Prozess und Gedächtnis der Künste. Eine Werkschau

Als zeitbasiertes Medium ist der ­Dokumentarfilm­prädestiniert­ dafür, Momente des künstlerischen Schaffens festzuhalten und zu rekonstruieren. Wie arbeiten Künst ler im 20. und 21. Jahrhundert? Wie lässt sich ihr ­künstlerisches­Schaffen­filmisch­ darstellen, evozieren, dokumentieren?

Unter dem Titel „Prozess und ­Gedächtnis­der­Künste“­präsentiert­DOKU.ARTS­vom­19.­September­ bis zum 14. Oktober 2012 eine in ­Europa­einmalige­Werk­schau.­In­30­Dokumentarfilmen­werden­die­ Schaffensprozesse­von­Film­regisseuren,­Bildenden­Künstlern,­Schriftstellern, Tänzern, Musikern­und­Architekten­lebendig.

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DOKU.ARTS zeigt dabei auch die Vielfalt des dokumentarischen Genres und die Ex-perimentierfreudigkeit der zeitgenössischen Filmemacher: Von der Langzeitbeobachtung über den Essay- und Kompilationsfilm bis hin zur Hommage ist der Reichtum des zeitgenössischen Dokumentarfilms zu erleben.

Einen besonderen Höhepunkt stellt in diesem Jahr der Programmteil mit brasilianischen Filmen zur Kunst dar, die DOKU.ARTS in Zusammen arbeit mit dem Instituto Moreira Salles in Rio de Janeiro zeigt. Das Gesamt-programm beinhaltet 17 Deutschland- und 10 Berlin-Premieren; rund 15 internationale Gäste werden ihre Filme vorstellen.

Process and Memory

As a time-based medium, the documentary film is a natural format to capture and reconstruct moments of artistic creation. How do artists work in the 20th and 21st century? How can one portray, evoke and document artistic creation? Under the title, Process and Memory, DOKU.ARTS presents a unique festival in Europe. In 30 documentaries, the creative process of film directors, visual artists, dancers, musicians and architects comes to life.

The DOKU.ARTS program represents the diversity of the documentary genre and the range of experimental approaches of contem-porary filmmakers. From the long-term observation, the compilation film, to the essay and homage, DOKU.ARTS reveals the richness of contemporary documentary forms. One of the highlights this year is the series of Brazilian films on art, which DOKU.ARTS presents in collaboration with the Instituto Moreira Salles in Rio de Janeiro. The complete program includes 17 German and 10 Berlin premieres. Most of the filmmakers will present their films during the festival.

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Geschichte DOKU.ARTS wurde 2006 in der Akademie der Künste gegründet. 2008 folgte DOKU.ARTS einer Einladung des Nederlands Filmmuseum nach Amsterdam, wo das Festival von 2008 bis 2010 drei Jahre lang stattfand. Auf Einladung des Instituto Moreira Salles war DOKU.ARTS vom 4. bis zum 10. Mai 2012 in Rio de Janeiro zu Gast. Zu bisherigen Gästen des Festivals ge-hörten u. a. Agnès Varda, Shirin Neshat, Olivier Assayas, Bruno Monsaingeon u. v. a.

Hintergrund­–­Mehr­als­ein­GenreFast von Beginn der Filmgeschichte an waren Filmemacher fasziniert davon, den künstleri-schen Schaffensprozess zu dokumentieren. Künstlerportraits sind wesentlicher Bestand-teil der Filmografien vieler bedeutender Filme- macher wie Agnès Varda, Johan van der Keuken, Albert Maysles, D. A. Pennebaker, Chris Marker, Martin Scorsese, Manoel de Oliveira, Claire Denis und Wim Wenders. Junge Filmemacher machen oft ihren ersten Film über Kunst oder einen Künstler. Die Herstellungszeiten dieser Filme sind meist besonders lang und resultieren in beein-druckenden Studien über das Leben und Werk von Künstlern.

Konzept­–­Formen­statt­FormateIn Zeiten des umfassenden medialen Umbruchs und der technischen Beschleunigung ge-winnen Formen der Erinnerung in den Küns-ten zunehmend an Bedeutung. In der sich verändernden Medienlandschaft dominieren immer mehr vorgefertigte Formate. Der tiefer gehende „zweite Blick“ der Dokumentaristen auf die Künste wird immer schwieriger, was im Kontrast steht zur derzeitigen Popularität von Künstlerportraits. Dokumentarfilme zur Kunst gewinnen zunehmend an Gewicht durch ihre Transparenz für gesellschaftliche Veränderungsprozesse und sie reflektieren oft den eigenen Blick auf die Künste, wodurch sie selbst zu unverzichtbaren künstlerischen Inspirationen werden – nicht nur für Künstler.

History

DOKU.ARTS was founded in 2006 at the Academy of Arts Berlin. From 2008 to 2010, DOKU.ARTS was a guest at the Netherlands Filmmuseum Amsterdam. Invited by the Instituto Moreira Salles, the festival was presented between May 4th and 10th, 2012 in Rio de Janeiro, Brazil. Former guests included: Agnès Varda, Shirin Neshat, Olivier Assayas, Bruno Monsaingeon and many others.

Background­–­More­than­one­genreThe history of documentaries on art is almost as long as that of cinema itself. Early on, film-makers were fascinated by the opportunity to document the process of art coming to life. Artists’ portraits are an essential part of the careers of some of our finest filmmakers such as Agnès Varda, Johan van der Keuken, Albert Maysles, D. A. Pennebaker, Chris Marker, Martin Scorsese, Manoel de Oliveira, Claire Denis and Wim Wenders. Young filmmakers often make their first feature-length documen-tary about an artist. Sometimes these films are especially long in the making, resulting in profound studies of the life and work of an artist.

Concept­–­Forms­instead­of­formatsIn an era of extensive technological accelera-tion and transformations in media platforms, forms of memorization concerning the arts are increasingly important. However, the arts are most often covered only by brief reports and cursory, journalistic formats. A more substantial “second look” by filmmakers be-comes more and more difficult, although this situation is in contrast with the actual popularity of artist portraits. Documentaries on art are increasingly valuable for the way they reveal the social processes of change. They also provide crucial reflections on art itself and therefore become essential for creative inspiration-not just for artists.

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September

Mi 19.09.

Do 20.09.

Fr­21.09.

Sa 22.09.

So 23.09.

Di 25.09.

Mi 26.09.

Do 27.09.

Fr­28.09.

Sa 29.09.

So 30.09.

20:00 22:00

20:00

19:00 21:00

17:00 19:00 21:00 21:40

17:00 19:00 21:00

20:00

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20:00

19:00 21:00

19:00 21:00

17:30 19:00 21:00

Boris­Ryzhy­Regie: Aliona van der Horst A­música­segundo­Tom­Jobim Regie: Nelson Pereira dos Santos

Patience (After Sebald) Regie: Grant Gee

Water Children Regie: Aliona van der Horst Limite Regie: Mário Peixoto

Boris­Ryzhy­(Wdh.) Mark­Lewis­–­Nowhere­Land­Regie: Reinhard Wulf Backstory Regie: Mark Lewis Gespräch/Vortrag­Mark Lewis

L̓ Ouragan­Kalatozov Regie: Patrick Cazals The­Dreams­of­William­Golding­Regie: Adam Low Dickens­on­Film Regie: Anthony Wall

Water Children (Wdh.)

Limite (Wdh.)

Onde a terra acaba Regie: Sérgio Machado

Cildo Regie: Gustavo Rosa de Moura A­música­segundo­Tom­Jobim (Wdh.)

Gin Chen Xiao Ze Regie: Yao Hung-I Mandala Regie: Christoph Hübner und G abriele Voss

Dickens­on­Film (Wdh.) The­Dreams­of­William­Golding (Wdh.) Mark­Lewis­–­Nowhere­Land­(Wdh.)

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Oktober

Di 02.10.

Mi 03.10.

Do 04.10.

Fr­05.10.

Sa 06.10.

So 07.10.

Di 09.10.

Mi 10.10.

Do 11.10.

Fr­12.10.

Sa 13.10.

So 14.10.

20:00

20:00

20:00

20:30

18:00 19:30 21:30

18:00 19:30 21:00

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20:00

17:00 19:00 21:00

17:00 19:00 21:00

17:00 19:00 20:30

Tomorrowʼs­Another­Day­Regie: Johan Carlsson

Patience (After Sebald) (Wdh.)

L̓ Ouragan­Kalatozov (Wdh.)

Without Gorky Regie: Cosima Spender

Agnes­Martin:­With­My­Back­to­the­World­­ Regie: Mary Lance Life in Movement Regie: Bryan Mason und Sophie Hyde The­Escape­to­Hollywood Regie: Trine Dam O ttosen

Tomorrowʼs­Another­Day­(Wdh.) Agnes­Martin:­With­My­Back­to­the­World (Wdh.) Without Gorky (Wdh.)

Nainsukh Regie: Amit Dutta

Jardín en el Mar Regie: Thomas Riedelsheimer

Alles­Moet­Nieuw­–­Piet­Zwart Regie: Sherman de Jesus

Alles­Moet­Nieuw­–­Piet­Zwart­(Wdh.) Cildo (Wdh.) Arthur Omar I Regie: Arthur Omar

Nainsukh (Wdh.) Arthur Omar II Regie: Arthur Omar Ex­isto­Regie: Cao Guimarães

Jardín en el Mar (Wdh.) Arthur Omar III Regie: Arthur Omar Mandala (Wdh.)

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06.10.­18:00­&­07.10.­19:30Agnes­Martin:­With­My­Back­to­the­WorldMary Lance

2012 hätte Agnes Martin, eine einflussreiche Malerin des 20. Jahrhunderts, ihren 100. Ge-burtstag gefeiert.

Die gebürtige Kanadierin gehörte im New York der 1950er und -60er Jahre zu den Ab-strakten Expressionisten und zog sich später für 45 Jahre auf das Land nach New Mexico zurück. Hier arbeitete sie im Rahmen eines streng definierten formalen Vokabulars, das aus Rastern und waagerechten Linien besteht, und schuf Arbeiten von größter Subtilität und Schönheit, die bis heute als Vorläufer des Mini malismus gelten. Mary Lances eindring-licher Dokumentarfilm, zwischen 1998 und 2002 gedreht, zeigt die Künstlerin in ihrem Atelier, bevor sie 2004 verstarb.

Die Bilder werden mit Martins Stimme kombiniert, die aus ihren zahlreichen kunst-theoretischen Texten, die selbst sibyllisch oder kryptisch verfasst sind, vorträgt. Die Künstlerin schildert, wie sie nach 20 Jahren Malerei ihre eigene künstlerische Vision entwickelte. „Ich male mit dem Rücken zur Welt. Denn wenn du morgens aufwachst und einfach nur glücklich bist, über nichts, völlig grundlos, genau darüber male ich, über die subtilen Gefühle, die wir ohne äußeren Anlass verspüren. Und meine Hoffnung ist, dass Menschen, die darauf reagieren, erkennen, dass ihre Reaktionen völlig abstrakt sind und dass ihr Leben vielschichtiger ist, als sie meinen.“

Ganz in Einklang mit Martins selbstgewählter Zurückgezogenheit ist der Film ohne Narra-tion konzipiert und konzentriert sich auf ihre künstlerischen Arbeiten, Fotografien, Archivaufnahmen und Filmausschnitte.

A portrait of painter Agnes Martin, who would have turned 100 years old in 2012.

Born in Canada and a member of the Abstract Expressionist community in New York in the 1950s and ‘60s, she subsequently lived for 45 years relatively reclusively in rural New Mexico, where she worked within a carefully defined formal vocabulary of grids and hori-zontal lines. Mary Lance’s documentary visits the artist working in her studio. Martin has written extensively about her theories about art, and Lance includes excerpts of these texts in voice-over, read by the artist. Much of this writing is mysterious or cryptic, thus providing a counterpoint to the apparent simplicity of the paintings. The writings are included in voice-over, read by Martin.

Images of Martin’s work, photographs, archi-val footage, and an excerpt from Martin’s film, Gabriel are edited into the videotaped inter-views. In keeping with Martin’s chosen life of solitude, there is no narration and there are no interviews with anyone else. “You see, I say I paint with my back to the world. Because if you wake up in the morning and you feel very happy, about nothing, no cause, that’s what I paint about, the subtle emotions that we feel without cause in this world. And I’m hoping that people, when they respond to them, will realize that they make responses that are com-pletely abstract, you know, and that their lives are broader than they think.” (Agnes Martin)

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USA 2002DigiBeta, 57’ OF

Regie: Mary LanceKamera: Dyanna Taylor Schnitt: Brad WolfleyMusik: Steve PetersProduktion und Filmver-trieb: New Deal Filmswww.newdealfilms.com

11.10.­20:00­&­12.10.­17:00Alles­Moet­Nieuw­–­Piet­ZwartSherman de Jesus

Piet Zwart (1885–1977) war ein eigensinniger Designer, der sein Leben der Erneuerung und Innovation des Designs widmete, das heute international bekannt und geschätzt wird als „Dutch Design“. Er arbeitete sowohl als In-nenarchitekt, Industriedesigner, Typograph, Fotograf, Kritiker und Lehrender und spielte dabei eine Schlüsselrolle in der Entwicklung des niederländischen Designs im 20. Jahr-hundert. Seine Vielseitigkeit und seine Be-deutung brachten ihm im Jahr 2000 den Titel „Designer des Jahrhunderts“ vom Verband niederländischer Designer ein.

Alles Moet Nieuw – Piet Zwart zeichnet sich durch einen großen Reichtum an einzigarti-gem Archivmaterial aus: Super-8-Aufnahmen von 1969, ein Ausschnitt aus einem Reklame-film von 1928, in dem Zwart mitwirkte, sowie grafische Animationen. Sherman de Jesus begibt sich auf die Spuren des einflussreichen Vorreiters, der ein Freund Piet Mondrians war, Beziehungen zum Bauhaus knüpfte und für den Design in einem ganzheitlichen Sinne für jedermann erschwinglich sein sollte.

Der Krieg und Zwarts Internierung durch die Nationalsozialisten beendeten viel zu früh seine Karriere. „Ich wollte diese komplexe und schwierige Zeit, von der wir nur wenig wissen, die 1920er und -30er Jahre, als Zwart sehr produktiv als Designer und Künstler war, für unsere Zeit übersetzen, eine Zeit, in der der Faschismus Fuß fasste und die Freiheit der Kunst einschränkte. In der Kunst passierte sehr viel in diesen Jahren und es gibt auch heute noch viel zu entdecken.“ (Sherman de Jesus)

Piet Zwart (1885—1977) was an idiosyn-cratic and stubborn designer, who lived for innovation and paved the way for the interna-tional success that is now known as Dutch Design. He worked as an interior and industrial designer, commercial typographer, photogra-pher, critic and lecturer, playing a key role in defining the design climate in the Netherlands in the Twentieth Century. His versatility and influence on present-day designers led the Association of Dutch Designers to award him the title of “Designer of the Century” in 2000.

Everything Must Change—Piet Zwart includes a wealth of unique archive material, such as a newly discovered fragment in which Piet Zwart himself can be seen in a commercial from 1928. The film offers a major survey of his work. “I wanted to translate to our era a complex and difficult time about which little is known, referring to the 1920s and 1930s when Piet Zwart was very productive as a designer and artist and when he faced rising fascism that was to curtail the freedom of artists. A lot happened in the field of art in the 1920s and ‘30s and there’s a lot to be discovered.” (Sherman de Jesus)

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Everything Must Change – Piet Zwart Niederlande 2012Blu-Ray, 75’ OmeU

Regie: Sherman de Jesus Kamera: Marc Felperlaan Gregor MeermanSchnitt: Sander Kuipers Musik: Bastiaan Egberts Produktion und Film-vertrieb: Memphis Film and Televisionwww.memphisfilmtv.com

In Anwesenheit von Sherman de Jesus am 11.10.

22.09.­21:00BackstoryMark Lewis

Backstory erzählt in mündlicher Form mit viel Witz und großer Liebe die Geschichte der Rückprojektion. Zu Wort kommen drei Generationen der Hansard Familie, die ent-scheidend zur Entwicklung dieser Filmtechnik für die großen Hollywood-Studios beigetragen hat. Die Familienmitglieder berichten vom Aufstieg der Firma Hansard Projection und von der Blütezeit des Verfahrens, als Rückpro-jektionen in Hollywood sehr gefragt waren (u. a. in vielen Produktionen Alfred Hitch-cocks), sowie von deren Niedergang und Verschwinden, als neue Technologien in den Vordergrund traten. So empfand Stanley Kubrick Hitchcocks Filme phoney und ent-wickelte das neue Verfahren der Frontpro-jektion, legendär geworden in der Anfangs-sequenz von 2001: A Space Odyssey (1968).

