DOKUARTS 11: UNFORMATIERTBEYOND FORMATOCT 4 - 21, 2018

DOKUARTS 11: UNFORMATIERT Der unformatierte und von unabhängigen Filmautor*innen hergestellte künstlerische Dokumentarfilm ist mittlerweile fast gänzlich aus den deutschen Fernsehprogrammen verschwunden.

DOKUARTS 11: Unformatiert/Beyond Format zeigt das gesamte faszinierende und lebendige Formenspektrum des zeitgenössischen unformatierten dokumentarischen Schaffens. Insbesondere unkonventionelle persönliche Künstlerportraits, Essayfilme, Langzeitbeobachtungen und die Dokumentation von Arbeitsprozessen erfreuen sich international großer Beliebtheit bei Filmema cher*innen und dem Publikum und sind dennoch meist nur vereinzelt am Rande der großen Festivals aufzufinden.

DOKUARTS 11: Unformatiert/Beyond Format präsentiert mit seinem Programm das Gedächtnis der Künste und ihre Bedeutung für die Gegenwart.

INTERNATIONALE FILMWERKSCHAUDie internationale Filmwerkschau umfasst 24 neue Filme zur Kunst aus 16 Ländern, darunter 12 Filme von Filme-macherinnen.

Alle Filme sind erstmalig in Berlin zu sehen, die meisten als Deutschlandpremieren. Fast alle Filmemacher*innen werden ihre Filme persönlich präsentieren.

FILME ZUR FOTOGRAFIEIm Rahmen des European Month of Photography werden 6 Filme zur Kunst der Fotografie am Wochenende 12. – 14. Oktober gezeigt. Europa- und Deutschlandpremieren und die Anwesenheit der Fotografen Harry Gruyaert und Daniel Schwartz prägen dieses zweite Festivalwochenende.

INTERNATIONALES SYMPOSIUM UNFORMATIERTDas diesjährige DOKUARTS-Symposium findet in Koope- ration mit dem European Documentary Network statt. Es setzt sich mit der historischen, gegenwärtigen und fort- schreitenden Formatisierung der Medien- und Kulturland-schaft, sowie mit den Zusammenhängen zwischen Pro-duktionsbedingungen, Ästhetik und Politik von Filmen zur Kunst auseinander und diskutiert Zukunftsperspektiven für den unformatierten Dokumentarfilm.

FREITAG, 5. OKTOBER14:00 – 20:00 UHR (anschließend Filmprogramm mit Gästen)ZEUGHAUSKINO BERLINUNTER DEN LINDEN 2Konferenzsprache: Deutsch/Englisch

Die Teilnahme am Symposium ist kostenlos. Eine ausführli-che Beschreibung der Tagungsthemen und die Namen der Teilnehmer finden Sie auf www.doku-arts.deEine Anmeldung ist erforderlich unter info@doku-arts.de

FESTIVAL FÜR FILME ZUR KUNSTFESTIVAL FOR FILMS ON ART

DOKUARTS 11: BEYOND FORMAT Unformatted artistic documentary films by independent film auteurs have disappeared almost entirely from today’s German television programs.

DOKUARTS 11 – Unformatiert/Beyond Format presents the entire fascinating and vital form spectrum of contem-porary documentary film work. Unconventional personal artist portraits, essay films, long-term observations and the documentation of working processes are very popular internationally, appreciated not only by filmmakers but also by the general audience. And yet, only few of them make their way beyond the fringes of the big film festivals.

DOKUARTS 11 – Unformatiert/Beyond Format, through its program, showcases the memory of the arts and their significance for our present times.

INTERNATIONAL FILM FESTIVALThe international exhibition of cinematic work presents 24 new films about art, coming from 16 different countries. 12 of the films are contributed by female filmmakers.

All films are shown in Berlin for the first time, most of them as German premiere. Nearly all filmmakers will be present to introduce their films.

FILMS ON PHOTOGRAPHYIn conjunction with the European Month of Photography we will feature 6 films on the art of photography. European and German premieres over the course of a single week-end, October 12 – 14, and the presence of photographers Harry Gruyaert and Daniel Schwartz are amongst the high-lights of the festival.

INTERNATIONAL SYMPOSIUM BEYOND FORMATThis year’s DOKUARTS-Symposium takes place in cooperation with the European Documentary Network and will discuss the historical, present and continuing formatization of media and culture as well as the interrelations between conditions of production, aesthetics, and politics in the context of films on art and future prospects of the unformatted documentary film.

