológicos de una época determinada. Sus obras giran en torno a las temáticas de la memoria y el olvido, de la nostalgia y de la necesidad de amnesia. Lola Lasurt se interesa por el tiempo histórico individual y su relación con las directrices de la cultura hegemónica y la construcción de símbolos colectivos. SELECCIÓN DE ÚLTIMAS EXPOSICIONES: 2016 Donació, Biblioteca Pública Arús (Barcelona Gallery Weekend), Barcelona / Foot Foraine, La Villette, París / contesting/contexting SPORT 2016, to reclaim the field with art and activism, ngbk Neue Gesellschaft für bildende Kunst, Berlín / Surprise, Netwerk Center for Contemporary Art, Aalst, Bélgica 2015 Constel.lacions familiars, Museu de l´Empordà, Figueres / Young Belgian Art Prize, Bozar, Bruselas / Gran Angular, Fabra i Coats, Barcelona 2014 Doble Autorització, ciclo 'Arqueologia preventiva', Espai13, Fundació Miró, Barcelona / Exercici de ritme, Galeria Joan Prats, Barcelona / Red Dawn, HISK, Gante, Bélgica / Write of Spring, Extra Muros / Het Paviljoen, Gante, Bélgica 2013 Auberge Espagnole, Anneessens Palace, Bruselas, Bélgica / Narrativas domésticas: más allá del álbum familiar, Visiona, Programa de la imagen de Huesca 2012 Amnèsies, ciclo „Constel·lacions familiars‟, EspaiDos de la Sala Muncunill, Terrassa / Los Inmutables, DAFO, Space & Projects of Contemporay Art, Lleida / Learn and Teach, Cape Town Art Week, Greatmore Art Studios, Ciudad del Cabo, Sudáfrica 2011 El Gegant Menhir, ciclo „De com convertir un Museu en Arena‟, L‟Aparador del Museu Abelló, Mollet del Vallés / Campo de Desconcentración Polivalente, Bienal de intervenciones site-specific. Alcontar, Almería / Punt mort cap el Euro-Mediterrani, Casal Jove Torreblanca, Sant Cugat del Vallés / La Gran Aventura, Can Felipa Arts Visuals, Barcelona 2010 Premio de Pintura Internacional de la Fundación Guasch Coranty, Tecla Sala, Barcelona / Contextos Intermedia, Tecla Sala, Barcelona / Paradís Perdut, Can Felipa Arts Visuals, Barcelona / Lo tengo, no lo tengo, proyecto expositivo, Espai Zer01, Olot 2009 Biennal d‟Art de Valls, Museu de Valls, Tarragona 2008 Projeccions nº 23, Cambra de la Propietat Urbana, Barcelona / Projectes deslocalitzats,Sala d'Art Jove de la Generalitat de Catalunya, Barcelona