Freimütig und humorvoll blickt die Familie auf ihre langjährigen Erfahrungen und vielfältigen Erlebnisse zurück. Ihr häufig wiederholtes Credo lautet zwar: „Wir sind nur so gut wie die Hintergrundplatten“, doch der Zuschauer gerät in diesem bezaubernden Dokumentarfilm, der die Kamera auf die Kehr seite der Illusion richtet, rasch in den Bann ihrer nicht enden wollenden Erzähl-kunst.

Backstory is essentially an oral history of the cinematic technique of rear projection, as told by three generations of the Hansard fami-ly, who were instrumental in the provision and development of this method for Hollywood studios. Recounting the rise of their company, Hansard Projection, and the heyday of the technique, when they were in high demand for the top Hollywood productions, to its decline and disappearance as new technologies came to the fore, the Hansards look back on their vast experience with a candid humour. The theme of cinematic dislocation between fiction and reality is emphasized by the backgrounds in the film that are all shot by the Hansards, some specifically for this project.

While their often repeated credo is “we are only as good as the background plates”, the viewer is soon under the spell of their non-stop story telling skills in this delightful doc that focuses the camera on the other side of the illusion.

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Kanada/Großbritannien/ Deutschland 2009Blu-Ray, 39’ OmdU

Regie: Mark LewisKamera: Brian PearsonSchnitt: Anne MonnehayProduktion und Film- vertrieb: Mark Lewis Studiowww.marklewisstudio.com

In Anwesenheit von Mark Lewis mit anschließendem Vortrag

In Zusammenarbeit mit

„Lewis’ Interesse an Ausgedientem und Verwaistem betrifft Gebäude und Orte, die in seinen Arbeiten wiederkehren; vor allem erinnert sein Gebrauch der Rückprojektion jedoch an Walter Benjamins Gedanken, dass scheinbar Veraltetes neues Leben bergen kann.“ (Laura Mulvey)

Ausgangspunkt von Mark Lewis’ Vortrag ist ein Zitat des Filmpioniers Louis Lumière: „Das Kino ist eine Erfindung ohne Zukunft.“ Lewis wird in diesem Zusammenhang Filmbeispiele zeigen und kommentieren, die sich damit beschäftigen, wie der (Dokumen-tar-)Film insbesondere unter Verwendung klassischer Techniken und Verfahren das alltägliche Leben darstellen und in Filmkunst verwandeln kann. Es geht darum, „wie Film außergewöhnlich und zugleich gewöhnlich ist. Wie sein Versprechen das Versprechen der Moderne ist und damit auch das Versagen der Moderne teilt; wie der Film es bei seiner ‚Erfindung‘ nicht geschafft hat, wirklich modern zu sein, weil er sich zugleich außerhalb des Experimentierfelds und des Ikonoklasmus der Avantgarde befand […]; wie seine Moder-nität schließlich auf anderen Wegen zustande kam.“ (Mark Lewis)

“Lewis’s interest in the disused and abandoned stretches across buildings and places that recur in his work but his use of rear projection resonates more directly with Walter Benjamin’s idea that new life may be found in seemingly outdated objects.” (Laura Mulvey)

Taking as a starting point Louis Lumière’s phrase, “The cinema is an invention without a future”, Mark Lewis will discuss and present films that address the question of how film can depict everyday life with reference in particu-lar to his use of classical film techniques and processes. “And how film is both exceptional and not at the same time. How its promise is the promise of modernity and as such it shares the latter’s failure; how when it was ‘invented’, film failed to be properly modern because it was outside the experimentation and iconoclasm of the avant-garde; […] how its modernity was finally achieved by other means.” (Mark Lewis)

22.09.­21:40things­which­have­passed,­but­still­have­ impact­–­DOKU.ARTS LectureMark Lewis

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DOKU.ARTS Vortrag von Mark LewisIn englischer Sprache

19.09.­20:00­&­22.09.­17:00­Boris­RyzhyAliona van der Horst

Boris Ryzhy war ein vielversprechender rus-sischer Dichter, der sich 2001 im Alter von nur 26 Jahren das Leben nahm. Die Schwester und die Witwe des Dichters führen die niederlän-dische Filmemacherin Aliona van der Horst durch die gefährlichen Untiefen der russischen Provinz, die sich auf der Reise vom Kommu-nismus zum Kapitalismus verloren zu haben scheint. Geduldig und einfühlsam stöbert die Regisseurin Freunde und Klassenkameraden des Dichters auf und fügt aus ihren Aussagen die Geschichte einer verlorenen Generation zusammen: „Jeder bekam die Freiheit und hatte doch keine Ahnung, was er mit ihr an-fangen sollte“, meint einer der Wegbegleiter.

Anstatt einer legalen, rechtschaffenen Arbeit nachzugehen, wurden Ryzhys Mitschüler zu „Bodyguards der Gangster“. Im Wald verweilt die Kamera vor den zahlreichen Gräbern der jungen Männer, die wie Ryzhy diese Epoche nicht überlebten. Die Bilder der schneebedeck-ten Straßen des Altmetall-Bezirks von Jekate-rinburg werden zu einem subtilen, poetischen Symbol der festgefrorenen Hoffnungen der Kameraden. Für den Soundtrack übernimmt van der Horst Passagen aus den Gedichten von Ryzhy, während überlieferte Amateurvideos einen Blick auf fesselnde Bilder aus dem Leben des Dichters gewähren.

Die Regisseurin verfügt über eine außerge- wöhnliche Begabung des Zuhörens und Beobachtens – selten wurden in Dokumentar- filmen Gesichter so eloquent beobachtet.

Boris Ryzhy was a promising Russian poet who killed himself at the age of 26, in the year 2000. What made him do such a thing? Dutch filmmaker Aliona van der Horst’s quest relies on the sister and widow of the poet as guides to navigate the dangerous waters of a provincial Russia that had lost itself, somehow, on the journey from communism to capitalism. With no false rhetoric, but on the contrary with a patient and modest humanity, the film-maker tracks down and interviews surviving friends and classmates of the poet, and out of their testimony pieces together the story of a lost generation. “Everyone got freedom and didn’t know what to do with it.”

Instead of finding jobs, Ryzhy’s classmates “became bodyguards to gangsters.” In the forest we pause poignantly before the tombs of many young men who, like Ryzhy, never made it through the epoch. The film takes place in wintertime. The snow-covered streets of the scrap metal district of Yekaterinenburg become a subtly poetic symbol for the frozen hopes of these comrades. On the soundtrack we hear extracts from Ryzhy’s poems, while surviving amateur footage from the archives allows us to glimpse captivating images of the poet when alive.

Van der Horst has an extraordinary skill in listening. While she listens, she looks. Rarely, in documentary, have faces been observed so eloquently.

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Niederlande 2008DigiBeta, 60’ OmeU

Regie: Aliona van der HorstKamera/Schnitt: Maasja Ooms, Aliona van der HorstMusik: Harry de Wit, Neil Young, Sally, Parker Mimi, Sparhawk Al, Comdom Zachary F., Beirut, Calexi-co, Gavin BryarsProduktion und Filmver-trieb: Zeppers Film and TVwww.zeppers.nl/en

In Anwesenheit von Aliona van der Horst am 22.09.

02.10.­20:00­&­07.10.­18:00Det­är­en­dag­imorgon­ocksåJohan Carlsson

Roy Andersson gehört zu den eigenwilligsten zeitgenössischen Filmregisseuren des schwe-dischen Kinos, unter anderem bekannt durch seine Filme Songs from the Second Floor (2000) und You – The Living (2007).

Vier Jahre dauerten die Dreharbeiten seines letzten Films, der teilweise im eigenen „Familienfilmstudio“ in Stockholm entstand. Anderssons Arbeitsprozess ist einzigartig: Das Konstruktionsprinzip seiner Filmsets beruht auf der Methode des Trompe-l’œil, eine spezielle Technik zur Herstellung von optischen Illusionen, wobei der ehemalige Werbefilmer auf jegliche Spezialeffekte ver-zichtet und alles von seinem eingeschworenen Studio 24-Team selbst herstellen lässt. Die Filmemacher Johan Carlsson und Pehr Arte, beide langjährige Teammitglieder von Andersson, begleiteten die Entstehungs-geschichte des Spielfilms, der 2007 seine Premiere in Cannes erlebte.

Entstanden ist mit Tomorrow’s Another Day ein humorvolles und vielschichtiges Porträt einer Ausnahmeerscheinung des internatio-nalen Kinos, das DOKU.ARTS bereits 2008 als Work-in-Progress in Amsterdam präsentierte. Carlsson und Arte erzählen vom Teamgeist, der Liebe zum Kino und dem künstlerischen Arbeitsprozess Anderssons aus nächster Nähe – ein seltenes Dokument, welches das Ausmaß der Herausforderung, die Komik und Humanität von Kino als Kunst und Arbeit gekonnt vor Augen führt.

Roy Andersson is one of the most original contemporary directors in Swedish cinema, famous for his films Songs from the Second Floor (2000) and You, the Living (2007), among others.

The shooting of You, the Living took four years, in part at his own “family film studio” in Stockholm. Roy Andersson’s work process is unique. The construction principle of his film sets is based on the method of trompe l’oeil, a special technique for producing optical illusions. Previously a director of advertise-ments, he dispenses with special effects entirely. Everything is built and tried out by his own closely knit team at Studio 24. The filmmakers Johan Carlsson and Pehr Arte, both of whom have been part of Andersson’s team for years, follow the story of making You, the Living, which premiered at Cannes in 2007.

Three years later, this documentary film was ready, having been presented first as a work in progress at DOKU.ARTS in 2008. Carlsson and Arte tell the story of Roy Andersson’s team spirit, love for cinema, and working method from their intimate perspective. It is a rare document that brilliantly illustrates the humor and humanity of cinema as a challenge of both art and labor.

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Tomorrow’s Another DaySchweden 2011DigiBeta, 90’ OmeU

Regie/Schnitt: Johan Carlsson, Pehr ArteKamera: Pehr Arte, Johan CarlssonMusik: Felix AneerMitwirkende: Roy Andersson Produktion und Film- vertrieb: Seven Frameswww.sevenframes.se

In Anwesenheit von Johan Carlsson am 02.10.

23.09.­21:00­&­30.09.­17:30Dickens­on­FilmAnthony Wall

Die Werke von Charles Dickens (1812–1870) wurden so oft wie keine anderen für das Kino adaptiert. Filmemacher wie D. W. Griffith, Sergei Eisenstein und Charlie Chaplin erkannten früh, dass die Art und Weise, wie der viktorianische Schriftsteller seine Werke verfasst hatte, diese für eine filmische Bear-beitung prädestinierte – von den lebendigen Illustrationen durch zeitgenössische Künstler wie Phiz ganz zu schweigen.

2012 jährt sich Dickens’ Geburtstag zum 200. Mal: eine ideale Gelegenheit, um den crossmedialen Verbindungen nachzugehen. Die BBC-Filmemacher Anthony Wall (Regie) sowie Michael Eaton und Adrian Wootton (Drehbuch) haben weltweit in Archiven re-cherchiert, außergewöhnliche Funde von teils unbekannten Filmen mit Bezug zu Dickens’ Werk zu Tage gefördert und für ihren Kom-pilationsfilm Dickens on Film aussagekräftige Sequenzen ausgewählt: Beispiele aus ganz frühen Stummfilmen der Jahrhundertwende, aber natürlich auch aus den berühmten Verfil-mungen der Nachkriegszeit, etwa David Leans Great Expectations und Oliver Twist.

The works of Charles Dickens (1812—1870) have led to more film adaptations than those of any other writer. As was long ago recognised by cineastes as diverse as Griffith, Eisenstein and Chaplin, there is something about the way the Victorian writer imagines his novels that lends them uniquely to the screen. Wonderfully vivid illustrations to his books by contem-porary artists like Phiz also have a “cinematic” flavour about them that has helped to give shape and humour to these adaptations.

This year is the 200th anniversary of Dickens’s birth, an ideal opportunity to explore some of these cross-media connections in detail. The BBC filmmakers (Anthony Wall director, Michael Eaton and Adrian Wootton writers) have investigated archives all over the world to unearth impressive extracts from Dickens adaptations. Many of these date from the silent period (one or two from as far back as 1901). Another rich period for “mining Dickens” came after the Second World War: the famous David Lean versions of Great Expectations and David Copperfield are from this epoch. The coming of the Sunday afternoon television series in the 1960s and 70s gave rise to further opportunities for adaptation. This fine compilation film gives a vivid evocation of the tender, comic and eccentric world brought into being by Eng-land’s greatest writer after Shakespeare.

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Großbritannien 2011DigiBeta, 59’ OmdU

Regie: Anthony WallKamera: Rebecca Savage Schnitt: Guy Crossman, Alexandra Mattholie, Ben NugentMusik: George TaylorProduktion und Filmver-trieb: BBC Arena

In Anwesenheit von Anthony Wall am 23.09.

29.09.­19:00Gin Chen Xiao ZeYao Hung-I

Mit 17 Jahren verließ der heute in China berühmte Maler Liu Xiao-Dong, unter ande-rem bekannt aus Filmen von Wang Xiaoshuai und Jia Zhangke, seinen Heimatort Jincheng in der Provinz Liaoning. 30 Jahre später kehrt er dorthin zurück, um seine ehemaligen Bekannten und Freunde zu porträtieren. In seinem ersten langen Dokumentarfilm begleitet ihn der junge Regisseur Yao Hung-I, der zu seinem Film bemerkt: „Nach Hause zu gehen ist sehr wichtig für einen Künstler. Das Schwierigste bei diesem Dokumentarfilm war, den Moment einzufangen, wenn seine Bilder etwas Wesentliches bekommen. Weil ich aus Taiwan stamme und das Leben und den Dialekt in China nicht kenne, war ich wie ein Kind, aber von diesem Blickwinkel aus wurde alles lebendig.“

Der Filmemacher zeigt in Hometown Boy in poetischen Bildern den Maler bei seiner Arbeit und bei der (Wieder-)Anknüpfung mensch-licher Verbindungen und verbindet dabei einen schweifenden Blick mit aufmerksamen Alltagsbeobachtungen.

„Yao wird zum dritten Auge des Malers. Er liefert einen direkten Blickwinkel, der eine Leichtigkeit besitzt. Der Film versucht, den Arbeitsprozess aus der Perspektive des Künst-lers festzuhalten und dessen Kunstpraxis aus dieser intimen Distanz heraus zu verstehen.“ (Hou Hsiao-Hsien)

In his first feature-length documentary the young director Yao Hung-I accompanies the renowned Chinese painter Liu Xiao-Dong (known from films by Wang Xiaoshuai and Jia Zhangke) as he travels back to his home-town Jincheng in the province of Liaoning in rural China. 30 years after he has left Jincheng at the age of 17, Liu Xiao-Dong wants to capture the changes in his hometown and paint his former acquaintances and friends. “To come home is very important for an artist. The hardest part of this documentary was to capture the moment when the pictures transform into something essential. Since I am from Taiwan and don't know the life and dialect of China, I felt like a child which gave the situation a fresh, light-hearted viewpoint.” (Yao Hung-I)

The eye of the filmmaker sweeps between documentation of the artistic process and casually filmed observations of daily life in the Chinese province. Enhanced by splendid camera work, Hometown Boy is one of the most interesting films of this year's programme.

“Yao acts as the third eye of Liu Xiaodong, from a straightforward yet lighthearted view-point. The film Hometown Boy hopes to record this process from Liu Xiaodong’s perspective as well as understand his art practice from this intimate distance.” (Hou Hsiao-Hsien)

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Hometown BoyTaiwan 2011Blu-Ray, 72’ OmeU

Regie/Kamera: Yao Hung-ISchnitt: Yao Hung-I, Kong DeliMusik: Lim Giong, Antonio VivaldiProduzent: Hou Hsiao-Hsien Mitwirkende: Liu Xiao-DongProduktion und Filmver-trieb: 3H Productions LTD.

23.09.­17:00­&­04.10.­20:00L̓Ouragan­KalatozovPatrick Cazals

Das russische Kino weist eine enorm reiche Tradition an Regisseuren auf, deren Filme – obwohl nicht unbekannt im Westen – erst seit Kurzem genauer untersucht werden.

Von diesen „unsichtbaren“ Regisseuren ragen die wenigsten so auffällig heraus wie der georgische Meister Mikhail Kalatozov, dessen Filme mit ihrer virtuosen Kameraarbeit und Mise en Scène zahlreiche Regisseure und Kameraleute nachhaltig beeinflussten. Obwohl Kalatozov, oberflächlich betrachtet, wie ein loyaler Diener des sowjetischen Staates wirkt, unterwandern seine Filme bei genauerer Betrachtung die Lehren des Sozialrealismus. Ob man Vorkriegsklassiker wie Das Salz Swanetiens (1930) und Der Nagel im Boot (1932) oder später entstandene, international gefeierte Filme wie Die Kraniche ziehen (1957) und Ich bin Kuba (1963) studiert, Kalatozovs Lebenswerk verfügt über eine ungebrochene Energie und einen nicht enden wollenden Ideenreichtum.