FRIDAY, OCTOBER 5 2:00 PM – 8:00 PM (followed by film presentation with guests)ZEUGHAUSKINO BERLINUNTER DEN LINDEN 2Languages: German/English

The participation in the symposium is free of charge. Detailed information about topics and guest speakers can be found under www.doku-arts.deRegistration is required: info@doku-arts.de

DOKUARTS 11: UNFORMATIERT Zeughauskino Berlin4. – 21. Oktober

Unter den Linden 2, 10117 Berlin

ReservierungenMo – Fr 10 – 18 Uhr+49 (0)30 20 304 421 oderzeughauskino@dhm.de

Kinokasse (ab 1h vor Veranstaltungsbeginn)+49 (0)30 20 304 770

Eintrittspreis: 5 EuroFestivalpass: 30 Euro

Redaktionsschluss: 15. AugustFortlaufend aktualisierte Informationen finden Sie auf www.doku-arts.de

DOKUARTS 11:BEYOND FORMATZeughauskino BerlinOctober 4 – 21

Unter den Linden 2, 10117 Berlin

Ticket ReservationMonday – Friday 10 am to 6 pm+49 (0)30 20 304 421 orzeughauskino@dhm.de

Box Office (1hour prior to the event)+49 (0)30 20 304 770

Admission: 5 EuroFestival pass: 30 Euro

Editorial Deadline: August 15Continuously updated information can be found under: www.doku-arts.de

Bildnachweise von oben links im Uhrzeigersinn:

© Svensk Filmindustri„Bergman – A Year in a Life“ von Jane Magnusson

© Raghu Rai„Raghu Rai – An Unframed Portrait“ von Avani Rai

© Les Films de La Butte„Impulso” von Emilio Belmonte

© Harry Gruyaert/ Magnum Photos„Harry Gruyaert – Photographer“ von Gerrit Messiaen

© Doug Nichol„California Typewriter“ von Doug Nichol

Cover:© GoldenEggProduction„Beyond the Obvious – Daniel Schwartz. Photographer“ von Vadim Jendreyko

Design: Pentagram / Berlin

PROGRAMM

4.10. DONNERSTAG 19:30 Bergman – A Year in a Life

5.10. FREITAG 14:00 Symposium 18:30 Crossroads and The Exploding Digital Inevitable 21:00 The Proposal

6.10. SAMSTAG17:00 The End of Fear19:00 Filmworker21:00 Milford Graves Full Mantis

7.10. SONNTAG 15:00 Bergman – A Year in a Life18:00 Jaar, Lament of the Images20:00 Lots of Kids, a Monkey and a Castle

8.10. MONTAG 20:00 Black Mother

9.10. DIENSTAG 20:00 California Typewriter

10.10. MITTWOCH 20:00 Kusama: Infinity

12.10. FREITAG 19:00 Beyond the Obvious – Daniel Schwartz. Photographer21:00 Harry Gruyaert – Photographer

13.10. SAMSTAG 16:00 Black Mother17:30 Raghu Rai – An Unframed Portrait19:00 Garry Winogrand: All Things are Photographable21:00 Dreaming Murakami

14.10. SONNTAG 18:00 Witkin & Witkin 20:00 Paa Joe & the Lion

16.10. DIENSTAG20:00 California Typewriter

17.10. MITTWOCH 20:00 I’ve Got the Blues

18.10. DONNERSTAG 20:00 HAL

19.10 FREITAG 19:00 Impulso21:00 To Stay Alive – A Method A Feel Good Movie about Suffering

20.10. SAMSTAG 17:30 Beyond the Obvious – Daniel Schwartz. Photographer 19:00 Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!20:30 The Price of Everything

21.10. SONNTAG 18:00 Filmworker 20:00 Lots of Kids, a Monkey and a Castle

Medienpartner PartnerKooperationspartnerGefördert durch

Berlin in English since 2002

12.10. 21:00

13.10. 17:30

13.10. 19:00

13.10. 21:00

14.10. 18:00

14.10. 20:00

17.10. 20:00

18.10. 20:00

19.10. 19:00

19.10. 21:00

20.10. 19:00

20.10. 20:30

FILMWORKER TONY ZIERRAUSA 2017, 94’, DCP, OF, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 06.10.: TONY ZIERRA

Mit einem kühnen Dokumentarfilm, der den Karriereweg des Schauspielers und Stanley Kubrick-Assistenten Leon Vitali nachzeichnet, hinterfragt Tony Zierra die Arbeits- methoden des berühmten amerikanischen Regisseurs. 25 Jahre lang stand Vitali diesem als „Mädchen für alles“ zu Diensten. Ein Fall wahnwitziger Loyalität oder gnaden- loser Ausbeutung? Die Entscheidung darüber liegt im Auge des Betrachters!