JAVIER PEÑAFIEL Perfeccionando Muerte 2, 2016, Dibujo sobre papel, 80 x 139 cm

JAVIER PEÑAFIEL

Zaragoza, 1964 Vive y trabaja en Barcelona El trabajo de Javier Peñafiel puede definirse como un ejercicio personal, una batalla interna entre la razón crítica y la autoridad poética, con un denominador común, el esfuerzo permanente por descubrir, y descubrirnos, que los mitos modernos no son sino una proyección de los afectos humanos, de sus ansias y de sus miserias. La obra de Javier Peñafiel es intuitiva y analítica. Trata de relaciones tanto sentimentales como políticas, abarcando las preocupaciones de una sociedad inmersa en la ambigüedad. SELECCIÓN DE ÚLTIMAS EXPOSICIONES 2017 Discursos Premeditats, Centre del Carme, Valencia 2016 Cómo hacer arte con palabras, MUSAC, León / Gestos iconoclastes, imatges heterodoxes, Caixaforum, Barcelona 2015 Dibujo inalámbrico, Trienal Poligráfica, Anamasprojects, San Juan, Puerto Rico / Indisposició General. Assaig Sobre La Fatiga, Fabra i Coats, Barcelona 2014 Egolactante, MAC Museo de Arte Contemporáneo. Universidad de Chile, Santiago 2013 Latido Antecedente, Galeria Joan Prats, Barcelona / Colección: adquisicións e incorporacións recentes, CGAC, Santiago de Compostela / Me, myself and I, Sala la Lonja, Madrid 2012 Vibrar Vacíos, un proyecto de Javier Peñafiel y Eulàlia Valldosera, Halfhouse, Barcelona / Estilo Indirecto, Foto Colectania, Barcelona; Bòlit, Girona / I glove you, Reynolds Gallery, Richmond, USA 2011 Monólogo jardín, palacio polifonía; la voz acusmática, Lisboa, Berlín, Valparaíso / Relatos encadenados, La Panera, Lleida / Topografías Re-versibles, Centre d‟art Cal Massó, Reus / Itinerarios 2009-2010, Fundación Botín, Santander / Noroeste, IAACC Pablo Serrano, Zaragoza / Lying on rocks, sitting in windows, standing on chairs, Hockney Gallery, Royal College of Art Kensington Gore, Londres 2010 Locución Merkel-Bachelet, Berlín-Santiago de Chile / Veu entre línies, La Panera, Lleida / ¡Que Hazaña! ¡Con muertos!. Enfrentamiento y violencia en el arte contemporáneo, Sala Puertanueva, Córdoba 2009 Vivir entre líneas y La agenda de caducidad de los tiempos drásticos de Javier Peñafiel, MAC Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile 2008 Agenda do fim dos tempos drásticos, 28ª Bienal de Sâo Paulo, Brasil / Agua incondicional, Exposición Internacional de Zaragoza / No verbal, todo por escrito, Galería Joan Prats, Barcelona 2007 Mera Coincidencia, CGAC, Santiago de Compostela / Kunst, Design, Bücher, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt / Encuentro internacional Medellín 07, Colombia / Paperback, MARCO, Vigo 2006 Trilhas na mata digital. Videocriação contemporânea na Espanha, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Brasil / Diversidades formales, CAB, Burgos / Material Sensible, Museo Esteban Vicente, Segovia 2005 Tiempos de vídeo. 1965-2005.Colección Nouveaux Médias del Centre Pompidou, CaixaForum, Barcelona

FERNANDO PRATS Acción Quillagua, 2012, dibujos humo sobre papel, videos y fotografía

FERNANDO PRATS Acción Quillagua, 2012, dibujos humo sobre papel, videos y fotografía

FERNANDO PRATS Santiago de Chile, 1967 Vive y trabaja en Barcelona En sus obras Fernando Prats “pinta” o, mejor dicho, recrea la naturaleza; trata de registrar huellas, de hacer visible lo invisible, de dar voz e imagen a lo que estaba ahí pero pasaba desapercibido. Utilizando sismógrafos, calcos, fotografías, vídeos… registra el palpitar de diferentes realidades sobre soportes ahumados, desde el vuelo de aves hasta el surtidor salvaje de un géiser, el carbón profundo de unas minas o las poderosas olas que rompen contra el acantilado. De esta manera, Fernando Prats mantiene una relación poco ortodoxa con la pintura, tanto por la elección de sus instrumentos, como por la intervención del azar. Su trabajo se formaliza en acciones que él mismo registra, y que muestran los procesos creativos intrínsecos a su obra. Las pinturas de Fernando Prats son objetos-tiempo, pues condensan en su forma acabada una historia, la de su creación, cuyos tiempos a menudo nada tienen que ver con los del artista, sino con los ritmos naturales. Fernando Prats ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia, representando a Chile (2011); la Bienal Mediations de Poznan, Polonia (2012); la Bienal de las Islas Canarias (2009); la Trienal de Chile (2009) y la Exposición Universal del Agua, Zaragoza (2008). Ha expuesto su obra en centros internacionales como Espace Culturel Louis Vuitton, París, Fundació Miró, Barcelona o Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile. Ha recibido diversos premios y becas de residencias de diferentes instituciones, como son Premi Antoni Gelabert d‟arts visuals, Palma de Mallorca (2011), John Simon Guggenheim Memorial Foundation Scholarship por su carrera (2006-2007); artista en residencia en Kunst Station Sankt Peter Köln(2002-2003); beca de Honor Presidente de la República del Gobierno de Chile (1997-2000).