Anhand von Filmausschnitten und der Analy-sen von Filmkritikern erforscht LʼOuragan Kalatozov sowohl Kalatozovs Filme als auch die Lebensgeschichte eines außergewöhnlich begabten Cineasten, dessen verworrene Beziehung zum Stalinismus aufzudröseln ein besonderes Anliegen von Patrick Cazals’ Film ist.

The Russian cinema has an enormously rich tradition of film directors whose work—while not exactly unknown in the West—has only recently begun to be properly evaluated.

Among these ‘invisible’ directors, few turn out to be as important as the Georgian master Mikail Kalatozov, the subject of Patrick Cazals’s searching documentary. A loyal servant of the state (at least on the surface), Kalatozov seems subversively to question the doctrines of Socialist Realism by the sheer bravura and wilfulness of his shooting style. Whether one is talking about pre-war classics like Salt for Svanetia (1930) and A Nail in the Boot (1932), or later internationally-recognised works like The Cranes Are Flying (1957—Cannes Palme d’Or winner) and I Am Cuba (1963), Kalatozov’s oeuvre has an energy and inventiveness that grow more influential with every passing year. (Tarkovsky’s formal experiments with the flowing camera, for example, are unthinkable without Kalatozov’s pioneering efforts.) Such virtuosity was bound to result in accusations of formalism, and one of the most interesting aspects of the film is the thoughtful way it handles Kalatozov’s tortuous relations with Stalinism.

Aided by a fine selection of excerpts, and by the analyses of some unusually intelligent and articulate film critics, Cazals’s documentary explores the work, and also the life story, of an exceptionally gifted cineaste.

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Hurricane KalatozovFrankreich/Georgien 2010Blu-Ray, 74’ OmeU

Regie: Patrick Cazals Kamera: Jaques Malnou Cyrille RenauxSchnitt: Eric BeaufilsMusik: Jesùs OrtegaProduktion und Film- vertrieb: Les Films du Horlawww.lesfilmsduhorla.com

In Anwesenheit von Patrick Cazals u. a. am 23.09.

10.10.­20:00­&­14.10.­17:00Jardín en el MarThomas Riedelsheimer

Thomas Riedelsheimer, der durch seinen in-ternational erfolgreichen Film über den Land-Art-Künstler Andy Goldsworthy bekannt wurde, begleitet in seinem neuen Film die 2012 in Berlin mit dem Großen Kunstpreis ausgezeichnete spanische Bildhauerin Cristina Iglesias bei der Vorbereitung, Durchführung und maritimen Vernissage einer Unterwasser- skulptur auf der mexikanischen Halbinsel Espíritu Santo, die seit 2005 zum UNESCO Weltnaturerbe gehört.

Am Anfang konzentriert sich Riedelsheimers Blick noch auf die Künstlerin, aber schon bald wird klar, dass auch Gedanken über die Natur und die Zukunft der Menschheit eine tragende Rolle spielen müssen, um Ort und Projekt gerecht zu werden – die Beziehung der Menschen zu der sie umgebenden Landschaft wird zum Leitmotiv für den Film. „Ich kann nichts dafür, aber ich habe mich wirklich in diesen Ort verliebt: eine kleine Insel im Golf von Kalifornien in Mexiko. Für mich ist sie trocken, mysteriös, alt und rein. Die Land-schaft einer Seele. Ich habe es genossen, vier Jahre lang immer wieder zu den Dreharbeiten auf die Insel zurückzukehren. Ich habe viel von dem Land, der Kunst und über die Leute gelernt, die sich so sehr um diese Landschaft kümmern. Wunderbare Menschen mit großen und offenen Herzen.“ (Thomas Riedelsheimer)

Well known for his internationally celebrated film about the land art of Andy Goldsworthy, documentary director Thomas Riedelsheimer began his new film by focussing on the artist Christina Iglesias during the preparations, process and maritime vernissage of an underwater sculpture on the Mexican peninsula Espiritu Santo, a UNESCO site of World Natural Heritage since 2005.

But in the process of filming it soon became obvious to the team that a meditation on sublime beauty, nature, mankind and our common future needed to play a major role in order to do justice to the place and project. The relation of humankind towards the surrounding landscape became the leading motive of the film. “I can’t help it but I truly fell in love with this place: a little island in the Gulf of California in Mexico. To me it is dry, mysterious, ancient and pure. The landscape of a soul. I enjoyed returning to this place for the four years that the making of this film took. I learned a lot about the land, art and about the people who care so much for this place. Fantastic people with a big heart and an open soul. I hope this film can convey a little bit of my fascination. I am grateful to have been part of this project.” (Thomas Riedelsheimer)

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Garden in the SeaDeutschland/Mexiko 2012Blu-Ray, 68’ OmeU

Regie/Kamera/Schnitt: Thomas Riedelsheimer Musik: Stephan Micus, Hector MartellMitwirkende: Christina Iglesias Produktion: Filmpunkt GmbHFilmvertrieb: Thomas Riegelsheimerinfo@filmpunkt.com

06.10.­19:30Life in MovementBryan Mason, S ophie Hyde

2007 ernannte die Sydney Dance Company die 29-jährige Choreografin Tanja Liedtke zu ihrer neuen künstlerischen Leiterin als Nachfolgerin des Gründers Graeme Murphy, der die Company 30 Jahre lang leitete.

International als eine frische choreografische Stimme gefeiert, war die Tänzerin als eine leidenschaftliche Künstlerin bekannt – intel-ligent, verrückt, lustig und großmütig. Bevor sie sich der neuen großen Herausforderung jedoch stellen konnte, verstarb Liedtke bei einem tragischen Verkehrsunfall.

18 Monate nach ihrem Tod begeben sich ihre Mitarbeiter mit Liedtkes Werken auf Welt-tournee und setzen sich dabei mit ihrer Trauer auseinander. Dank bisher unveröffentlichter Interviews, privater Aufnahmen sowie beeindruckender Videomitschnitte und Film-ausschnitte, die Liedtkes künstlerischen Arbeitsprozess dokumentieren, ist Life in Movement ein besonderer Film über die Kraft und Zerbrechlichkeit ihrer Kreativität. Unsere eigene Vergänglichkeit mit einschließend, geben uns die beiden jungen Filmemacher Bryan Mason und Sophie Hyde eine vitale Einschätzung der Arbeit der Künstlerin und ihres großartigen tänzerischen Talents und Könnens.

Ein bewegender Film, der am 6. Oktober, dem Geburtstag von Tanja Liedtke, in Berlin seine Deutschlandpremiere feiert.

In 2007 the Sydney Dance Company appointed 29-year-old choreographer Tanja Liedtke as their first new artistic director in 30 years.

However, before she could take up the position, she was struck and killed by a truck in the middle of the night. Admired internationally as a dancer and celebrated for her fresh choreographic voice, she was known as a dedicated artist, intelligent, dorky, funny and generous.

18 months after her death, her collaborators embark on a world tour of her work, and in the process they must deal with their grief and explore the consequences of her death. Inter-spersed with intimate footage of her artistic process and previously unseen interviews, Life in Movement is a film about moving creatively through life and loss.

Filmmakers Bryan Mason and Sophie Hyde give us a powerfully rendered take on art and artists, creativity and our own mortality.

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Australien 2011DigiBeta, 79’ OF

Regie/Kamera: Bryan Ma-son, Sophie HydeSchnitt: Bryan Mason Musik: Dj TR!P, Jason Sweeney, Jules MaxwellMitwirkende: Tanja Liedtke, Lloyd Newson, Garry Stew art, Kristina Chan, Paul White, Solon UlbrichProduktion und Filmver-trieb: Closer Productions www.closerproductions.com.au

29.09.­21:00­&­14.10.­20:30MandalaChristoph Hübner, Gabriele Voss

„Sechs Mönche aus Bhutan, die meisten von ihnen sind zum ersten Mal im Ausland. Sie sind gekommen, um in der Bochumer Jahrhundert-halle etwas Außergewöhnliches zu schaff en: ein traditionelles Sandmandala, fünf mal fünf Meter groß – es gilt als das bisher größte der Welt.

Zehn Tage lang werden sie von morgens bis abends in der Jahrhunderthalle in Bochum in größter Konzentration ein Chakrasamvara-Mandala streuen. Dabei entstehen Bilder von Gottheiten, Palästen, Mauern, Geistern und vielfachen Symbolen, die in ihrer Ausdiff e-renzierung, Vielfalt und Farbigkeit erstaunen. Und dann fast wie ein Schock – unmittelbar nach der Fertigstellung des Mandalas wird es in einer rituellen Zeremonie wieder zerstört. Der zusammengekehrte Sand wird noch in der folgenden Nacht in einen nahen Fluss geschüt-tet, um so wieder in die Kreisläufe der Natur zurückzukehren.

Wir schauen zu und versuchen, die Konzentra-tion, die Ruhe und Genauigkeit der Arbeit der Mönche unseren Bildern mitzugeben. Auch die Fremdheit. Ab und zu erklärt einer der Mönche, was wir gerade sehen, was vor sich geht und was es für eine Bewandtnis mit dem Sand und den Motiven des Mandala hat. Auf weitere Erklärungen und Kommentare von Dritten verzichtet der Film, so hat er selbst etwas von einer Bild-Meditation, nicht esote-risch und nicht vordergründig, aber doch in der Ruhe, der Stille, der Konzentration.“ (Christoph Hübner und Gabriele Voss)

“Six monks from Bhutan. For most of them, it is their fi rst trip abroad. Th ey have come to create something extraordinary at the Jahrhunderthalle in Bochum: a traditional sand mandala measuring fi ve by fi ve meters. It is thought to be the largest in the world.

Working with utmost concentration from morning to evening at the Jahrhunderthalle for ten days, they strew sand to form a Chakrasamvara mandala. Th ey produce images of divinities, palaces, walls, spirits, and many symbols of astonishing subtlety, diversity, and color. And then, almost like a shock, as soon as the mandala is created, it is destroyed again in a ritual ceremony. Th e sand is swept up, and the following night it is poured into a nearby river so that it can return to the cycle of nature.

“We watch and try to give our images the concentration, calm, and precision of the monks’ work. Its strangeness as well. Now and again one of the monks explains what we are seeing, what is happening, and how it relates to the sand and the motifs of the mandala. Th e fi lm dispenses with any other explanations or commentaries by third parties. As a result, the fi lm itself is a kind of visual meditation, not esoteric or superfi cial but rather calm, quiet, concentrated.” (Christoph Hübner and Gabriele Voss)

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Deutschland 2012HDCAM, 72’ OmdU

Regie: Christoph Hübner, Gabriele VossKamera: Christoph HübnerSchnitt: Gabriele VossMitwirkende: Lopen Ugyen Dorji, Namgay Wangchuk, Lopen Sonam Tobgay, Lopen Phurba, Lopen Jamyang, Gembo DorjiProduktion und Filmver-trieb: Christoph Hübner FilmproduktionHuebner-fi lm@t-online.de

In Anwesenheit von Gabriele Voss und Christoph Hübner am 29.09.

22.09.­19:00­&­30.09.­21:00Mark­Lewis­–­Nowhere­LandReinhard Wulf

In seinen berühmten Kurzfilmen befragt der kanadische Filmemacher Mark Lewis zeitgenössische urbane Landschaften und erkundet dabei zugleich Grundelemente der filmischen Sprache, indem er häufig langsame Zooms oder veraltete Techniken wie Rückpro-jektionen und „Tag-für-Nacht“-Aufnahmen verwendet, um ebenso unheimliche wie erhellende Verbindungen zwischen komposi-torischen Verfahren herzustellen.

Reinhard Wulf folgt Lewis an die unter-schiedlichsten und eigentümlichen Orte, die der Künstler in seinen Filmen festgehalten hat und die ihn noch immer faszinieren. In Reaktion auf die einzigartigen Einblicke in alltägliche Orte des Nowhere Land, des Nir-gendwo, führen die beiden einen anhaltenden Dialog, in dem Lewis seine künstlerischen Überzeugungen offenbart. Er beschreibt seine Beweggründe und Entdeckungen ebenso eloquent wie ungezwungen, egal ob es sich um den Parkplatz eines Einkaufszentrums, einen majestätischen See im kanadischen Algonquin Park oder andere urbane Orte handelt.

Wulf lässt Lewis die Zeit, seine Gedanken in situ zu entwickeln. Sein Film ist ein fesseln-des und intimes Porträt der unorthodoxen Methoden des Künstlers, gefilmt mit derselben Achtung vor und dem Vertrauen zu Bildern, welche auch die Arbeiten von Lewis kenn-zeichnen.

Mark Lewis is a visual artist whose short films interrogate the contemporary landscape while exploring the basic language of film, often examining easily overlooked sites or ‘non-places’ by connecting classic pictorial modes with a cinematic vision.

Reinhard Wulf follows Lewis through diverse locations that the artist has filmed and that continue to fascinate him. We see Lewis at odd places that he has discovered on his bicy-cle and watch him at work as he films a chaotic intersection in downtown Toronto. Reacting to these ‘nowhere lands’, Lewis maintains a constant dialogue, revealing his convictions as an artist while providing unique insights into everyday places. Lewis is both eloquent and informal in describing his motivations and discoveries at these locations, from the vast parking lot of a suburban strip mall, to a majestic lake at Algonquin Park, and other urban settings—including those from films in Lewis’ 2009 Venice Biennale exhibition.

Wulf allows Lewis the time to develop his thoughts in situ, making this film a captivat-ing portrait of the artist and his sometimes-surprising methods. A visually eloquent film made with a respect and confidence towards images that is consistent with the sophisti-cated language of Lewis himself.

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Deutschland 2011DigiBeta, 83’ OF

Regie: Reinhard WulfKamera: Jürgen Behrens Schnitt: Olaf StreckerProduktion und Film-vertrieb: Westdeutscher Rundfunk

In Anwesenheit von Reinhard Wulf am 22.09.

09.10.­20:00­&­13.10.­17:00NainsukhAmit Dutta

Der 1977 geborene Regisseur Amit Dutta gilt als einer der wichtigsten Experimentalfilme-macher Indiens, dessen Filme unter anderem regelmäßig bei den Filmfestspielen in Venedig zu sehen sind.

Duttas neuer Film Nainsukh rekonstruiert an Originalschauplätzen mit Laiendarstellern und einem professionellen Miniaturenmaler in der Hauptrolle ausgehend von 42 Miniatur-zeichnungen lebendige Szenen aus dem Leben des nordindischen Malers Nainsukh (1710–1778). In grandiosen filmischen Bild- kompositionen erkundet der Film die Motive, Arbeitsprozesse, Landschaften und Lebenssituationen des Malers und seiner Werke. Fernab von modischen Reenactments, jenseits abgestandener Tableaux vivants, auf folkloristische Elemente verzichtend und fein ausbalancierend zwischen dokumentarischer Herangehensweise und spielerischer Hand-lung, entwickelt Dutta in Nainsukh eine eigene Bildsprache, die in ihrem ruhigen Rhythmus eine ungeheure Sogwirkung entfaltet.

Entstanden ist ein erstaunlicher Film in der Auseinandersetzung mit der indischen Kunst-geschichte und der Werk-Interpretation eines ihrer größten Maler.

The director Amit Dutta, born in 1977, is considered one of the most important experimental Indian filmmakers, whose films are regularly screened at film festivals such as Venice.

Dutta’s latest film Nainsukh reconstructs vivid scenes from the life of the north Indian painter Nainsukh (1710–1778) by emulating 42 miniature paintings with amateur actors and a professional miniature painter in the leading role at original settings. In majestic, cinematic images the film explains the motives, work process, landscape and life situation from which the paintings of the artist emerged. An extra-ordinary, tranquil and elegant film, whose poetic rhythm of images evade a capturing force.

Far from fashionable re-enactments and be-yond mouldy tableau vivants, the film doesn’t rely on ethnic elements, instead balancing delicately between documental approach and playful plot, while developing its own visual language by interpreting as well as question-ing Indian art history and one of its greatest artists.

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Indien/Schweiz 2011HDCAM, 82’ OmeU

Regie: Amit DuttaKamera: Mrinal DesaiSchnitt: Amit Dutta, Produzent: Eberhard Fischer Musik: Dishari ChakrabortyProduktion und Film- vertrieb: Museum Rietbergwww.rietberg.ch

In Anwesenheit von Eberhard Fischer am 09.10.

Der in England lebende deutsche Schrift-steller W. G. (Max) Sebald war in den 1990er Jahren eine der bedeutendsten literarischen Persönlichkeiten Europas. Seine auf Deutsch verfassten und glänzend von Michael Hulse und Anthea Bell ins Englische übertragenen Romane erkunden die tragische jüngere Geschichte des Kontinents in einem völlig neu-artigen Tonfall – elegant, meditativ und voller fremdartiger Anspielungen.