Stanley Kubrick’s working methods are placed under critical examination in a bold new documentary that follows the career path of actor-turned-assistant dogsbody Leon Vitali. For 25 years Vitali placed himself at the service of Kubrick’s least command: he made himself indispensable. A case of mad loyalty or cruel exploitation? Up to the viewer to decide!

Kann man als Künstler Pessimist sein und zugleich von unverdrossenem Optimismus in der eigenen künstlerischen Praxis getrieben? Der Chilene Alfredo Jaar mit seinen welt-weit präsenten Installationen über politisch-gesellschaftli-che Themen ist der lebende Beweis. Paula Rodríguez Sickert erforscht die humanistische Haltung hinter den Wer-ken und öffentlichen Interventionen des Künstlers, der stets auch die Rolle der Kunst kritisch mitreflektiert.

JAAR, LAMENT OF THE IMAGESPAULA RODRÍGUEZ SICKERTCHI 2017, 78’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE

Is it possible to be a pessimistic artist and, at the same time, driven by tenacious optimism in one’s own artistic practise? The Chilean Alfredo Jaar with his socio-politically motivated installations is the living proof. Filmmaker Paula Rodríguez Sickert examines the humanistic attitude behind the work and public interventions of this world-famous photographer and artist, who keeps reflecting the role and meaning of art.

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Rechtzeitig zum 100. Geburtstag gelingt der schwedischen Filmemacherin Jane Magnusson der wohl wichtigste Film über den Meister des skandinavischen Kinos. Durch die Nahaufnahme eines einzigen Jahres – es ist das Jahr 1957 – wird das Leben und der schwierige Charakter Ingmar Bergmans anhand von faszinierendem Archivma-terial, erstaunlichen Fundstücken und aus überraschenden Perspektiven heraus betrachtet.

BERGMAN – A YEAR IN A LIFE JANE MAGNUSSONS 2018, 117’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 04.10.: JANE MAGNUSSON

Just in time for the 100th anniversary of Bergman’s birth, Swedish filmmaker Jane Magnusson’s portrait may well be the most important new documentary about this master of Scandinavian cinema. In close-up of a single year, 1957, with rich archive footage, miraculous finds and from new and astonishing angles, she examines Bergman’s biography as well as his difficult character.

Bruce Conners meditative Montage von Originalauf- nahmen des ersten Unterwasser-Atombombentests auf dem Bikini Atoll (1946) ist in einer restaurierten digitalen Fassung zu sehen. Eingebettet wird Crossroads in einen zweiteiligen „Live-Essay“ des Dokumentarfilmers, Restau-rators und Filmwissenschaftlers Ross Lipman. Anhand von Interviews und Archivmaterial erzählt er die erstaunliche Produktionsgeschichte und setzt das Meisterwerk des unformatierten Films in einen kulturhistorischen Kontext.

Bruce Conner’s Crossroads, a meditative montage from original footage of the first nuclear weapon testing at Bikini Atoll (1946), is showcased in a newly restored digital version, framed by a two-part “live-essay” by documentary film- maker, restorationist, and film scholar Ross Lipman. With the help of interviews and archive material, Lipman tells the astonishing story of the film’s production and places this masterpiece of unformatted cinema into its historical context.

BRUCE CONNER’S CROSSROADS and THE EXPLODING DIGITAL INEVITABLE BY ROSS LIPMANUSA 1976/2017, 86’, DCP, OF, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 05.10.: ROSS LIPMAN

Luis Barragán prägte das moderne Mexiko mit Gebäuden in ausdrucksstarken Farben. Als der Architekt 1988 stirbt, wird sein Nachlass geteilt. 1995 erwirbt ein Schweizer Möbelunternehmer das professionelle Archiv als Verlo-bungsgeschenk für seine spätere Frau. Seitdem ist das Archiv für die Öffentlichkeit unzugänglich. Die amerika- nische Konzeptkünstlerin Jill Magid möchte das mit Hilfe der Familie Barragáns ändern; ihre unorthodoxe Aktion dokumentiert sie in diesem persönlichen Essayfilm.