VICTORIA CIVERA Serie Radial. Horizontes circulares, 2017, Técnica mixta sobre aluminio, 43 cm de diámetro

VICTORIA CIVERA Serie Tablets. El hombre de los pasajes #2, 2017, Técnica mixta, 28,5 x 42 x 13,5 cm

VICTORIA CIVERA Port de Sagunt, Valencia, 1955 Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria) La trayectoria de Victoria Civera se inició en los años setenta, trabajando principalmente el fotomontaje. A lo largo de la década siguiente se centró en la pintura, en un primer momento abstracta, aunque luego incorporó la figuración. Es a mediados de esta década cuando Victoria Civera se traslada a Nueva York e incluye fotografía y escultura a su práctica artística, y se produce un cambio en su obra, que deviene más introspectiva. Por la iconografía de su obra, centrada en el universo femenino, y por su contenido onírico, Victoria Civera ha conseguido un lenguaje personal y repleto de matices. Se ha movido entre las piezas de gran escala, en las cuales opta por materiales industriales, y piezas de una poética comedida y sugerente, incorporando a menudo objetos de la vida doméstica. SELECCIÓN DE ÚLTIMAS EXPOSICIONES 2017 Every Day. Ni la palabra ni el silencio, Centro de Arte Alcobendas / Colección Soledad Lorenzo Punto de encuentro // Cuestiones personales, MNCARS, Madrid 2016 Surrealism & Beyond, von Bartha, Basel; Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam 2015 De la mano, CentroCentro Cibeles, Madrid / Made in Spain, CAC, Málaga / Imago Mundi, Fondazione Giorgio Cini, Venecia 2014 A partir de la figura, CAAC, Sevilla / La bolsa o la vida, Casa de Velázquez, Madrid 2013 93, CGAC, Santiago de Compostela / Experiencias 5, Museo de Bellas Artes, Santander 2012 Pictorial Fragments, 1980-2010, Es Baluard Museu d‟Art Modern, Palma de Mallorca 2011 Victoria Civera, IVAM, Valencia / Cómplices de futuro, Centro de Arte Alcobendas, Madrid / Figuras de exclusión, Patio Herreriano, Valladolid 2010 Victoria Civera. Atando el cielo, CAC Málaga 2009 Grande Hazaña! Con muertos, Sala Puertanueva, Córdoba / Cosmética dogmática, Caixaforum, Barcelona 2008 Micro-narratives : tentation des petites réalités, Musée d‟Art Moderne, Saint-Etienne / Invisible Rays: The Surrealism Legacy, The Rose Art Museum, Waltham, EEUU 2007 La vida privada, CDAN Fundación Beulas, Huesca / Al otro lado del espejo, CEART, Madrid 2006 Túnel eterno, Palacio de los Condes de Gabia, Granada 2005 Bajo la piel, Espacio 1, MNCARS, Madrid

JUAN USLÉ Soñé que revelabas, 2016, Acrílico, vinilo, pigmentos y dispersión sobre tela, 274 x 203 cm

JUAN USLÉ Desencuentro, 2016, Acrílico, vinilo, pigmentos y dispersión sobre tela, 61 x 46 cm

JUAN USLÉ Khar-Us (Nuur), 2016, Acrílico, vinilo, pigmentos y dispersión sobre tela, 61 x 46 cm