Sebalds Buch Die Ringe des Saturn (1995, Untertitel: Eine englische Wallfahrt) beschreibt in halbfiktionaler Form einen langen einsamen Spaziergang entlang der englischen Ostküste in der Grafschaft Suffolk. Von hier aus starteten im Zweiten Weltkrieg Flotten von Kampfflug-zeugen zum Angriff auf Deutschland. Grant Gees faszinierender, vorwiegend in Schwarz-Weiß gedrehter Film folgt Sebalds Wanderroute: Er hält an den Orten inne, an denen Sebald pausierte, und begegnet den Menschen, auf die auch Sebald traf. Die Kamera fängt die karge Schönheit der öden Landschaft Suffolks ein und lässt mehrere wortgewandte Kollegen – Dichter, Schriftstel ler, Künstler, Akademiker – zu Wort kommen, die sich in ihrer Arbeit auf den Autor beziehen. Sebalds tragischer Tod bei einem Autounfall 2001 und seine einge-spielten Stimmaufnahmen verleihen dem Film einen elegischen Ton – eine faszinierende Hommage an Sebalds Werk.

The English-domiciled German writer W.G. (Max) Sebald was one of the major literary figures of Europe in the 1990s. His novels, written in German and brilliantly translated into English by Michael Hulse and Anthea Bell, explored the tragic recent history of the continent in a totally original tone of voice—elegant, meditative and packed with exotic allusion.

In The Rings of Saturn (1995—subtitled An English Pilgrimage), Sebald describes, in semi-fictional form, a long solo walk along the coastline of the county of Suffolk, from which, in the Second World War, fleets of bombers took off to strike into the heart of Hitler’s Reich. Grant Gee’s remarkable film, shot mainly in black and white, follows the itinerary of this journey, pausing where Sebald paused, and meeting up with a number of the people Sebald had encountered on his way. The filmmaker’s camerawork distills an austere beauty out of the desolate Suffolk countryside, while at the same time high qual-ity commentary is provided, discreetly and intelligently, by a series of eloquent colleagues (poets, novelists and academics) who knew Sebald well. The elegiac and indeed ghostly tone of the movie resides in the fact that Sebald’s life was tragically cut short in a car crash at the beginning of the millennium. This poetic film (in which Sebald’s recorded voice plays an important role) is a fascinating homage to his achievement.

20.09.­20:00­&­03.10.­20:00­Patience (After Sebald)Grant Gee

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Großbritannien 2011Blu-Ray, 82’ OmdU

Regie/Kamera: Grant Gee Schnitt: Grant Gee, Jerry ChaterMusik: The Caretaker Mitwirkende: Tacita Dean, Katie Mitchell, Jonathan Pryce u. a.Filmvertrieb: Soda Pictures www.sodapictures.com

In Anwesenheit von Grant Gee am 20.09.

23.09.­19:00­&­30.09.­19:00The­Dreams­of­William­GoldingAdam Low

Die Londoner Unruhen des letzten Sommers erinnerten uns an die Zerbrechlichkeit jeder noch so fortschrittlichen westlichen Gesell-schaft. Kein Schriftsteller verstand diesen „Abgrund der Primitivität“ besser als der he-rausragende britische Autor William Golding. Die Kriegserfahrungen des Schriftstellers, die dieser zunächst im Seegefecht und später als Zeuge der Befreiung der Konzentrationslager sammelte, flößten ihm einen profunden Sinn für die moralische Spannbreite menschlichen Handelns ein. Sein erster und bekanntester Roman Der Herr der Fliegen (1954), der bis zum heutigen Tag 40 Millionen Mal verkauft wurde, beschreibt die Erlebnisse einer Gruppe britischer Schuljungen, die auf einer men-schenleeren Insel gestrandet sind, und deren Abstieg zur Grausamkeit.

Adam Low erkundet in seinem einfühlsamen Porträt über Goldings internationalen Best-seller hinaus das herausragende Werk des öf-fentlichkeitsscheuen Literaten, der mit seiner Familie zurückgezogen auf dem englischen Land lebte. Anhand privater Film aufnahmen gestaltet The Dreams of William Golding da-rüber hinaus das faszinierende Portrait eines vielseitigen Menschen, für den die Welt trotz ihrer Abgründe stets ungebrochene Schön-heiten und bezaubernde Merkwürdigkeiten bereithielt.

Blowing up out of nowhere, last summer’s riots in London serve to remind us of the central fragility of even the most advanced Western societies.

No writer understood this “abyss of primitiv-ism” better than the outstanding British nov-elist William Golding. The writer’s wartime experiences, first in naval combat and then as a witness to the liberation of the concentration camps, instilled in him a profound sense of man’s capacity for evil. His first and best-known novel, Lord of the Flies (1954), which shows the descent into savagery of a party of British schoolboys abandoned on a desert island, has sold 40 million copies to date. But he was never an ideological nihilist: the world retained, for him, an irreducible beauty and strangeness, explored in a number of poetic and original novels written in the wake of his initial best-selling masterpiece. Socially, Golding was a loner, shunning publicity and living quietly with his wife and family in the peaceful English countryside. Nonetheless, excellent film footage of him survives from different sources, and out of this rich archive, director Adam Low, working for the BBC’s Arena programme, has fashioned a fascinat-ingly nuanced portrait of a complex, touching and many-sided human being.

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Großbritannien 2011DigiBeta, 90’ OmdU

Regie: Adam LowKamera: Martin Rosen-baumSchnitt: Joanna CrickmayMusik: George TaylorProduzent: Martin RosenbaumProduktion und Filmver-trieb: Lonestar Produc-tions, BBC Arena

In Anwesenheit von Adam Low und Martin Rosenbaum am 23.09.

06.10.­21:30The­Escape­to­HollywoodTrine Dam Ottosen

In Dänemark ist der junge Storyboard-Zeich-ner Lars Munck ein anerkannter Künstler, aber seine Sehnsucht gilt Hollywood, einer Welt, die er eigentlich nur aus dem Fernsehen kennt. Sein Ziel ist es, das Storyboard für einen US-Blockbuster zu gestalten, doch sein Traum von einer Karriere im kreativen Para-dies Hollywood zerplatzt auf dem ultraharten Pflaster der Stadt des Glitzers, die äußerst un-romantisch, zynisch, ehrgeizig und mitleidlos mit den Träumern umspringt. Die Reise nach Kalifornien, die er auf der Suche nach dem großen Erfolg angetreten hat, mündet in eine überraschend introspektive Erfahrung, die ihn zwingt, den Blick auf sich selbst zu richten und darauf, warum er keinen Platz in dieser Welt zu finden scheint.

Die Filmemacherin Trine Dam Ottosen folgt ihrem Freund auf seiner existenziellen Reise und zeichnet ein fesselndes persönliches Porträt, das eine Geschichte von Träumen und Wünschen erzählt, von der Suche nach Identi-tät, der Sehnsucht nach einem einfacheren Le-ben und nicht zuletzt von Liebe. Angereichert durch die Zeichnungen und Animationen des Künstlers wird The Escape to Hollywood zu einem spannenden Filmtagebuch, das durch seine Ehrlichkeit besticht.

In Denmark, the young storyboard artist Lars Munck is highly respected, but he longs for Hollywood, a world he really only knows from television. His goal is to produce the storyboards for an American blockbuster. His dream of Hollywood as a creative paradise ends on the ultra-hard pavement of Tin-seltown, which treats dreamers extremely unromantically, cynically, ambitiously, and ruthlessly. Lars is left to his own devices and confronted with self-doubt. His journey in search of great success becomes a surprisingly introspective experience that forces him to question why he cannot seem to find a place in this world. Lars Munck’s drawings and ani-mations are an important component of this documentary film. The filmmaker Trine Dam Ottosen follows her friend Lars Munck on his existential journey. She sketches a gripping personal portrait that tells a story of dreams and desires, of a search for identity, of a yearn-ing for a simpler life, and last but not least of love. Trine Dam Ottosen studied directing and camera at the Edinburgh College of Art. The Escape to Hollywood is her first full-length film.

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Dänemark 2011DigiBeta, 53’ OmeU

Regie/Kamera: Trine Dam OttosenSchnitt: Rasmus Gitz-JohansenMusik: Green PandaMitwirkende: Lars MunckProduktion und Filmver-trieb: Nimbus Film www.nimbusfi lm.dk

In Anwesenheit von Trine Dam Ottosen und Lars Munck

21.09.­19:00­&­25.09.­20:00Water ChildrenAliona van der Horst

„Manche Aspekte des Lebens sind schwer in Worte zu fassen. Um die tiefen Ebenen der Gefühle zu berühren – die mit Themen der Mutterschaft und des Verlusts verbunden sind, die Erfahrungen der Fortpflanzung und Gefühle des Versagens berühren –, musst du etwas Musikalisches, ein Labyrinth oder ein Ritual kreieren. Etwas, das mehr wiegt, als das Sagbare: Du musst andere Wege erkunden, um einen Ausdruck für diese tiefen und inten-siven Erfahrungen zu finden.

In diesem Dokumentarfilm lädt die Künstlerin und Pianistin Tomoko Mukaiyama eine Gruppe von japanischen Frauen ein, an ihrem Kunstprojekt zu partizipieren und über die Bedeutung ihrer monatlichen Blutung und den Rhythmus ihres Körpers zu meditieren. […] Allmählich und unerwartet entwickelte sich die Filmarbeit zu einer Auseinandersetzung zwi-schen der Künstlerin und mir. Wieso entschied ich mich dafür, einen Film über dieses sensible und schwer greifbare Thema der ‚weiblichen Fruchtbarkeit‘ zu machen? Ich wurde von Tomoko herausgefordert, die mich um meine Teilnahme an ihrem Projekt bat. […] Unsere Konversation findet in Musik und Bildern statt. Der Film handelt davon, wie tiefgreifend Kunst an das Leben gebunden sein kann und wie notwendig es ist, eine Sprache zu finden für das, was wir nicht ansprechen können.“ (Aliona van der Horst)

“Some aspects of life are hard to express in words. To touch the deep layers of feelings connected to issues of motherhood and loss and experiences of procreation and the sense of failure it can entail, you need to create something like music, a labyrinth or a ritual. Something that isn’t only about speaking meaning, but explores other ways to express the deep and intense experiences in our lives.

In this documentary, artist and pianist To-moko Mukaiyama asks a group of Japanese women to participate in her art project explor-ing and meditating on the meaning of their monthly blood and the rhythm of their bodies. (...) Gradually, and unexpectedly, this film evolves into a collaboration between the artist and me. Why did I chose to make a film about such a sensitive and hard to grasp subject as ‘female fertility’? I am challenged by Tomoko who asks me to participate in her project; confronting my own strong and mixed feelings towards being a woman without children of my own. Our conversation takes place in mu-sic and images. This film is about how deeply art can be connected to life and how necessary it is to express what we often cannot speak about.” (Aliona van der Horst)

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Niederlande 2011DigiBeta, 75’ OmeU

Regie: Aliona van der Horst Kamera: Maasja Ooms, Aliona van der HorstSchnitt: Maasja Ooms, Aliona van der Horst, Sas-kia van SchaikMusik: Tokomo Mukaiyama, Johann Sebastian Bach Produktion und Filmver-trieb: doc and filmwww.docandfilm.com

In Anwesenheit von Aliona van der Horst am 21.09.

05.10.­20:30­&­07.10.­21:00Without GorkyCosima Spender

Suizide sind für die Angehörigen oft nicht nachvollziehbar. Als sich der amerikanische Maler Arshile Gorky, einer der Väter des Ab-strakten Expressionismus, 1948 im Alter von 46 Jahren erhängte, taten sich Kluften auf, die bis heute den engen Familienkreis prägen.

Wer könnte es seiner viel jüngeren Frau Mougouch vorwerfen, dass sie sich möglichst rasch von der Tragödie distanzieren wollte? Und dennoch können ihr die beiden mittler-weile erwachsenen Töchter Maro und Natasha nicht ohne Weiteres vergeben. 60 Jahre nach dem Selbstmord setzt sich die Enkelin des Malers armenischer Abstammung, Cosima Spender, wieder mit dem Trauma auseinander, in der Absicht, es endgültig bearbeiten zu kön-nen. Sie begibt sich in ihrem melancholisch schönen Film Without Gorky mit den zwei Töchtern Gorkys auf Entdeckungsreise, die vom eleganten Reihenhaus in Manhattan bis zur Küste des Van Sees unweit der armeni-schen Grenze der Türkei führt.

Während auf dem Weg familiäre Seelenge-heimnisse offengelegt werden, demonstriert Without Gorky beinahe beiläufig, dass Do-kumentarfilme auf eine einzigartige Art und Weise neue Interpretationen künstlerischer Werke erschließen können.

Acts of suicide are notoriously inconclu-sive. When the abstract expressionist painter Arshile Gorky hanged himself in 1948, at the age of 46, it opened up rifts in his immediate family circle that have lasted to the present day.

Who could blame his much younger Ameri-can wife Mougouch from wanting to distance herself as swiftly as possible from the tragedy? And yet neither of her now grown-up daugh-ters, Maro and Natasha, can quite forgive what they claim to be the callousness that their mother displayed in the immediate aftermath of the incident. Over 60 years later, the daughter of one of the sisters (and by the same token granddaughter of the artist) revisits the complications of the trauma in a bid to find definitive closure.

Cosima Spender’s beautiful and elegiac film accompanies her mother and her aunt on a journey of exploration that takes us from elegant Manhattan townhouses to the shores of Lake Van, near the Armenian border of Turkey, unearthing many psychic secrets along the way, and demonstrating, almost casually, that in the right, sensitive hands, documentary is among the most powerful tools we possess for interpreting the work of an artist.

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Großbritannien 2011HDCAM, 79’ OF

Regie: Cosima Spender Kamera: Benjamin Kracun, Urszula Pontikos, Cosima SpenderSchnitt: Valerio BonelliMusik: Jason Cooper, Oliver Kraus, Matteo CipolinaProduktion und Film-vertrieb: Peacock Pictureswww.peacockpicturesltd.com

In Anwesenheit von Cosima Spender und Valerio Bonelli am 05.10.

Vielleicht kann man sagen, dass die für den Fokus Brasilien zusammengestellten Filme für das Publikum dieser neuen Ausgabe von DOKU.ARTS eine zweifache Information bereithalten. Neben dem, was jeder für sich gesehen vermittelt, lassen die Filme in einem zweiten Schritt, wenn sie alle zusammen wie eine Montage von Sequenzen eines einzigen langen Films betrachtet werden, noch etwas anderes erkennen. Dann nämlich tritt deutlich zutage, wie viel Wert in Brasilien auf den stän-digen Austausch von Einflüssen zwischen der Filmkunst und anderen Künsten gelegt wird.

Was Mário de Andrade Mitte der 1920er Jahre zur Definition des nach Art eines Dokumen-tarfilms geschriebenen Romans über einige typisch brasilianische Ausdrücke sagte, die in die portugiesische Sprache Eingang fanden, was er über Amar, verbo intransitivo (Lieben, ein intransitives Verb) sagte: „Ich schreibe einen kinematografischen Roman. Roman und Film“, ist dafür ein gutes Beispiel. Ebenso die Beschreibung Glauber Rochas Mitte der 1960er Jahre von Terra em transe (Land in Trance): „Fiktion, aber wie ein Dokumen-tarfilm über eine Oper gefilmt.“ Zwei gute Beispiele eines Dialogs, in dem die Filmkunst das von den anderen Künsten wieder aufgreift, was diese von ihr übernommen hatten; in dem die anderen Künste so wie die Filmkunst aus dem andauernden Bedürfnis entstehen, aus sich selbst herauszufinden; in dem die eine wie die andere Ausdrucksform von einem dokumentarischen Impuls ausgeht.

So griff Nelson Pereira dos Santos 1963 für Vidas secas (Vidas secas – Nach Eden ist es weit) den trockenen, direkten, knappen Stil des Schriftstellers Graciliano Ramos und das scharfe, harte kontrastreiche Bild der volks-tümlichen Darstellungen aus dem Nordosten auf. Und auch Rocha bezog sich 1964 für den Film Deus e o diabo na terra do sol (Gott und der Teufel im Land der Sonne) auf etwas Schriftliches, nämlich auf das fast Barockhafte der Volkspoesie des Nordostens und die fast expressionistische Form der Darstellungen auf den Umschlägen der Gedichthefte, die auf Volksmärkten verkauft werden. Wir haben es hier mit dem gleichen gefühlsmäßigen Prozess zu tun, der uns auch schon von den moving pictures der Filmkunst her vertraut ist. Nicht nur, weil sich die Bilder in Filmen so bewegen, als ob sie wirklich lebendig wären, sondern auch, oder vor allem, weil sich im Film die Struktur, die Ordnung, die die Bilder miteinander verbindet, in einer ständigen Bewegung hin zu anderen Künsten befindet – zur Malerei, zur Literatur, zum Theater, zur Bildhauerei, zur Poesie, zur Musik. Moving pictures: Um zutiefst kinematografisch zu sein, bewegt sich das Bild im Film aus sich selbst heraus, auf der Suche nach dem essenziell Filmischen, das die anderen Künste nährt und inspiriert.