THE PROPOSAL JILL MAGIDUSA 2018, 83’, DCP, OF, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 05.10.: JILL MAGID (TBC)

With his brightly coloured buildings, architect Luis Barragán has shaped the face of present-day Mexico. After his death in 1988, the estate was divided. In 1995, a Swiss furniture entrepreneur purchased the entire professional archive as engagement gift for his wife to be. Ever since the archive is inaccessible for the public. Together with Barragán’s family, American concept artist Jill Magid has set out to change this situation; the story of her unorthodox action plan is documented in this personal essay film.

THE END OF FEAR BARBARA VISSERNL 2018, 70’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 6.10.: BARBARA VISSER

1969 erwarb das Stedelijk Museum in Amsterdam Barnett Newmans Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue III. 1986 wurde das umstrittene Gemälde von einem Besucher zerstört. Die anschließende dilettantische Restaurierung führte zu einem Rechtsstreit. Barbara Visser arbeitet den zweifachen „Mord“ forensisch auf und beauftragt eine junge Künstlerin mit der Rekonstruktion des Bildes; im Bilderstreit hat diese eine Schlüsselrolle.

In 1969, the Stedeljik Museum in Amsterdam bought Barnett Newman’s Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue III. In 1986, a visitor to the museum destroyed the controversial painting. The dilettante restoration that followed the destruction caused a legal controversy. Barbara Visser forensically reprocesses the “double slaying” and commissions a young artist to reconstruct the painting; the key role of the iconoclastic dispute belongs to her.

Für Milford Graves ist Musik mehr als ein Hörerlebnis. Sie berührt Physik, Chemie, Biologie, ja sogar Kosmologie. Jake Meginskys Künstlerporträt führt durch das musikali-sche, intellektuelle und spirituelle Universum des Perkussionisten und Jazzpioniers und bietet faszinierende Einblicke in seine kreativen Prozesse. Der Film dringt zu den Wurzeln einer hochentwickelten Kunstform vor, die aus dem Zusammenprall afrikanischer Tradition und afro-amerikanischer Erfahrung entstand.

MILFORD GRAVES FULL MANTIS JAKE MEGINSKYUSA 2018, 91’, DCP, OF, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 06.10.: JAKE MEGINSKY

For Milford Graves music is more than an auditory experience; music concerns physics, chemistry, biology, even cosmology. Jake Meginsky’s portrait of the percussionist and Jazz pioneer guides us through the artist’s musical, intellectual and spiritual universe and gives fascinating insights into his creative processes. The film reaches down to the roots of a highly sophisticated art form, which emerged from a clash of African tradition and African-American experience.

Kann ein Dokumentarfilm glücklich machen? Ja, das kann er! Der Schauspieler und Regisseur Gustavo Salmerón zeigt dies mit einem wundervollen Film über seine Mutter Julita. Mehr als ein persönliches Portrait handelt er vom Theater als menschlichem Bedürfnis, vom Leben als Kunst, und der Kunst, zu leben und erzählt ganz nebenbei auch noch die Geschichte Spaniens im 20. Jahrhundert.

LOTS OF KIDS, A MONKEY AND A CASTLEGUSTAVO SALMERÓNE 2017, 90’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 07.10.: GUSTAVO SALMERÓN

In eindringlichen Reportagen über Afroamerikaner am Rande der Gesellschaft gelingt es dem Fotografen Khalik Allah, jenseits der Äußerlichkeiten das „Innere“ der Men-schen sichtbar zu machen. Dieselbe Sensibilität kennzeich-net auch seine Filme; sie sind eine Art „Street Photography in Motion“. Nach dem gefeierten Portrait von New Yorker Nachtgestalten in Field Niggas kehrt Khalik mit Black Mother zu seinen Wurzeln nach Jamaika zurück und umgeht dabei die Klischeefallen vieler Sozialreportagen.