JUAN USLÉ Santander, 1954 Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria) La pintura de Juan Uslé se basa en su experiencia de la ciudad, en concreto de Nueva York, donde se trasladó a finales de los ochenta. La percepción visual, a la vez líquida – por lo móvil y fluida – y luminosa de sus estructuras y espacios le influyó notablemente, haciendo emerger una combinación de elementos geométricos y elementos orgánicos en sus composiciones. Juan Uslé trabaja mezclando sus propios colores y aplicándolos mediante dispersión sobre tela, construye así imágenes abstractas a partir de patrones geométricos, de la luz y del color. En cada una de sus composiciones combina la búsqueda de una organización y una estructura, junto con la aparición de lo inesperado. La pintura de Juan Uslé analiza, más que expresa, el origen de sus propias imágenes basadas en la experiencia urbana. Su práctica se basa en el juego entre antítesis formales históricas, las formadas por conceptos como plano-profundidad, construcción-expresión, estructura-espontaneidad. La obra de Juan Uslé se define así por una dinámica de opuestos. SELECCIÓN DE EXPOSICIONES 2015 Made in Spain, CAC Centro de Arte Contemporáneo, Málaga 2014 Juan Uslé Dark Light, Kunstmuseum Bonn, Alemania; CGAC, Santiago de Compostela 2013 Seongnam Arts Center, Corea del Sur / On Painting, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria 2012 Trayectorias, MEIAC, Badajoz 2011 Fiction & Reality, MMOMA, Moscú / Abstracción Racional, CGAC, Santiago de Compostela, /

Galeria Joan Prats, Barcelona 2010 Nudos y rizomas, Es Baluard, Mallorca / Ich weiß gar nicht, was Kunst ist , MARTa Herford,

Alemania 2009 Kunsthalle Emden, Alemania 2008 Out of Storage, MUDAM, Luxemburgo / España 1957-2007, Palazzo Sant‟Elia, Palermo 2007 Juan Uslé, CAC, Málaga / Beijing Art Museum of the Imperial City, Beijing, China 2006 Salvador Dalí and a Century of Art from Spain: Picasso to Plensa, The Alburquerque Museum,

New Mexico; Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida 2005 Biennale di Venezia LI, Italia 2004 Monocromos, de Malevich al presente , MNCARS, Madrid 2003 Open rooms, Palacio Velázquez, Madrid; SMAK, Gante, Bélgica; IMMA, Dublín 2001 Quartos Escuro e Amarello , Serralves, Portugal / De Picasso a Barceló, Pinacoteca do Estado,

Sao Paulo; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires 1996 Ojo Roto, MACBA, Barcelona 1993 Desde la pintura, Museo Rufino Tamayo, México DF 1992 Documenta 9, Kassel 1989 2 Bienal internacional de Estambul, Turquía 1985 18ª Bienal de São Paulo

HERNÁNDEZ PIJUAN Les Albes del Segre XII, 1983, Óleo sobre tela, 150 x 150 cm

HERNÁNDEZ PIJUAN Sèrie ornamental II, 2005, Óleo sobre tela, 38 x 53 cm HERNÁNDEZ PIJUAN Terra de siena amb punts blancs , 2000, Óleo sobre tela, 27 x 41 cm

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN

Barcelona (1931-2005) Joan Hernández Pijuan empezó a pintar en los años sesenta con un estilo próximo al expresionista. Sin embargo, a lo largo de los años setenta el espacio vacío empezó a ganar protagonismo en sus pintu ras así como las figuras geométricas. Tal y como él mismo comentó `el espacio´ se convirtió en el objetivo de su obra: `diría que una preocupación constante es y ha sido encontrar un espacio como protagonista total del cuadro. (…) Un espacio como un elemen to vivo del cuadro y no como un fondo sobre el cual uno dibuja o se sitúa.´ El paisaje de su infancia en la población de Folquer se convirtió en motivo pictórico en su edad adulta: Hernández Pijuan recurre al paisaje de su memoria para recrearlo de forma sintética en el cuadro. El objetivo de este pintor nunca fue lograr una pintura descriptiva o narrativa, sino enfatizar a través del monocromo la técnica pictórica. En los últimos años de la década de los ochenta, Hernández Pijuan realizó algunas pinturas donde la superficie de la tela se presenta prácticamente libre de motivos y la línea deviene un importante elemento estructural. Drásticas y a la vez evocadoras, las obras realizadas en el paso hacia los noventa se caracterizan por una total ausencia de agitación. La esencialidad que poseen las telas de este momento es una condición innata, una naturaleza que hacía visible el ánimo con el que fueron pintadas. Joan Hernández Pijuan ha sido uno de los artistas catalanes contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Ha participado en exposiciones en centros de arte internacionales y ha recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Arte Gráfico en reconocimiento a su trayectoria (2005), el Premi Ciutat de Barcelona de Artes Plásticas (2004) y e l Premio Nacional de Artes Plásticas (1981). Entre sus exposiciones más destacadas están la participación en la 51 Bienal de Venecia (2005); Tornant a un lloc conegut... Hernández Pijuan 1972-2002 en el MACBA, Barcelona (2003), que itineró por el Musée d‟art et d‟histoire de Neuchâtel, la Konstshalle Malmö y la Galleria d‟Arte Moderna de Bolonia; Hernández Pijuan-drawings 1972-1999, en el Rupertinum Museum de Salzburgo (2000) y Espacios de silencio 1972-1992 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1993), que se presentó también en el Museo de Monterrey, México. Recientemente su obra se ha mostrado en una retrospectiva en el Moscow Museum of Modern Art; en la exposición Farben der erde, en el Altana Kulturstiftung de Bad Homburg, Alemania y en la exposición La distancia del dibujo, itinerante por el Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca, el Museu de Montserrat y el Museu d‟Art Espanyol Contemporani, Palma de Mallorca.