Mário Peixoto stieß eines Tages auf den Film, den er gerne machen wollte, und zwar über eine Fotografie, die er zufällig an einem Zeitungsstand gesehen hatte – zwei geballte, ausgestreckte Hände in Handschellen vor dem Gesicht einer Frau, die uns ansieht. In diesen

Fokus­BrasilienDer­irrende­Spiegel­José Carlos Avellar

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gefesselten Händen, in diesen wehrlosen Augen auf dem Titelbild der französischen Zeitschrift Vu (Nummer 74 vom 14. August 1929) fand Peixoto das Bild, das den ganzen 1931 entstandenen Film Limite (Limit) enthält.

Und Walter Salles entdeckte eines Tages im Schaufenster einer Buchhandlung das Motiv eines Filmausschnitts wieder, von einem Film, der bereits in seiner Vorstellung existierte. Er hatte von einem jungen Paar vor einem Schiff geträumt, das mitten im Meer auf eine Sand-bank aufgelaufen war – die Schlüsselfiguren für eine Geschichte über die während der Regierung Collor aus dem Land vertriebenen Brasilianer, die sich selbst verloren gingen. Rein zufällig fand Salles auf einer Fotografie des Buches Blues outremer (Übersee-Blues) von Jean-Pierre Favreau das zentrale Bild für den Film Terra estrangeira (Fremdes Land), den er bald darauf im Jahr 1996 zusammen mit Daniela Thomas drehte: ein großes mitten im Meer auf eine Sandbank aufgelaufenes Schiff.

Der kreative Prozess ist hier wie in anderen Beispielen derselbe: Die volkstümliche Dar-stellung findet im Medium Film die Anregung für ein Kompositionsmuster, das den Sekun-denbruchteil einer Geste ausschneiden und festhalten kann; die Filmkunst wiederum bezieht aus dem volkstümlichen Holzschnitt die Idee für ein Kompositionsmuster, das in der Lage ist, den Gesichtsausdruck der wegen Wasser- und Arbeitsmangel im trockenen Nordosten vom Land Vertriebenen aus der Nähe zu betrachten (wie zum Beispiel die von intensivem Weiß beherrschte kontrastreiche Fotografie des Films Vidas secas).

Stellen wir uns eine Filmkunst vor, die aus der Verschmelzung eines dokumentarischen Impulses mit dem Wunsch, andere Kunst-formen als kritischen Spiegel des kinemato-grafischen Ausdrucks zu benutzen, entsteht. Wohlverstanden nicht einfach irgendeinen Spiegel – der nach den Worten Fernando Pessoas richtig spiegelt, weil er nicht denkt, denn Denken bedeutet in erster Linie irren –

einen kritischen Spiegel, der in erster Linie irrt. Oder fantasieren wir uns die Möglichkeit, dass jeglicher künstlerische Ausdruck der kritische Spiegel eines anderen ist und dass die tatsächliche Beziehung, die zwischen beiden entsteht, die eines Spiegels ist, der einen anderen Spiegel widerspiegelt; der den Prozess widerspiegelt, die Oberfläche, die spiegelt, und nicht das, was sich darin widerspiegelt. Viel-leicht finden wir in diesem rauschhaften Bild ein Abbild des kreativen Prozesses der Filme, die wir gedreht haben, seitdem Limite in den Ausdruckserfahrungen der europäischen Fotografie Ende der 1920er Jahre entdeckt hat, auf welche Weise man sagen kann, dass die Filmkunst sich in einem Raum voller Grenzen bewegt und deshalb grenzenlos ist. Auch wenn sie nicht in dieser Absicht ausgewählt wurden, können die Filme des Fokus Brasilien als ein elementares Bild für diesen Prozess gelten – nicht während sie auf der Leinwand zu sehen sind, sondern danach, wenn sie in der Vorstellung neu erstehen, auf den zweiten Blick, nachdem sie als das gesehen wurden, was sie tatsächlich sind.

Der Film scheint fast gar nichts zu machen in der 2012 von Pereira dos Santos zusam-mengestellten Anthologie A música segundo Tom Jobim (Tom Jobims Musik), einem freien Arrangement von Liedern Jobims in der Interpretation von Künstlern aus allen Teilen der Welt. Der Film scheint wenig zu machen, wenn er 2012 in As canções (Die Lieder) einer Reihe von Personen zuhört, die über die Bedeutung einer bestimmten Musik in ihrem Leben singen und erzählen – ganz normale Leute, keine Sänger, und alle von Eduardo Coutinho vor demselben neutralen Hintergrund und aus derselben Perspektive gefilmt. Der Film scheint zu viel zu machen, wenn Paulo Leminskis Werk Catatau von Cao Guimarães 2011 neu erfunden wird in Ex-isto (Anm. d. Übers.: es handelt sich um ein Wortspiel, im Portugiesischen heißen die beiden Wörter „aus-diesem“ ohne Bindestrich geschrieben „Ich existiere“). Der Film ist keine echte Adaption des Gedichts (in dem es um

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die Frage geht, was geschehen wäre, wenn René Descartes nach Brasilien gereist wäre), sondern eine freie Erfindung von Bildern, die durch das Lesen von Leminskis Text angeregt wurden. In Cildo (2010) von Gustavo Rosa de Moura scheint der Film durch die In-stallationen von Cildo Meireles zu spazieren, als ob die Kamera ein Theaterschauspieler wäre, der die Werke als Bühnenbild für seine Darstellung benutzt, als Bühne für ein Drama. In den Filmen von Arthur Omar scheint sich der Film, um dem Zuschauer als nie zuvor gesehenes Bild ins Auge zu fallen, wie eine Art Taschendieb zu verhalten: Er greift nach dem, was er braucht, wo immer dies zu finden ist – in einem Vers Goethes, in einem Film von Raul Ruiz, in einer Meldung im Polizeibericht der Zeitung, in irgendeinem neuen techni-schen Hilfsmittel. Bei allen diesen Beispielen scheint der Film das Falsche zu tun, um es richtig zu machen. Vielleicht ist es gerade in einem Film über Musik der richtige Ansatz, das Bild nach der Musik tanzen zu lassen („Musik braucht keine Worte“ steht am Ende von A música segundo Tom Jobim geschrie-ben). Und vielleicht ist es in einem Dokumen-tarfilm darüber, was sich die bildenden bei den szenischen Künsten abgeschaut haben, genau das Richtige, auf der Bühne zu agieren. Und genauso, aber vielleicht sogar noch bedeutsamer, ist es in einem Dokumentarfilm über die Lieder, die für ganz normale Men-schen die Musik ihres Lebens darstellen, besonders wichtig, dass das Kino ruhig und „ganz Ohr“ in seiner Ecke verharrt, um davon zu erfahren, was im Leben der Interpreten ihre Stimme gestimmt (oder aber verstimmt) hat.

Vielleicht kann man sagen, dass der künstle-rische Schaffensprozess immer einen Augen-blick birgt, in dem eine bestimmte Kunstform als Zuschauerin einer anderen agiert; dass also die Filmkunst sich als eigenständigen Ausdruck erfunden hat, weil sie zuerst Zuschauerin war, die genoss, analysierte, sich von den anderen Künsten stimulieren und herausfordern ließ; und schließlich noch, dass der Zuschauer, während er sich einen Film

ansieht, den Gestus wiederholt, der den Film erfunden hat (und einen nicht abgeschlosse-nen Prozess des Neuerfindens fortführt), denn was die Kunst uns tatsächlich geben kann, ist die Einladung, den kreativen Prozess fortzu-spinnen.

Übersetzung aus dem Portugiesischen von Niki Graça

Focus­BrazilThe­Erring­Mirror

You might say that the films included in the DOKU.ARTS 2012 special Focus Brazil inform the public in two ways. Apart from what each film reveals when viewed in isolation, they re-veal something more on a second observation, when taken together, when edited as if they were sequences of one long film. They then become a radical expression of that special Brazilian emphasis on the regular exchange of influences between the cinema and other arts.

What Mário de Andrade said in the mid-nineteen twenties to define the novel written as a documentary on so many Brazilian turns of phrase, on typically Brazilian expressions incorporated in the Portuguese language; what he said about Amar, verbo intransitivo (To love, an intransitive verb): "I am writing a cinematographic novel. Novel, but cinema" is a good example. What Glauber Rocha said in the mid-sixties to define Terra em transe (Land in a Trance): "a work of fiction, but filmed as a documentary on an opera” is another example. Two good examples of a dialogue in which the cinema takes from other art forms what they have taken from it; in which the other arts, like the cinema, make themselves out of the will to be constantly moving outside themselves; in which these expressions move on the impulse of a documentary.

So to make Vidas secas (1963), Nelson Pereira dos Santos chose the dry, direct, concise writing of the author Graciliano Ramos and

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the sharp, harsh, contrasting image of the folk woodcut of the Northeast. Glauber Rocha, to make Deus e o diabo na terra do sol (Black God, White Devil, 1964), also chose a written work, the quasi-baroque folk poetry of the Northeast and the quasi-expressionism of the illustrations on the covers of booklets of poems sold in local fairs and markets. We have here the same process fed by the sensation already familiar to us in moving pictures, not only because in films the images move as if they were really alive, but also, or mainly, because in the cinema the structure, the order that arranges the images, is constantly moving towards the other arts, towards painting, lit-erature, theatre, sculpture, poetry and music. Moving pictures: to be essentially cinemato-graphic, the cinema image moves out of itself, it seeks as much from the cinema as it feeds and inspires the other arts.

One day Mário Peixoto discovered the film that he wanted to make in a photograph he happened to see on a news stand – two clenched fists, held up, hand-cuffed, in front of the face of a woman looking at us; in these hand-cuffed hands and in these oppressed eyes, on the cover of the French magazine Vu, number 74, of 14 August 1929, Mário found the image that summed it all up for Limite (1931).

One day Walter Salles rediscovered in the window of a bookshop a piece of a film that already existed in his imagination. He had dreamt of a young couple facing a ship run aground on a sand bank in the middle of the ocean, a key figure in a story of Brazilians lost from themselves, expelled from the country during the Collor government. By chance, in a photograph from the book Blues outremer by Jean-Pierre Favreau, Salles found the cen-tral image of the film he made shortly after-wards with Daniela Thomas, Terra estrangeira (Foreign Land, 1996): a great ship grounded on a sand bank on the high seas.

The creative process, here, is the same as that which led folk art to find in the cinema the suggestion of a composition model able to cut and fix a fraction of a second of a gesture; the same also as that which led the cinema to find in the folk woodcut the suggestion of a composition model able to follow closely the gesture of people expelled from the country-side for lack of water and for lack of work, as, for example, the high contrast photograph, dominated by the intense white of Vidas secas.

Let us imagine a cinema resulting from the fusion of the documentary impulse with a will to take other art forms as a critical mirror of cinematographic expression. Of course, it is not just a mirror (which, in the words of Fernando Pessoa, reflects correctly because it does not think, because thinking is essentially to err), but a critical mirror, which essentially errs. Or even, we can dream up the possibility that all artistic expression functions as the critical mirror of another artistic expression, that the true relationship established between them is that of a mirror that reflects another mirror, that mirrors the process, the surface that mirrors and not what is mirrored in it. Perhaps in this wild image we may find a picture of the creative process of films made among us, since Limite sought in the expres-sive experiences of European photography at the close of the twenties a way of saying that the cinema exists in a space where there are only limits and because of this very fact, no limits at all. Although not selected with this objective, the films of Focus Brasil can be taken as a radical image of this process – not while they are on the screen, but after, when they return in the imagination, in a second look, after having been viewed as they really are.

It seems that the cinema does almost nothing in the anthology arranged by Nelson Pereira dos Santos, A música segundo Tom Jobim (Music According to Tom Jobim, 2012): a free association of Jobim’s songs by interpreters from different parts of the world. It seems that the cinema does little when in As canções

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(Songs, 2012) it is ready to listen to people singing and talking about the importance of certain music in their lives, common folk, not singers, all filmed by Eduardo Coutinho in the same neutral scenario and from the same point of view. It seems the cinema does too much in the reinvention of Catatau by Paulo Leminski, proposed by Cao Guimarães in Ex-isto (in Portuguese the hyphen gives a double meaning to the word existo, so that it could be read as “Ex-it” or “Ex-ist”(2011)), not exactly an adaptation of the poem (in which it is asked: what would have happened if Descartes had visited Brazil), but a free invention of images inspired by reading Leminski’s writing. It seems the cinema wanders through the installations of Cildo Meireles in Cildo by Gustavo Moura (2010) almost as if the camera were an actor in the theatre, acting and using the works as a stage set, like the stage for a drama. To strike the eyes of the spectator with images never seen before, it seems that the cinema, in the films of Arthur Omar, behaves like a kind of pick-pocket: it takes what it needs, from wherever it can find it - from a version of Goethe, from a film by Raul Ruiz, from an item in a police report in the newspaper, or from any new technological resource. In all of these examples, it seems the cinema does the wrong thing to get things right. In a documentary on music, perhaps, it is better to let the image dance to the music (“music does not need words” is emphasized in a caption at the end of A música segundo Tom Jobim). In a documentary on what the visual arts have borrowed from the scenic arts, perhaps what is important is to act on stage. Similarly, but perhaps even more significant, in a documentary on the songs that people remember as the music that filled their lives, it is most important for the cinema to rest quietly in its corner, all ears, to understand the facts of life that tuned (or failed to tune) the voice of the interpreter.

You might say that artistic invention has a moment in which a specific art form acts like the spectator of another art form; and

again that the cinema invented itself as an autonomous expression because it was first a spectator: it enjoyed, analyzed, allowed itself to be stimulated and challenged by the other arts; and you might also say that while watch-ing a film the spectator repeats the gesture that cinema invented (and continues the un-finished process of reinventing), because what we really receive from art is the invitation to add continuity to the creative process.

Translated from Portuguese by Sheilah Cardno

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Wie kein anderes brasilianisches Lied steht The Girl from Ipanema von Antônio Carlos Jobim (1927–1994) für den in den 1950er Jahren kreierten Sound des Bossa Nova, der in den folgenden Jahrzehnten einen Siegeszug durch die Konzerthallen, Fernseher und Radios der Welt antrat. Von den unzähligen internatio-nalen Interpretationen des legendären Songs erzählt der Kompilationsfilm A música segundo Tom Jobim auf die denkbar einfachste und zugleich eindrücklichste Weise.

Ein Altmeister des brasilianischen Kinos, Nelson Pereira dos Santos, hat sich dieser Auf-gabe gemeinsam mit Dora Jobim, der Enkelin des Musikers, liebevoll und bravourös an-genommen, auch um den ein wenig in Verges-senheit geratenen Bossa Nova wieder aufleben zu lassen. Ohne Interviews und Kommentare, nur mit wenigen Fotografien ausgestattet, speist der Film seine Energien vor allem aus den Konzertmitschnitten und Archivjuwelen. Der rauschhafte und witzige Wechsel zwischen den unterschiedlichsten Interpreten und Zeit-moden steigert sich am Ende zu einem großen karnevalesken Finale.

Die Liste der Mitwirkenden kann sich sehen lassen: Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Judy Garland, Sammy Davis, Jr., Oscar Peterson, Chico Buarque, Lisa Ono, Diana Krall, Caetano Veloso, Frank Sinatra und viele andere.

More than any other Brazilian song, The Girl from Ipanema by Antônio Carlos Jobim (1927–1994) represents the sound of bossa nova, which was created in the 1950s and traveled triumphantly across the world in con-cert halls and on television and radio in the decades that followed. The film tells the story of the countless international interpretations of such legendary songs in the simplest way imaginable, resulting in the ultimate compila-tion film.

An old master of Brazilian cinema, Nelson Pereira dos Santos, and Dora Jobim, the musi-cian’s granddaughter, approached their task with love and bravura. They hope their film will help revive bossa nova, which has fallen somewhat into obscurity. With no interviews or commentary and just a few photographs, the film thrives entirely on concert footage and jewels from the archives. The ecstatic, witty exchanges between the diverse interpret-ers of the songs and period fashions culminate in a grand carnivalesque finale.

The performers are, of course, well worth seeing: Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Judy Garland, Sammy Davis Jr., Oscar Peterson, Chico Buarque, Lisa Ono, Diana Krall, Caetano Veloso, Frank Sinatra, and many more ...