BLACK MOTHER KHALIK ALLAHUSA/JAM 2018, 75’, DCP, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 08.10.: KHALIK ALLAH

Can a documentary make people happy? Yes, it certainly can! Actor and director Gustavo Salmerón demonstrates this with a captivating film about his mother, Julita. And yet, more than a personal portrait, this is also a film about theatre as a basic human need, about life as art and the art of living. As though in passing it also tells the story of 20th century Spain.

Photographer Khalik Allah has fascinated with haunting photo stories of African-Americans at the fringes of society, in which he went beyond appearances to show the “inside” of the depicted. The same hallucinatory intensity characterizes his films; Field Niggas, a portrait of New York “night-dwellers”, caused a sensation. With Black Mother, Khalik turns to his Jamaican roots and succeeds in bypassing the stereotypes of so many social reportages.

CALIFORNIA TYPEWRITER DOUG NICHOLUSA 2016, 103’, DCP, OF, DEUTSCHLANDPREMIERE

Das „Klick“ und „Ping“ der Schreibmaschine war für den größten Teil des 20. Jahrhunderts die musikalische Begleitung zur täglichen Arbeit des Schriftstellers. Mit einer originellen Auswahl von Träumern, Visionären und Anti-Silicon-Valley-Aktivisten erkundet Nichols geistreicher und undogmatischer Dokumentarfilm über eine kalifornische Schreibmaschinenwerkstatt das kulturelle Nachleben eines ikonischen Industrieprodukts.

For the best part of the 20th century, the “click” and “ping” of the typewriter was the aural accompaniment of the writer’s daily labours. Nichol’s witty, free-ranging documentary about a Californian typewriter repair shop explores the cultural afterlife of this iconic industrial product as it impinges on an eloquent selection of dreamers, visionaries and Anti-Silicon-Valley-Activists.

Der Weg zum Erfolg war für Yayoi Kusama und Agnes Martin von Rassismus, Sexismus, Homophobie und psychischer Krankheit geprägt. Während Kusama sich entschlossen einen Platz in der Kunstwelt eroberte und bis heute ihre Halluzinationen als Inspiration nutzt, zog sich Martin, beeinflusst von östlichen spirituellen Praktiken, in die Stille der Wüste zurück. Eine sensible Langzeitstudie und ein präzises Kurzportrait offenbaren in der Zusammenschau faszinierende Berührungspunkte.

KUSAMA: INFINITY HEATHER LENZAGNES MARTIN – ZWEI FILMDOKUMENTE MARY LANCEUSA 2018, 88’, DCP, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE. USA 2002/2016, 11’, OF, DVD

For artists Yayoi Kusama and Agnes Martin, the path to success was equally difficult, shaped by racism, sexism, homophobia and, in both cases, by mental illness. While Kusama conquered the art world with fierce determination and, to this day, uses her hallucinations as inspiration, Martin, influenced by Eastern spiritual practices, chose the solitude of the desert. Together, the thoughtful long-term study and the precise short films reveal fascinating affinities.

Der Schweizer Daniel Schwartz ist Vieles: Fotograf, Autor, Künstler. Vadim Jendreyko hat ihn während der vier Konti-nente umfassenden Fotorecherche über das klimatisch bedingte Gletschersterben begleitet. Der Filmemacher nimmt das autobiographische Moment dieser Arbeit auf und schafft so ein tiefsinniges Portrait des weltreisenden Asketen, von dem selbst Freunde nicht wissen, ob in seiner Wohnung ein Bett zum Schlafen steht.

BEYOND THE OBVIOUS – DANIEL SCHWARTZ. PHOTOGRAPHER VADIM JENDREYKOCH 2018, 70’, DCP, DEUTSCH MIT ENGL. UT, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 12.10.: VADIM JENDREYKO UND DANIEL SCHWARTZ

Daniel Schwartz is not only photographer, he also is a writer and an artist. Across four continents, Vadim Jendreyko accompanied the photo research on glacier melt and climate change by his Swiss compatriot. Jendreyko uses the autobi-ographical element in this work as a springboard for his pro-found portrait of the globetrotting ascetic who, as a friend puts it, may not even have a bed to sleep in.