JOSÉ MARÍA SICILIA La locura del ver, 2017, Tinta calcográfica, papel y seda sobre madera, 200 x 200 cm

JOSÉ MARÍA SICILIA El instante, 2011-7, Tinta calcográfica, papel y seda sobre madera, 60 x 60 cm

JOSÉ MARÍA SICILIA El instante, 2011-7, Tinta calcográfica, papel y seda sobre madera, 60 x 60 cm

JOSÉ MARÍA SICILIA El trabajo reciente de José María Sicilia está formado por obras abstractas que incorporan tejidos y bordados y cuyas formas proceden de sonogramas. Junto a la serie de Phasma, iniciada en Japón, encontramos la serie de El Instante, collages realizados a partir de dibujos de los últimos diez años, y obras de la serie de La Locura del ver. El proceso de creación de esta última serie está vinculado a una tecnología sonográfica que parte del experimento realizado en 1801 por Thomas Young, que permitió detectar la naturaleza ondulatoria de la luz a través de su difracción por dos rejillas alejadas sucesivamente de una fuente luminosa. Este experimento sirve como punto de partida para un programa informático que permite a Sicilia descomponer el sonido para crear unas cartografías de líneas y formas, unas composiciones de dibujos, pintura, collage y bordado que dan como resultado las obras de La Locura del ver. Esta tecnología le da a José María Sicilia una herramienta para alcanzar una nueva profundidad. En este nuevo desarrollo de su obra encontramos todo aquello que ya estaba presente en su evolución artística anterior: la fuerza del color, el movimiento de la luz, un gusto por lo orgánico y el proceso de unificación y oposición que, desde los años ochenta, mostró su pintura. Su primera producción tenía un marcado carácter expresionista y profundizaba en la monocromía del blanco. Más adelante, su trayectoria se ve marcada por el hallazgo de la cera como material, por la aparición de las flores, las colmenas y también por la fotografía. Sicilia es un creador inquieto que ha basado su obra en el cuestionamiento de la forma. Es un artista que interroga, que no acepta moldes y siente la necesidad de quebrar los formatos, convocando la emoción del espectador. José María Sicilia (Madrid, 1954) vive y trabaja en Madrid. Recientemente ha expuesto en el Museo Casa de la Moneda y Calcografía Nacional de Madrid (2017); Musée Delacroix de París (2015), Palacete del Embarcadero de Santander (2014); Matadero de Madrid y Fukushima Prefectural Museum of Art (2013); Hospital de la Caridad de Sevilla (2012); Maison Erasme de Bruselas y Amos Anderson Art Museum de Helsinki (2010); Nagasaki Prefectural Art Museum (2008). Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, entre las que destacan: Centre Georges Pompidou, París; MOMA, Nueva York; Fundació „la Caixa‟, Barcelona; Colección Banco de España, Madrid; Collection Ville de Paris; MACBA, Barcelona; Galleria d‟Arte Moderna, Turín; MNCARS, Madrid; Museum of Modern Art, Gunma, Japón; National Gallery of Australia, Canberra; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; The New York Public Library, Nueva York.