19.09.­22:00­&­28.09.­21:00­A­música­segundo­Tom­JobimNelson Pereira dos Santos

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The Music According to Antônio Carlos JobimBrasilien 2011HDCAM, 88’ OmeU

Regie: Nelson Pereira dos Santos, Dora JobimRecherche: Antônio VenancioSchnitt: Luelane CorrêaProduktion und Filmvertrieb: Regina Filmesreginafilmes@uol.com.br Am 19.09 Eintritt frei

28.09.­19:00­&­12.10.­19:00CildoGustavo Rosa de Moura

Cildo Meireles gilt als einer der wichtigsten Vertreter der brasilianischen Neo-Avant- garde der 1960er Jahre, die Kunst von ihrer Musealität befreite und ihre Wirkung auf den Betrachter in den Mittelpunkt stellte; doch entzieht sich sein Werk bis heute jeglicher ein-facher Kategorisierung. Meireles komponiert aus Fundstücken des kollektiven Gedächt- nisses seine Arbeiten, in denen alltägliche Gegenstände, Raumkonstruktionen und Geräusche subtil zusammenwirken. Geprägt durch die Zeit der Militärdiktatur nach 1964, stellt er seine Arbeit in den Kontext des Widerstands gegen Militarismus und Konsu-mismus.

Der Regisseur Gustavo Rosa de Moura nähert sich behutsam der Arbeit des als verschlossen geltenden Künstlers, der im Gespräch mühelos von Popkultur zu Kunst- und Philosophiere-ferenzen springt. De Moura begleitet Meireles bei den Vorbereitungen zu Ausstellungen, etwa zu einer Retrospektive seiner Arbeiten in der Tate Modern, wobei die Kamera seine phantastischen Installationen wie ein zweiter Protagonist erforscht.

Ein mit Leichtigkeit und Präzision kompo-niertes Porträt, das sich Zeit nimmt und ohne jeglichen Kommentar die spannenden Arbei- ten von Meireles erkundet.

Cildo Meireles is considered an important representative of the neo-avant-garde in Brazil in the 1960s, whose shocking performances and sensuous installations focused on their effect on the viewer. Groundbreaking for his time, his work nevertheless still resists any simple categorization.

Meireles uses found pieces of collective memory to compose his works, in which every- day objects, spatial constructions, and noises subtly interact. Influenced by the period of military dictatorship after 1964, he places his work in the context of resistance to militarism and consumerism. The director Gustavo Rosa de Moura approaches both the artist, who is considered reserved, and his work, with great care. In the dialogue with De Moura, Cildo leaps effortlessly between references to pop culture, art, and philosophy. The director accompanies him during the preparations for exhibitions, including a retrospective at Tate Modern, while the camera explores his fantastic installations as if they were a second protagonist.

A portrait composed with lightness and precision, it takes its time and probes Cildo’s exciting works while dispensing with all commentary.

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Brasilien 2010Blu-Ray, 80’ OmeU

Regie: Gustavo Rosa de MouraKamera: Alberto BelleziaSchnitt: Sergio Mekler, Gustavo Rosa de MouraMitwirkende: Cildo MeirelesProduktion und Filmver-trieb: Matizarwww.matizar.com.br

13.10.­21:00Ex­istoCao Guimarães

Was wäre, wenn René Descartes den Koloni-sator und Förderer der Naturwissenschaften, Moritz von Nassau, nach Brasilien begleitet hätte, fragt sich der Filmemacher und Künst-ler Cao Guimarães in seinem neusten Film.

Frei nach dem in Brasilien verehrten Roman Catatau (1975) des Dichters Paulo Leminski folgen wir einem der Urväter der europäischen Philosophie an den Amazonas, wo er seine Forschungen zu Fragen der Geometrie und Optik unter dem Einfluss von halluzinogenen Kräutern aufnimmt. Laut Leminski stellt Catatau „den Irrtum der kartesianischen Logik in der Hitze dar, ein Emblem für das Scheitern des batavischen Projektes in den Tropen.“ Der atmosphärisch dichte und visuell beein-druckende Film Ex-isto ist daran anknüpfend eine philosophische und poetische Spekulation darüber, was Kunst, Wissenschaft und der menschliche Körper unter tropischem Einfluss bedeuten können.

Guimarães hat einen außergewöhnlichen halb fiktionalen, halb dokumentarischen Film geschaffen: In langen Einstellungen und sorgfältigen Bildkompositionen erlebt der Zuschauer den großartigen Hauptdarsteller João Miguel in der Rolle des Philosophen, der sich durch die Landschaften und urbanen Räume Brasiliens treiben lässt.

“What if René Descartes would have ac-companied Moritz von Nassau, the colonist and supporter of natural science, to Brazil?” This question is the topic of the newest film by the Brazilian filmmaker and artist Cao Guimarães.

Based on the novel Catatau (1975) by Paulo Leminski, a poet and translator of Polish-African descent who has achieved iconic status in Brazil, we follow one of the prime fathers of modern European philosophy to the Amazon where he launches his research inves-tigating matters of geometry and optics under the influence of hallucinogenic herbs. Ex-isto is a meditation on what art, science and the human body can evoke under a tropical influ-ence. An atmospherically dense and visually impressive mixture of philosophy and poetry filmed in long takes, presented through imag-istic tableaus and starring the brilliant actor João Miguel in the role of the philosopher.

It is an extraordinary, transparent composi-tion between fiction and documentation of an actor in historic costume, who drifts through the rural and urban landscapes of Brazil. “The book Catatau portrays the misapprehen-sion of Cartesian logic in the heat, a badge for the failure of the Batavian project in the tropics.” (Paulo Leminski)

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Ex ItBrasilien 2010HDCAM, 88’ OmeU

Regie: Cao GuimarãesKamera: Cao Guimarães, Beto Magalhães, Alexandre Baxter, Sérgio Neuenscha-wanderSchnitt: Cao Guimarães, Marcelo GomesMusik: Orlande de Lassus, Marcos Moreira, Nélson Soares, Górecki, Evaldo Gouveia, Jair Amorim, Victor Daniel, Carminha Mascarenhas, Dora Lopes, Paulo Leminski, AKA Pygmy Music, Claudio MonteverdiMitwirkende: João MiguelProduktion und Filmver-trieb: Itau Culturalwww.itaucultural.org.br

21.09.­21:00­&­26.09.­20:00LimiteMário Peixoto

Die Geschichte des experimentellen Stumm-films Limite ist zwar mit wenigen Worten erzählt – drei Schiffbrüchige treiben in einem kleinen Boot auf dem Meer und erzählen sich ihre Lebens- und Fluchtgeschichten –, doch hat kein anderer brasilianischer Film die nachfolgenden Künstlergenerationen stärker inspiriert. „Dann kam die Offenbarung von Limite, des ersten und einzigen Films des 21-jährigen Regisseurs Mário Peixoto. Dies war ein Film von transzendentaler Poesie und unendlicher Einbildungskraft. Und wieder war ich geschockt, nicht nur wegen des Films, der 1931 entstand und für viele Jahre vergessen war, mehr noch von der Evidenz, die er in sich trug, von unserer kreativen Vielfalt.“ (Walter Salles) „Am Ende der Stummfilmära glaubten wir daran, mehr und besser sehen zu können. Wie Dziga Vertov in seinem Film Kino-Eye von 1924 sagte: Das Kino eröffnet die Möglichkeit, das Unsichtbare sichtbar zu machen oder Licht ins Dunkel zu bringen, ohne Grenzen und Dis-tanzen zu sehen. Aber dann zeigte uns Peixoto, dass uns das Kino in Wahrheit weniger sehen lässt und unklarer, und dass seine Stärke genau in dieser unvollständigen Sehweise liegt.“ (José Carlos Avellar)

DOKU.ARTS zeigt Limite erstmals in der neu rekonstruierten Fassung, die im Auftrag der World Cinema Foundation in der Cineteca di Bologna entstand. Besonderer Dank an Doug Laible und Andrea Meneghelli.

The story of the experimental silent movie Limite can be quickly summarized: three shipwreck survivors are drifting in a small boat on the ocean and tell each other their life and refugee stories. Yet no other Brazilian film has inspired generations of artists more than this one. “Then came the revelation of Limite, the first and only film by 21-year-old director Mário Peixoto. This was a film of transcendent poetry and boundless imagination. Once again, I found myself in a state of shock, not only because of the film itself, which was made in 1931 and forgotten for many years, but also for the evidence it bore, that of our creative diversity” (Walter Salles) “At the end of the silent era we imagined that the cinema allowed us to see more, and more clearly. (As Dziga Vertov said in his film Kino-Eye, 1924, ‘the cinema represented the possibility of making the invisible visible, or illuminating the darkness, of seeing without boundaries or distances.’) But then Mário Peixoto showed us that, in reality, the cinema makes you see less, and less clearly, and that it’s strength lies precisely in this incomplete way of seeing. (...) The narration hides more than it reveals. What we see is only there to establish a tension with what is off-screen. In this case cinema conceals, hides and cuts.” (José Carlos Avellar)

DOKU.ARTS is proud to present the German premiere of the long awaited new comprehen-sive digital restoration by the World Cinema Foundation, which was carried out at Cineteca di Bologna / L’Immagine Ritrovata Laboratory in collaboration with the Cinemateca Brasileira and Walter Salles. With special thanks to Doug Laible and Andrea Meneghelli.

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LimitBrasilien 193135 mm, 120’ Stummfilm mit Musik

Regie/Schnitt: Mário PeixotoKamera: Edgar Brazil, Rui CóstaMusik: Brutus Pereira, Erik Satie, Claude Debussy, Aleksandr Borodin, Maurice Ravel, Igor F. Stravinski, César Franch, Sergei Pro-kofiew, Adriano Campos Drehbuch: Olga Breno, Mário Peixoto, Brutus PedreiraFilmvertrieb: Cineteca de Bologna, The World Cine-ma Foundationworldcinemafoundation.org

27.09.­20:00Onde a terra acabaSérgio Machado

Von vielen Brasilianern als „der beste brasilia-nische Film aller Zeiten“ bezeichnet, fasziniert der poetische experimentelle Stummfilm Limite (1931) von Mário Peixoto (1908–1992) bis heute. Allerdings scheinen die meisten Menschen lediglich den Filmtitel zu kennen, nur wenige haben ihn tatsächlich gesehen.

Sowohl die Entstehungs- wie auch die Wir-kungs- und Restaurationsgeschichte dieses Filmjuwels und „unknown masterpiece“ (Georges Sadoul) sind einzigartig. Im Mittel-punkt der Filmproduktion wie auch einiger Legenden, die sich um den Film ranken, steht Peixoto, der nach Limite keinen weiteren Film fertigstellen konnte. Seine zweite Filmproduk-tion Onde a terra acaba von 1933 endete in einem Fiasko und Peixoto konzentrierte sich fortan auf das Schreiben und die Literatur. Der Titel seines unvollendeten Films ist namens- gebend für den Dokumentarfilm von Sérgio Machado, der wiedergefundenes Drehmaterial präsentiert und sich auf die Spuren von Peixotos Leben und Werk begibt und dem damit eine eindringliche Hommage an eine der faszinierendsten Figuren des brasiliani-schen Kinos gelingt. Mitwirkende sind neben anderen die Regisseure Walter Salles und Nelson Pereira dos Santos sowie die Hauptdar-stellerin aus Limite, Olga Breno.

Onde a terra acaba wird anlässlich der Pre-miere der neuen rekonstruierten Fassung von Limite gezeigt.

Described by many Brazilians as the “best Brazilian film of all time”, the poetic experi-mental silent film Limite by Mário Peixoto has been fascinating its audience since its debut in 1931.

Yet, it seems that although it is highly renown in Europe, only a few have actually seen it. Both the history of the origins of this cinemat-ic gem and its perception and restoration as the “unknown masterpiece” (Georges Sadoul) offer unequalled opportunities for cinematic history. Mário Peixoto (1908–1992) attained legendary status for Limite, his only film. His second film Onde a terra acaba (1933) re-mained unfinished. Sergio Machado used this title for his documentary, in which he goes on a quest to explore the life and work of Mário Peixoto. He succeeds in producing a haunting homage to one of the most fascinating figures of the Brazilian cinema. Significantly, the directors Walter Salles and Nelson Pereira dos Santos and the main actress of Limite Olga Breno all appear in the film.

Onde a terra acaba will be presented in connection with the premiere of the newly restored version of Limite.

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At the Edge of the EarthBrasilien 200235 mm, 75’ OmeU

Regie: Sérgio MachadoKamera: Antônio Luiz MendezSchnitt: Isabelle RatheryProduktion und Filmver-trieb: Videofilmesluiza@videofilmes.com.br

Besonderer­Gast:­Arthur Omar

Arthur­Omar­ist­einer­der­vielseitigsten­Künstler­und­Experimentalfilme­macher­Brasiliens,­der­seit­den­1970er­Jahren­in­seinen­Dokumentarfilmen,­Fotografien,­Texten­und­Videoinstal­lationen­neue­Methoden­der­Visuellen­Anthropologie­entwickelt.­Sein­Film­Triste Trópico­(1974)­gilt­als­Klassiker des brasilianischen Kinos. An­der­Biennale­in­São­Paulo­nahm­Omar­zweimal­teil­und­das­New­Yorker­Museum­of­Modern­Art­widmete­ihm­1999­eine­umfassende­Retrospektive­seiner­Filme­und­Videos.­Omar­veröffentlichte­mehrere­Bücher­über­Fotografie­und­Theorie,­unter­anderem­Antropologia da Face gloriosa (1997), O Esplendor dos Contrários (2002) und Viagem ao Afeganistão (2010, mit einem­Vorwort­von­Antonio­Negri).­Als besonderer Gast von DOKU.ARTS wird­Omar­während­der­Werkschau­in­Berlin­anwesend­sein­und­drei­Programme­vorstellen.

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Special­Guest:­Arthur Omar

Arthur Omar is one of the most ­versatile­artists­and­experimental­filmmakers­of­Brazil.­Since­the­70s­he­has­worked­in­ a variety of media, such as cinema, video,­­photography,­installations,­ music,­poetry­and­drawing,­developing­new­methods­of­visual­anthropology.­The­New­York­Museum­of­Modern­ Art­held­a­retrospective­of­his­films­and­videos­in­1999.­Arthur­Omar­par­ticipated­in­the­São­Paulo­Biennale­twice.­His­film­Triste Trópico (1974) is considered­a­classic­of­Brazilian­ cinema.­He­also­writes­essays­and­theoretical­­reflections­on­art:­ Antropologia da Face gloriosa (1997), O Esplendor dos Contrários (2002) and Viagem ao Afeganistão­(2010,­with­a­preface­by­Antonio­Negri).­Arthur­Omar­will­be­a­special­guest­at­ DOKU.ARTS­and­will­present­three­film­programs.

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12.10.­21:00Arthur­Omar­I:­Combat­Chorus,­ Cavalos de Goethe

Arthur Omar schuf in bildgewaltigen Kompo-sitionen zwei filmische Auseinandersetzungen mit dem Krieg, die auf Filmmaterial beruhen, das Omar Anfang 2002 und damit unmittel-bar nach den Bombardements in Afghanistan aufnahm.

Während das Augenmerk in Combat Chorus auf einer Chorprobe liegt, zeigt der Film Cavalos de Goethe ein Buzkashi-Spiel – ein über Jahrhunderte tradierter Wettstreit, bei dem zwei Gruppen von Reitern um den verstümmelten Kadaver eines Ziegenbocks kämpfen. Der experimentelle Dokumentar-film zeigt Bilder von Männern auf Pferden in einem gefährlichen Spiel, die mittels Spezial- effekten wie in der Zeit schwebend ins Bild kommen, Bilder, in denen sich der ewige Kampf zwischen Licht und Finsternis, Geschichte und Vergessen, Horror und Ekstase verkörpert. Die Manipulation der Geschwindigkeit der Originalbilder (ihre Alchemie) offenbart uns eine neue Bedeutung des alten Krieges.

Die Gedichte Four Quartets von T. S. Eliot, das 2. Streichquartett von Morton Feldman, Goethes Farbenlehre und ein rätselhaftes Gedicht auf Dari, der in Afghanistan gespro-chenen Sprache, fließen ein in eine Meditation über die Zeit und die politische Natur der Wahrnehmung.

In January 2002, the Biennale of São Paulo sent Arthur Omar to Afghanistan to visit the site of the recently destroyed Buddha statues.

Ten years later, Arthur Omar edited the material and made both a short and a long documentary essay, focussing on the acti-vities of the Afghani people. Combat Choir documents the rehearsals of a male choir. Os Cavalos de Goethe is an experimental documentary filmed with a small mini-DV handycam during a Buzkashi game. The images of horses, men and a headless goat are almost suspended in time, through special visual effects.

A poem by Eliot, a String Quartet by Morton Feldman, Goethe’s Theory of Color and an enigmatic poem in the Afghan language are all invited to re-enact the eternal combat between light and darkness, history and oblivion, hor-ror and ecstasy. The change of speed during the film reveals a new meaning to an old war.