Gerrit Messiaens schwerelos erzähltes Künstlerportrait über den Magnum-Fotografen Harry Gruyaert lässt den Zuschau-er mit geschickt montierten Bildsequenzen erleben, warum Gruyaert als einer der ersten Fotografen gilt, die „in Farbe denken“. Messiaen blättert Leben und Werk des Weltbür-gers auf und lässt doch stets Gruyaerts bestechende Kom-positionen atmen mit einer nie nur gefälligen Musik, welche die Wanderungen des rastlosen Flaneurs durch Zeitläufte, Kulturen und Kontinente subtil kommentiert.

HARRY GRUYAERT – PHOTOGRAPHERGERRIT MESSIAENB 2018, 62’, DCP, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 12.10.: GERRIT MESSIAEN, HARRY GRUYAERT

With skilfully assembled image sequences, Gerrit Messiaen’s weightless artist portrait of Magnum photographer Harry Gruyaert allows the audience to closely experience why Gruyaert is regarded as one of the first photographers “who thought in colour”. Messiaen unfolds the life and work of this cosmopolitan, always leaving space to breathe for Gruyaert’s captivating compositions. The carefully chosen music offers a subtle commentary to the tireless flaneur’s journeys across times, cultures, and continents.

Raghu Rais Bilder dokumentieren die turbulente Geschichte Indiens und haben sich dabei weit über das Land hinaus ins kollektive Gedächtnis eingeprägt. Der einst von Cartier- Bresson geförderte Magnum-Fotograf arbeitet mit fast unheimlicher Aufmerksamkeit. Dass man es da als Tochter nicht immer leicht hat, sich künstlerisch zu behaupten, ist klar. Avani Rai gelingt dies dennoch. Ihr kluges Filmportrait des Vaters ist ein trefflicher Beweis.

RAGHU RAI - AN UNFRAMED PORTRAITAVANI RAIFIN, N, IND 2017, 55’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE

Raghu Rai’s pictures document the turbulent history of India and have shaped the collective memory far beyond his native country. Once mentored by Cartier-Bresson, the now famous Magnum photographer works with an uncanny attentiveness. To artistically hold her own as daughter of such a father is no easy task. With her lucid and beautiful film portrait, Avani Rai definitely succeeds.

Garry Winogrand, der von den späten 50er bis in die frühen 80er Jahre ein enzyklopädisches Portrait Amerikas mit all seinem Pathos und Konflikten schuf, gilt als Fotopoet. Die anfangs verspottete Schnappschuss-Ästhetik seiner „Street Photography“ wurde zur universalen dokumentarischen Bildsprache. Ihren Schöpfer begleiteten indes seit den 70er Jahren Sexismusvorwürfe. Aus feministischer Perspektive zeichnet Sasha Waters Freyer ein ambivalentes Bild dieses einflussreichen Fotografen.

GARRY WINOGRAND: ALL THINGS ARE PHOTOGRAPHABLESASHA WATERS FREYERUSA 2018, 90’, DCP, OF, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 13.10.: SASHA WATERS FREYER

Garry Winogrand, who created an encyclopaedic portrait of 20th century America with all its pathos and conflicts, is regarded as photo-poet. The snapshot-aesthetics of his street photography, though initially lampooned, grew into a generic visual language of documentary. From the 1970s on, however, its creator was reproached with sexism. Filmmaker Sasha Waters Freyer chooses a feminist perspective for her documentary about the influential photographer and disputable man.

DREAMING MURAKAMI NITESH ANJAANDK 2017, 58’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 13.10.: NITESH ANJAAN

Seit fast 20 Jahren überträgt die Übersetzerin Mette Holm die Bücher Haruki Murakamis vom Japanischen ins Dänische. Es ist eine langwierige und oft einsame Arbeit, die die Dänin leistet. Den Filmemacher Nitesh Anjaan hat diese Arbeit fasziniert. Gemeinsam mit der Übersetzerin taucht er in die Vorstellungswelten des japanischen Autors ein und lässt auf spielerische Weise das faszinierende Portrait einer Frau und ihrer Passion entstehen.

For almost 20 years, Mette Holm has translated Haruki Murakami’s books from Japanese into Danish. Her work can be tedious; most of the time it is solitary. Yet, filmmaker Nitesh Anjaan was captivated by it. Together with the translator, Anjaan journeys into the imaginary world of the Japanese author. Along the way, he playfully creates the intriguing portrait of a woman and her passion.