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Combat ChoirBrasilien/Afghanistan 2011Beta SP, 8’ OmeURegie/Kamera/Schnitt: Arthur OmarProduktion und Filmver-trieb: Arthur Omarwww.arthuromar.com.br

Goetheʼs HorsesBrasilien/Afghanistan 2011 Mini DV, 60’ OmeU Regie/Kamera/Schnitt: Arthur OmarProduktion und Film- vertrieb: Itau Cultural, Arthur Omarwww.itaucultural.org.br

In Anwesenheit von Arthur Omar

13.10.­21:30Arthur­Omar­II:­O­Nervo­de­Prata,­ As­Férias­do­Investigador,­Derrapagem­no­Éden,­Um­Olhar­em­Segredo

Drei außergewöhnliche experimentelle Portraits der zeitgenössischen brasilianischen Künstler Tunga, Milton Machado und Cildo Meireles sowie ein filmisches Essay über Foto-grafie und Gedächtnis – allesamt vom vielseiti-gen brasilianischen Künstler, Filmemacher und Autor Arthur Omar – entführen in ungewöhn-liche Universen und rätselhafte Reiche. Die paradoxale Welt des Künstlers Tunga wird in O Nervo de Prata durch dessen Skulpturen vor-gestellt, einem Mix aus archaischen Emotionen und einer leichten Ahnung von Hightech: In einen Tunnel ohne Anfang und Ende geworfen, erwarten den Zuschauer extreme Begegnungen mit siamesischen Zwillingen und verflochtenen Schlangen.

Das Video As Férias do Investigador wiederum, das sich mit Machado auseinandersetzt, fliegt durch die Wolken, besucht Fabriken und bedrängt einen merkwürdigen Schlagzeuger, der zwischen griechischen Statuen spielt. In Derrapagem no Éden werden verschiedene Installationen von Meireles auseinandergebaut. Fragen in Bezug auf Kunst, Fotografie, Geld und Schnelligkeit tauchen auf und verschwin-den wieder, ohne Spuren oder Erklärungen zu hinterlassen – Kunst wird als ein Schleudern gezeigt, als Unfall, der zu schnell abläuft, um damit zurechtkommen zu können. In dem Film-Essay Um Olhar em Segredo wird dem Zuschauer schließlich in jeder Sequenz ein anderer Aspekt der fotografischen Wahr-nehmung als einer aufsteigenden Erfahrung präsentiert. Komponiert aus kleinen in Afghanistan, Kuba und Brasilien gedrehten Fragmenten, die der Fotografie, der Kamera, dem Augenblick und der Ekstase gewidmet sind, stellt der Autor einige persönliche Ideen über Fotografie und Gedächtnis vor.

The unusual and paradoxical universe of artist Tunga is seen through his own sculp-tures, mixing archaic emotions and a light “high-tech” feeling. The spectator is thrown into a tunnel without beginning or end, where extremely unusual scenes take place, involving characters such as Siamese twins tied by the hair and braided snakes.

Installations by artist Cildo Meireles are dis-assembled so that their elements can be reused in the video for an original creation. Ques-tions referring to art, photography, money and velocity appear and disappear, leaving no traces or explanations. Art is treated as a kind of skidding, an accident happening faster than the possibility of dealing with it. When an investigator goes on vacation, anything can happen. The world becomes a territory of enigmas. Sculptures and installations by artist Milton Machado are creatively re-enacted by the no-holds-barred camera of Arthur Omar, amplifying the artist’s strange logic to the extreme. The video travels to the clouds, visits factories, takes an airplane and penetrates the eye of a mysterious drummer who plays among Greek statues.

In the Film essay, Um Olhar em Segredo, the viewer is presented with different aspects of photographic perception as an escalating experience. Composed of little fragments which are dedicated to “photography, camera, the spur of the moment and ecstasy”, the author introduces some of his ideas about pho- tography and memory. Shot in Afghanistan, Cuba and Brazil.

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The Silver NerveBrasilien 1987Beta SP, 20’ OmeURegie/Schnitt: Arthur OmarKamera: Arthur Omar, Carlos Azambuja, Paulo Santos Mitwirkende: TungaProduktion: RioArtewww.rioartecultura.com

The Vacations of a Private EyeBrasilien 1994Beta SP, 17’ OmeURegie/Kamera/Musik: Arthur OmarSchnitt: Luis AugustoMitwirkende: Milton MachadoProduktion: Córtex and Magnetoscópio for RioArte

Skidding in EdenBrasilien 1997Beta SP, 14ʼ OmeURegie/Kamera/Schnitt: Arthur OmarMusik: Arthur Omar, Jorge Reyes, Miloslav Kabelac, Angelique JonatosMitwirkende: Cildo MeirelesProduktion: RioArte

A Gaze in SecrecyBrasilien 2011Beta SP, 30’ OmeURegie/Kamera: Arthur OmarSchnitt: Evângelo GasosProduktion: Córtex

In Anwesenheit von Arthur Omar

14.10.­19:00Arthur­Omar­III:­O­Castelo­Resiste,­ O Livro de Raul

Zwei Begegnungen zwischen dem Experimen-talfilmemacher Arthur Omar und dem 2011 verstorbenen Raul Ruiz, einem der wichtigsten Regisseure des lateinamerikanischen Kinos, sind Auftakt für Dialoge und gemeinsame Abenteuer, die in diese dokumentarischen Allegorien münden.

O Castelo Resiste, gedreht in Omars Wohnung in Rio de Janeiro, dokumentiert ein Gespräch mit dem chilenischen Filmemacher Ruiz über Manipulation, Hyperthyreose, Giordano Bruno, Opfer, Träume, Simulatoren, Tunnel und Seelen und die Transformation eines Massakers in eine Landschaft, während beide fernsehen.

Es folgt mit O Livro de Raul eine Reise nach Chile, die neben anderen Schauplätzen der gemeinsamen Unternehmung die beiden Filmemacher nach Free City in der Nähe von Ritoque führt, einer Kommune von Architek-ten und Künstlern, die als notwendige Grund-lage jeglicher Konstruktion den „poetischen Akt“ ansehen. „Sie sagen: ‚Traditionelle Architektur beginnt mit einem reinen Plan, der sofort die Grenzen festlegt. Wir hingegen beginnen immer vom Zentrum aus, von der inneren Leere eines Raums und arbeiten uns dann in Richtung der Grenzen, aber berühren diese nie. Unsere Arbeit ist niemals fertig.‘ Und so ist dieser Film. Ein Film sollte so einfach sein, wie man die Fahrspur auf einer Autobahn wechseln kann.“ (Arthur Omar)

O Castelo Resiste documents a conversa-tion with Chilean filmmaker Raul Ruiz. He talks about manipulation, hyperthyroidism, Giordano Bruno, sacrifices, dreams, simulators, tunnels and souls, and the transformation of the massacre in landscape. Shot in Rio de Janeiro, in Arthur Omar’s home, while both directors were watching TV.

Documental allegory O Livro de Raul is a trip to Chile with Raul Ruiz. Conversations and adventures take movies as a point of departure, passage and point of arrival. In-cludes scenes shot in Free City, near Ritoque, Chile, an utopian community of architects and artists revolving around the idea of the “poetical act” as the necessary substratum to any construction. The film responds to the architect’s attitude: “It is said that: ‘traditional architecture begins with the purity of a plan, immediately establishing the limits. On the contrary, we always begin from the center, from the inner void of a space, expanding our activities to the borders, but never touching them. Our work is always unfinished’. A film should be as simple as switching lanes on a highway”. (Arthur Omar)

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The Castle EnduresBrasilien 1995Beta Beta SP, 14’ OmeU Regie/Kamera: Arthur OmarSchnitt: Ricardo MirandaMitwirkende: Raul RuizProduktion: Córtex

The Book of RaulBrasilien 1999Beta SP, 40’ OmeURegie/Kamera/Schnitt: Arthur OmarMitwirkende: Raul RuizProduktion: Córtex für Itaú Cultural www.itaucultural.org.br

In Anwesenheit von Arthur Omar

Biografien­

Mary Lance ist eine vielfach ausgezeichnete unabhängige Filmemacherin mit über 30 Jahren Erfahrung in der Produktion von Dokumentar-filmen, deren Arbeit u. a. vom National Endowment for the Arts unterstützt wird. Ihr bio-grafischer Film Diego Rivera: I Paint What I See wurde u. a. mit dem Gold Plaque beim Chicago International Film Festival und zahlreichen an-deren Auszeichnungen geehrt. Ihr aktuelles Projekt ist Blue Alchemy: Stories Of Indigo, ein Dokumentarfilm über die Geschichte und Kultur der Farbe Blau.

Mark­Lewis­lebt und arbeitet in London, wo er als Professor der bildenden Künste beim Central Saint Martins College of Art and Design und Heraus-geber des Afterall Journal und von Afterall Books tätig ist. Seine Filme wurden weltweit in Museen und Gallerien ge-zeigt und seine Arbeiten sind Teil vieler Sammlungen, u. a. im MoMA, Centre Pompidou und in der National Gallery of Canada. 2009 repräsentierte Lewis Kanada bei der Biennale in Venedig. Zur Zeit arbeitet er an einem Filmprojekt über die Anfänge des Kinos und 2014 wird ihm eine Einzelausstel-lung im Louvre gewidmet sein.

Cao­Guimarães, Filmemacher und bildender Künstler, wurde 1965 in Belo Horizonte

geboren, wo er lebt und ar-beitet. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Museen und Galerien gezeigt, dazu zählen Tate Modern, Guggenheim Museum, MoMA, Gasworks, Frankfurter Kunstverein, Studio Guenzano, Galeria La Caja Negra und Galeria Nara Roesler. Er nahm an der 15. und 17. Kunstbiennale von São Paulo teil und seine Filme wurden auf vielen Filmfesti-vals gezeigt, u. a. in Locarno, Venedig, Sundance, Cannes und Rotterdam.

Patrick Cazals studierte Film und Philosophie in Paris und hat seit 1976 fast 50 Dokumen-tarfilme gedreht. 1987 gründe-te er die Produktionsfirma Les Films du Horla und widmet sich seither Dokumentarfil-men und Künstlerporträts, darunter: Sergueï Paradjanov (1988), Doisneau in Towns, Doisneau in Fields (1993), Bohumil Hrabal (1995), Amrita Sher-Gil, an Indian Rhapsody (2002), Sartre and de Beauvoir Tribulations to Caucasus (2003), Arthur Rimbaud, Cyprus Poste restante (2006), Rouben Mamoulian, The Golden Age of Broadway and Hollywood (2007). Zur Zeit dreht Cazals einen Film über die Schauspielerin Musidora.

Die niederländische Regis-seurin Aliona van der Horst wurde 1970 in Moskau gebo-ren und studierte russische Literatur an der University of Amsterdam und Film an der Dutch Film and Television Academy. Die meisten ihrer

Dokumentarfilme handeln von Kunst und wurden international vielfach ausgezeichnet, u. a. mit dem Special Jury Prize beim Tribeca Film Festival in New York für Voices of Bam (2006), dem Grand Prix der FIFA Montreal und dem Dutch Academy Award für The Hermi-tage Dwellers (Eröffnungsfilm DOKU.ARTS 2006) sowie dem Best Documentary Award beim Edinburgh Filmfestival für Boris Ryzhy (In Progress-Präsentation bei DOKU.ARTS 2008).

Trine Dam Ottosen studierte Film und Kamera am Edin-burgh College of Art, wo sie 2009 ihren Abschluss machte. Schreiben spielt eine wesentli-che Rolle in ihrer Arbeit – u. a. verfasst sie Gedichte, Aufsätze und Drehbücher – und zur Zeit arbeitet sie an der Visua-lisierung ihrer Gedichte. The Escape to Hollywood ist ihr erster langer Dokumentarfilm.

Seit fast 30 Jahren führt Anthony Wall Regie und pro-duziert Filme für die legendäre BBC-Dokumentarfilmreihe Arena, die sich den Künsten widmet und schon von Stanley Kubrick geschätzt wurde und für die Wall 1985 die Redak-tionsleitung übernahm. Die Filme von BBC Arena gewannen unter seiner Ägide neun British Academy Awards, vier RTS Awards, den Prix Italia, einen International Emmy, einen Grammy und den Spe-cial Medallion von Telluride. 2005 koproduzierte Wall den preisgekrönten Bob Dylan: No Direction Home von Martin

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Scorsese. In den letzten Jahren produzierte er Filme u. a. über Bob Marley (DOKU.ARTS 2008) und mit Phil Spector.

Johan Carlsson wurde in Umeå geboren und ist in den letzten 15 Jahren als Produk-tionsmanager (z. B. bei You, the Living), Regieassistent und Regisseur tätig. Er arbeitete bei Image- und Werbefilmen mit und hat eigene Kurzspielfilme gedreht. Pehr Arte wurde 1962 in Ängelholm geboren. Seit 1984 führt er Regie und produ-ziert Werbe-, Musik-, Image- und Dokumentarfilme mit seiner Produktionsfirma Seven Frames. Tomorrow’s Another Day ist Carlssons und Artes erster langer Dokumentarfilm, den DOKU.ARTS bereits 2008 in verschiedenen temporären Schnittfassungen in der Reihe In Progress präsentierte.

Adam­Low lebt in London, wo er seine Karriere als Dokumentarfilmemacher bei der BBC begann. Er hat Do-kumentarfilme für die BBC-Serien Writers and Places, Omnibus, Global Report und Arena gedreht und auch bekannte Künstler wie Akira Kurosawa, Luchino Visconti, V. S. Naipaul und Francis Bacon (DOKU.ARTS 2006) porträtiert. Von 1991 bis 1997 lebte und arbeitete Low als unabhängiger Produzent und Regisseur in Kapstadt. Seine Arbeiten erhielten zahlreiche Auszeichnungen, u. a. den Prix Italia in 2004 und 2010 den Grierson Award für seinen Film über T. S. Eliot.

Seit 1994 arbeitet Yao­Hung­I bei 3H Productions, war bei vielen Filmen von Hou Hsiao Hsien beteiligt und war darüber hinaus auch selbst als Regisseur und Kameramann von zahlreichen Kurz- und Werbefilmen tätig. 2005 drehte Yao seinen ersten Spielfilm Reflections, der zu vielen inter-nationalen Filmfestivals ein-geladen wurde und (u. a. beim Buenos Aires International Film Festival) Preise gewann. Hometown Boy ist sein erster langer Dokumentarfilm, der 2010 mit dem Golden Horse Award (dem wichtigsten taiwanesischen Filmpreis) aus-gezeichnet wurde.

Thomas Riedelsheimer (* 1963) studierte an der Filmhochschule in München, arbeitet als freier Filmemacher, Kameramann und Editor und hat viele nationale und inter-nationale Auszeichnungen für seine Regie- und Kameraarbeit erhalten, u. a. dreimal den Deutschen Filmpreis Lola. Sein bekanntester Film Rivers and Tides (2000) über den Künstler Andy Goldsworthy spielte allein in den USA im Kino 2,5 Mio. Dollar ein, wurde weltweit gezeigt und ist ein DVD-Topseller. Zu seinen wei-teren Künstlerporträts gehört u. a. Touch the Sound (2004). Er ist Mitglied der Deutschen und der Europäischen Film-akademie und seit Oktober 2007 Dozent an der Filmaka-demie Ludwigsburg.

Reinhard Wulf (* 1947) ver-öffentlichte als Filmjournalist

Buch- und Zeitschriftenbeiträ-ge u. a. über Douglas Sirk, Billy Wilder und Curtis Bernhardt. Seit 1984 arbeitet er als Fernsehredakteur beim WDR mit dem Arbeitsschwerpunkt künstlerischer Dokumentar-film/Dokumentationen über Film und bildende Kunst, hierzu zählen die Sendereihen Kinomagazin und Dokumen-tarisch arbeiten. Als Autor und Regisseur realisierte er zahlreiche Dokumentationen über Künstler und Filmema-cher, darunter Claude Sautet, Carl Theodor Dreyer, William Kentridge und Gary Hill. Sein erster langer Dokumen-tarfilm James Benning – Circling the Image (2003) wur-de u. a. bei der Viennale, in Rotterdam und Berlin (DOKU.ARTS 2006) gezeigt. Bevor Wulf Ende 2012 seine Tätigkeit beim WDR beendet, präsen-tiert er seinen neuen Film bei DOKU.ARTS.

Amit Dutta, 1977 in Indien geboren, besuchte das Film and Television Institute of India und wird als einer der erfolgreichsten experimen-tellen Filmemacher seines Landes angesehen. Für seinen Kurzfilm Kramasha gewann er 2007 den FIPRESCI Preis beim Kurzfilmfestival Oberhausen. Sein erster Spielfilm The Man’s Woman and Other Stories bekam eine Special Mention der Jury beim Film Festival Venedig 2009. Mit Eberhard Fischer entstand 2011 zu-sammen Nainsukh. Fischer ist Kunstsammler und war von 1973 bis 1998 Direktor des

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Museums Rietberg in Zürich, dem einzigen Kunstmuseum für außereuropäische Kulturen der Schweiz.