Welten trennen Joel-Peter Witkin, bekannt durch seine grotesken, oft verstörenden Fotoinszenierungen und den sozialpolitisch engagierten figurativen Maler Jerome Witkin. Trisha Ziff bringt das ungleiche Zwillingspaar zusammen auf die Leinwand. Ihr spannendes Doppel- portrait zweier außergewöhnlicher Künstlerpersönlich- keiten ist auch eine Reflexion über Identität und Differenz.

WITKIN & WITKIN TRISHA ZIFF MEX 2018, 93’, DCP, OMEU, EUROPAPREMIERE. ZU GAST AM 14.10.: TRISHA ZIFF (TBC)

Joel-Peter Witkin is widely known for his provocative, often grotesque photo tableaux. Jerome Witkin, for his part, is a socio-politically engaged figurative painter. The two artists are identical twins, and yet separated by worlds. Trisha Ziff reunites them on the big screen. Her fascinating double portrait of two singular artists may well invite a reflection about identity and difference.

Die meisten seiner Werke befinden sich zwei Meter unter der Erde: der ghanaische Sargkünstler Paa Joe setzt das Leben von Verstorbenen in Fantasiesärge um. 2016 wurden er und sein Sohn nach Nottinghamshire einge- laden. Inmitten eines idyllischen Schlossparks schufen sie vor den Augen neugieriger Besucher einen Sarg in Löwen-form. Benjamin Wigley hat das interkulturelle Projekt über Leben und Tod begleitet: Ein überraschender Essayfilm über das kulturelle Verhältnis zwischen Europa und Afrika.

PAA JOE & THE LION BENJAMIN WIGLEYGB 2016, 74’, DCP, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE. ZU GAST AM 14.10.: BENJAMIN WIGLEY

Most of his works rest six feet under: The Ghanaian coffin artist Paa Joe honours the lives of the dead with his fantasy coffins. In 2016 he and his son were invited to Nottinghamshire. In the midst of a bucolic palace garden, observed by curious spectators, the two artists sculpted a lion-shaped coffin. With his camera, Benjamin Wigley kept records of this cross-cultural project: A surprising essay film about the cultural relations between Europe and Africa.

Irgendwo im marktorientierten Hongkong, in versteckten Gassen, Wohnräumen, Bars, Restaurants und Gärten blüht die Subkultur einer vitalen Künstlerboheme. Sie ist das Zuhause des Malers (Autors, Musikers, Set Designers, Fotografen und Aktivisten) Yank Wong. Mit einem Film über Kunst, Freundschaft und Wein gelingt Angie Chen trotz aller Sabotageversuche Wongs ein sensibles und oft höchst unterhaltsames Porträt.

I’VE GOT THE BLUES ANGIE CHENCHN 2017, 90’, DCP, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE

Somewhere in market-oriented Hongkong, in hidden alleys, living rooms, bars, restaurants and gardens, flourishes the subculture of a vital artist bohème. It is the playground of painter (author, musician, set designer, photographer and activist) Yank Wong. Despite Wong’s attempts to sabotage his friend, filmmaker Angie Chen wins the game. Her sensitive and highly entertaining portrait of the painter is also a film about art, friendship and wine.

HAL AMY E. SCOTTUSA 2018, 90’, DCP, OF, DEUTSCHLANDPREMIERE

Mit der Kamera folgt Cutterin Amy Scott den Spuren des legendären 1970er Indie-Regisseurs Hal Ashby, der mit den Kultfilmen Harold and Maude (1971) und Being There (1979) sowie unvergesslichen Antikriegsdramen wie The Last Detail und Coming Home aus derselben Dekade bekannt wurde. Scotts ausgezeichneter Dokumentarfilm verbindet auf erhellende Weise umfassende Interviews mit Kollegen und dynamisch geschnittene Segmente aus den Werken des Filmemachers.

With her camera, cutter Amy Scott follows along the path of legendary 1970s indie director Hal Ashby, responsible for the cult movies Harold and Maude (1971) and Being There (1979) as well as memorable anti-war dramas such as The Last Detail and Coming Home from the same decade. Scott’s outstanding documentary includes in-depth interviews with collaborators framed by dynamically edited excerpts from the movies.

IMPULSO EMILIO BELMONTEF/E 2017, 105’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 19.10.: EMILIO BELMONTE

Die Flamencotänzerin Rocío Molina ist eine große Künst-lerin, der es gelingt, mit einer langen Tradition zu brechen und sie zugleich durch radikale Veränderung neu entstehen zu lassen. In ihren fesselnden Auftritten sucht sie stets das Unbekannte. Emilio Belmontes filmisches Portrait ist ein Fest für die Sinne. Seine sensible, dem Flamencorhythmus angepasste Bearbeitung erhält trotz medialer Vermittlung die Direktheit eines faszinierenden Tanzerlebnisses.

Flamenco dancer Rocío Molina is an exceptional artist: she breaks the tradition and, through radical change, brings new life to this century-old dance form. Molina’s mesmerizing performances are always a quest to discover the unknown. Emilio Belmonte’s film portrait is a feast of the senses. His sensitive editing captures the flamenco rhythm and, despite the medial conveyance, sustains the directness of a fascinating dance experience.

Erik Lieshout macht ein ungleiches Paar zu Protagonisten seines eigenwilligen Filmessays: Michel Houellebecq, den Bad Boy der französischen Literatur und Iggy Pop, den „Godfather des Punk“. Mit Grabesstimme und verwittertem Gesicht führt der Punkveteran in Rezitativen, Spielszenen, Konzertaufnahmen und Interviews durch Houellebecqs „Survival-Handbuch“ für Künstler. Parallel dazu erzählt der Film berührend vom Ringen dreier unbekannter Künstler mit ihren Dämonen.

TO STAY ALIVE - A METHOD A FEEL GOOD MOVIE ABOUT SUFFERING ERIK LIESHOUTNL 2016, 70’, DCP, OMEU, BERLINPREMIERE. ZU GAST AM 19.10.: ERIK LIESHOUT

For his idiosyncratic film essay, Erik Lieshout chose two rather different protagonists: Michel Houellebecq, the bad boy of French literature, and Iggy Pop, “Godfather of Punk”. With his sepulchral voice and weathered face, in recitatives, performance sequences, concert recordings, and interviews, the Punk veteran guides through Houellebecq’s “survival-handbook” for artists. The film also tells us the touching story of three fameless artists and their struggle with demons.

Nach der Flucht vor dem Pinochet Regime wurde der Kino-poet Raoul Ruiz im französischen Exil unter Cineasten zur Legende. Die chilenische Dokumentarfilmerin Alejandra Rojo macht erstmals auch das unbekannte Œuvre des Wanderers zwischen Lateinamerika und Europa zugänglich. Sie entdeckt in seinem Leben und Werk einen Glauben an die Kraft des visuellen Erzählens, mit dem sich Ruiz zeit-lebens der Konfektionierung des Fiktionalen widersetzte.

RAOUL RUIZ, CONTRE L’IGNORANCE FICTION! ALEJANDRA ROJOF 2016, 63’, BLURAY, OMEU, DEUTSCHLANDPREMIERE

After fleeing Chile’s Pinochet regime, film-poet Raoul Ruiz settled in France where he became a legend amongst cineastes. The unknown oeuvre of this wanderer between Latin America and Europe is now made accessible for the first time by Chilean documentary filmmaker Alejandra Rojo. In Ruiz’ life and work, Rojo discovers the very faith in the power of visual storytelling, with which he, throughout his life, resisted the serial manufacturing of the fictional.

Zeitgenössische Kunstwerke, die bei Auktionen siebenstel-lige Beträge erzielen, drohen zu Trophäen für Superreiche zu verkommen. Die Auseinandersetzung über den wahren Stellenwert von Kunst rückt angesichts dieser Exzesse in den Hintergrund. Mithilfe hochkarätiger Schlüsselfiguren aus der Kunstbranche zeichnet Nathaniel Kahn fundiert und auf subtile Weise nach, wie sich zeitgenössische Kunst zum gehypten Anlageobjekt entwickelte.

THE PRICE OF EVERYTHING NATHANIEL KAHNUSA 2018, 98’, DCP, OMU, DEUTSCHLANDPREMIERE

Contemporary works of art are auctioned for seven-digit sums; they are on the verge of degenerating into nothing but trophies for the super-rich. In the face of such excess the discourse about the true value of art fades into the background. With the aid of high-carat key figures from the art industry, Nathaniel Kahn’s well-founded and subtle documentary traces the development from contemporary art to hyped investment object.

05.10. 18:30

05.10. 21:00

06.10. 17:00

06.10. 19:0021.10. 18:00

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