Nelson­Pereira­dos­Santos gilt als einer der wichtigsten brasilianischen Filmregisseure und Vorreiter des Cinema Novo. Sein Film Barren Lives ist möglicherweise der mit den meisten Preisen gekrönte bra-silianische Film aller Zeiten. 1955, im Alter von 27 Jahren, drehte er seinen ersten Spiel-film Rio 40 Degrees. Bereits 1985 führte er für das brasili-anische Fernsehen Regie bei einem vierstündigen Doku-mentarfilm über Tom Jobim. Während seiner Laufbahn produzierte er über 20 Filme, u. a. Gold Mouth, The Amulet of Ogum, Hunger for Love, How Tasty Was My French-man, Jubiabá, Tent of Miracles und Memoirs of Prison.

Cosima­Spender wurde in Italien geboren und wuchs dort in einer englischen Künstlerfamilie auf, bevor sie mit 14 Jahren nach England zog. Mit einem Studium in Anthropologie und Geschichte von der School of Oriental and African Studies und der University of London fundier-te sie ihr Interesse an lokalen Identitäten und ethnischen Traditionen in Afrika, Asien und Europa. Ihre Leidenschaft für Fotografie und Reisen führte Spender zu einem Mas-terstudiengang in Dokumen-tarfilmregie an der National Film and Television School in England; seither reist sie als

Regisseurin und Kamerafrau durch die Welt. Abgesehen von Without Gorky drehte sie The Importance of Being Elegant und Dolce Vita Africana.

Gustavo Rosa de Moura, 1975 in São Paulo geboren, absolvierte ein Architektur-studium an der Universität von São Paulo. Seit 2003 dreht er freiberuflich Videos für Museen und Experimentalfilme. Cildo, sein erster abendfül-lender Dokumentarfilm, lief 2010 in den brasilianischen Kinos. Zur Zeit arbeitet er an der Postproduktion für seinen neuen Dokumentarfilm Josephine King – Selfish Bitch Female Artist und bereitet seinen ersten Spielfilm Coming Home vor.

Arthur Omar ist einer der vielseitigsten Künstler und Experimentalfilmemacher Brasiliens, der seit den 1970er Jahren in seinen Dokumentar-filmen, Fotografien, Texten und Videoinstallationen neue Methoden der Visuellen Anthro-pologie entwickelt. Sein Film Triste Trópico (1974) gilt als Klassiker des brasilianischen Kinos. An der Biennale in São Paulo nahm Omar zweimal teil und das MoMA widmete ihm 1999 eine umfassende Retrospektive seiner Filme und Videos. Omar veröffent-lichte mehrere Bücher über Fotografie und Theorie, u. a. Antropologia da Face gloriosa (1997), O Esplendor dos Con-trários (2002) und Viagem ao Afeganistão (2010, mit einem Vorwort von Antonio Negri).

Sérgio­Machado (* 1968) ist ein brasilianischer Regisseur und Drehbuchautor. 2005 wurde sein Film Cidade Baixa (Lower City) auf dem Filmfes-tival Cannes in der Sektion Un Certain Regard gezeigt. Weitere Filme von ihm sind: 3 Histórias da Bahia (2001), Madam Satã (2002) und A Morte e a Morte de Quincas Berro Dágua (2009). Darüber hinaus schrieb er das Dreh-buch zu Behind the Sun von Walter Salles.

Christoph­Hübner absol-vierte ein Regie-Studium in München und macht seit 1975 Filme für Kino und Fernsehen. Er ist Mitbegründer des Ruhr-filmzentrums, gründete eine eigene Filmproduktion und beteiligt sich am Europäischen Dokumentarfilminstitut. Hübner arbeitet überwiegend an langen Dokumentarfilmen, die oft in Zyklen laufen. Von 1994 bis 2000 entwickelte er das Projekt Dokumentarisch arbeiten, in dessen 13 Folgen er sich u. a. mit Regisseuren wie Johan van der Keuken, Volker Koepp und Klaus Wildenhahn über das Spezifische des Dokumentarischen unterhält. Gabriele­Voss promovierte über Wahrnehmungstheorie und Ästhetik und setzt seit 1975 ihren Schwerpunkt in der Filmarbeit für Kino und Fern- sehen auf Montage, Drama-turgie und Buch. Neben der Beteiligung an mehr als 30 Filmen von Hübner über-nahm sie zahlreiche Dozenturen und Lehraufträge. Zu ihren ver-schiedenen Veröffentlichungen

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zählen Buch und Film Schnitte in Raum und Zeit (2006). Hübner und Voss wurden mit zahlreichen Auszeichnungen geehrt, u. a. Adolf Grimme Preis, Kunstpreis der Stadt Witten, Verdienstorden des Landes NRW.

Bryan­Mason übernimmt bei seinen Filmen oft auch die Kamera und Montage. Sein dokumentarischer Spielfilm Shut Up Little Man!, den er mit der australischen Filmemache-rin Sophie­Hyde realisierte, feierte 2011 beim Sundance Festival seine Premiere. In en-ger Zusammenarbeit mit sei-ner Partnerin und Mitbegrün-derin der Closer Production hat Mason mehrere Kurzfilme gedreht: Ok, Let’s Talk About Me (2005), My Last Ten Hours With You (2007), Elephantiasis (2010) und Necessary Games (Best Experimental Film beim Melbourne International Film Festival 2009). Außerdem hat er den Spielfilm My Tehran for Sale geschnitten. Hydes Arbeiten wurden u. a. beim Sundance Festival und im MoMA gezeigt. Abgesehen von den genannten Projekten mit Mason führte sie Regie bei den Dokumentarfilmen Bittersweet Freedom, Beyond Beliefs und Risking It All: Initial.

Grant Gee ist seit 1990 im Filmbereich tätig und lebt in Brighton. Bekannt wurde er durch seine Musikdokumen-tarfilme, für die er zweimal für den Grammy nominiert war: für Meeting People Is Easy (über Radiohead, 2000) und

Demon Days (über Gorillaz, 2006). Für seinen Spielfilm Joy Division (2007) wurde er u. a. mit dem Grierson Award ausgezeichnet. Er filmte und führte außerdem Regie bei mehreren kurzen Kunstfilmen, darunter City Symphony, 400 Anarchists, Mr. Fred Zentner’s und The Western Lands, letzterer über den Berg-steiger und Schriftsteller Jim Perrin und seinen Aufstieg auf den Old Man of Hoy. Für den dokumentarischen Spielfilm Scott Walker: 30 Century Man filmte und montierte Gee auch Grafikanimationen.

Sherman de Jesus wurde 1947 auf Curaçao, Niederlän-dische Antillen, geboren. Seit 1970 lebt er in den Nieder-landen, wo er zunächst Jura und später am Film Depart-ment des Radio Nederland World Service Film studierte. Er war u. a. als Direktor des National Film Festival in den Niederlanden tätig und setzte in den 1980er Jahren den ersten Dutch Film Market in Gang. Seit 1988 arbeitet er als Filmemacher, Autor und Produzent für das niederländi-sche Fernsehen und gründete 1992 zusammen mit Cécile van Eijk die Produktionsfirma Memphis Film & Television.

Der brasilianische Filmema-cher Mário Peixoto (* 1908) studierte im Hopedene Col-lege, in Willington (Sussex). 1928 war er einer der Mit- begründer des Chaplin Clubs in Brasilien, in dem die Ästhe-tik des Kinos debattiert wurde.

Bei seinem Englandbesuch im Jahr 1929 ließ er sich von der Fotografie und Filmkunst inspirieren und schrieb das Drehbuch zu Limite. Am 17. Mai 1931 feierte Limite Premiere im Cinema Capitólio in Rio de Janeiro, stellte sich jedoch später als ein finanzi-eller Misserfolg heraus. Onde a terra acaba, sein zweites Filmprojekt mit Carmen San-tos, scheiterte trotz mehrerer Anläufe, wodurch Limite Peixotos einziges vollendetes Filmprojekt blieb. 1988 ehrte die Cinemateca Brasileira Limite mit der Auszeichnung zum Besten Brasilianischen Film. Im gleichen Jahr erhielt Peixoto finanzielle Förderung vom Staat zur Vollendung sei-ner Werke, wobei ihm Walter Salles ab 1991 unterstützte, weil Peixoto krank wurde und mit einer finanziellen Notlage zu kämpfen hatte. Peixoto starb am 2. Februar 1992 in Rio de Janeiro; daraufhin gründete Salles das Mário Peixoto Archiv.

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Biographies­

Mary Lance is an award-winning, independent film-maker with over thirty years’ experience in documentary production, and whose work is supported by institutions such as the National Endowment for the Arts. Her biographical film, Diego Rivera: I paint what I see was awarded with A Gold Plaque at the Chicago Interna-tional Film Festival and earned numerous other awards. Her current project is Blue Alchemy: Stories of Indigo, a documen-tary on the history, culture, and present uses of the blue dye.

Mark­Lewis­lives and works in London, England, where he is Professor of Fine Art at Central Saint Martins College of Art and Design and the co-director of Afterall Journal and Afterall Books. His films have been exhibited at museums and galleries worldwide and in 2009 he represented Canada at the Venice Biennial. His works are in the collection of numerous museums including MOMA (New York), Pompidou (Paris) and The National Gal-lery of Canada. He is currently working on a feature film about the beginning of cinema and in 2014 he will have a solo exhibition and project at the Louvre in Paris.

Cao­Guimarães, filmmaker and visual artist, was born in 1965 in Belo Horizonte, Brazil, where he lives and works. His

work has been exhibited at various museums and galleries such as Tate Modern, Gug-genheim Museum, MOMA, Gasworks, Frankfurter Kun-stverein, Studio Guenzano, Galeria La Caja Negra and Galeria Nara Roesler. He participated at the XXV and XXVII São Paulo International Art Biennials and his films have been screened at many film festivals, such as Locarno, Venice, Sundance, Cannes and Rotterdam.

Patrick Cazals studied film and philosophy in Paris and has directed nearly 50 docu-mentaries since 1976. In 1987, he created the production company Les Films du Horla, and dedicated himself to documentaries and portraits of artists. Among them: Sergueï Paradjanov (1988), Doisneau in Towns, Doisneau in Fields (1993), Bohumil Hrabal (1995), Amrita Sher-Gil, An Indian Rhapsody (2002), Sartre and de Beauvoir Tribulations to Caucasus (2003), Arthur Rim-baud, Cyprus poste restante (2006), Rouben Mamoulian, The Golden Age of Broadway and Hollywood (2007). He is currently shooting a film about the actor Musidora.

Dutch director Aliona van der Horst was born in Moscow, Russia, in 1970 and studied Russian literature at the University of Amsterdam and film at the Dutch Film and Television Academy. Most of her documentaries deal with art. Van der Horst’s films have

received numerous interna-tional awards, among them the Special Jury Prize at the Tribeca Film Festival in New York for Voices of Bam (2006), the Grand Prix of the FIFA Montreal, the Dutch Academy Award for The Hermitage Dwellers (opening film at DOKU.ARTS 2006) and Best Documentary Award at the Edinburgh Film Festival (Boris Ryzhy, presented at In Progress, DOKU.ARTS 2008).

Trine Dam Ottosen graduated in 2009 in Film and Cinema-tography from Edinburgh College of Art. Writing plays a main role in her work: she composes poetry, essays and her own screenplays. At the moment she is working on visualising her poetry. Escape to Hollywood is her first long documentary.

For nearly thirty years, An­thony Wall has been directing and producing films for the acclaimed BBC Arts strand Arena, which is dedicated to the arts and counted Stanley Kubrick among its fans. In 1985, he took over the editorial management. BBC Arena films have won numerous awards in-cluding nine British Academy Awards, four RTS Awards, the Prix Italia, an International Emmy, a Grammy and the Special Medallion at Telluride. In 2005, Anthony Wall co-produced the multi-award winning Bob Dylan: No Direc-tion Home, directed by Martin Scorsese. In recent years, he has produced films about Bob

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Marley (DOKU.ARTS 2008) and with Phil Spector.

Johann Carlsson was born in Umeå, Sweden and has worked as Production Manager, As-sistant Director and Director for the last 15 years. He has worked with corporate and commercial films and has directed his own short films. He worked as Production Manager on the film You, the Living by Roy Andersson. Pehr Arte was born 1962 in Ängelholm, Sweden. Since 1984 he has directed and pro-duced commercials, corporate films, short films, music videos and documentaries with his production company, Seven Frames. Tomorrow is Another Day is Johann Carlsson’s and Pehr Arte’s first long docu-mentary, which DOKU.ARTS has presented in different temporary rough cuts at IN PROGRESS in 2008.

Adam­Low­lives in London, where he began his career as a documentary filmmaker with the BBC. He has directed doc-umentaries for the BBC series' Writers and Places, Omnibus, Global Report and Arena, as well as portraits of major art-ists such as Akira Kurosawa, Luchino Visconti, V.S. Naipaul and Francis Bacon. From 1991 to 1997 he lived and worked as an independent producer and director in Cape Town. His work has received numerous awards, including the Prix Italia 2004 and the Grierson Award for his film about T.S. Eliot (2010).

Yao­Hung­I­has worked at 3H Productions since 1994, and has participated in many films by Hou Hsiao Hsien. He has worked as a director or cinema photographer on many short films and commercial films. His first feature film, Reflec-tions (2005), was invited to nu-merous film festivals and won several prizes, including at the Buenos Aires International Film Festival. Hometown Boy is his first long documentary, which was awarded the Golden Horse Award (most important Taiwanese film prize).

Thomas Riedelsheimer (*1963) studied at the Academy for Film and Television in Munich and has since been working as freelance author, director, cinematographer and editor. He has won several national and international awards for his directing and cinematography, and is a three-time winner of the Ger-man film prize Lola. His most celebrated film Rivers and Tides (2000) about the artist Andy Goldsworthy brought in $2.5M in USA, was shown worldwide and is a DVD top seller. Further portraits of artists include Touch the Sound (2004). A member of the Deutsche and the Europäische Filmakademie, he has lectured at the Filmakademie Ludwigs-burg since October 2007.

Reinhard Wulf (*1947) has worked as a film journalist, publishing book and magazine articles on Douglas Sirk, Billy Wilder and Curtis Ber-

nhardt. Since 1984, he is the commissioning TV editor at Westdeutschen Rundfunk and is mainly responsible for docu-mentaries on the arts and on film, presented in series such as Kinomagazin and Doku-mentarisch arbeiten. As author and director he has realized numerous documentaries on artists and filmmakers, among them Claude Sautet, Carl Theodor Dreyer, William Ken-tridge and Gary Hill. His first feature-length documentary James Benning – Circling the Image (2003) was screened at film festivals such as the Vien-nale, Rotterdam, and Berlin (DOKU.ARTS 2006). Before Reinhard Wulf ends his work at the WDR in 2012, he will present his new film at DOKU.ARTS.

Born in India in 1977, Amit Dutta attended a course at the Film and Television Institute of India and is now regarded as one of the most successful experimental filmmakers in his country. He won the FIPRESCI Award in 2007 for his short film Kramasha at the Oberhausen short film festival. His first feature film The Man's Woman and Other Stories won the Jury's Special Men-tion Prize at the Venice Film Festival in 2009. With art col-lector Dr.­Eberhard­Fischer­he developed the documentary Nainsukh. From 1973 to 1998, Fischer was the director of the Rietberg Museum in Zurich, which is the sole art museum for non-European cultures in Switzerland.

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Nelson­Pereira­dos­Santos­is considered to be one of Brazil’s most important cinema direc-tors. He was one of the precur-sors of Cinema Novo. His film Barren Lives is possibly the most highly awarded Brazil-ian film of all time. In 1955, at the age of 27, he made his first feature length film Rio 40 Degrees. In 1985, Pereira dos Santos directed a four-hour long documentary about Tom Jobim for Brazilian television. Throughout his career, he has made over 20 films, including Gold Mouth, The Amulet of Ogum, Hunger for Love, How Tasty was My Frenchman, Jubiabá, Tent of Miracles and Memoirs of Prison.

Cosima­Spender­was born and grew up in Italy in an English artists’ family. She moved to England at fourteen. With her university degree in anthropology and art history at the School of Oriental and African Studies and UCL (Uni-versity of London) she cultivat-ed an interest in local identity and ethnic traditions, whether in Africa, Asia or Europe. Still photography and travelling sparked off a passion that led to the post-graduate documen-tary directing course at the National Film and Television School in England. After film school she travelled around the world as a photographer/direc-tor. Besides Without Gorky she has filmed The Importance of Being Elegant and Dolce Vita Africana.

Gustavo Rosa de Moura was born in 1975 in São Paulo. He graduated in Architecture at the University of São Paulo in 1999. Since 2003 Rosa de Moura has worked as a free-lancer filmmaker for museums and on experimental films. Cildo, his first feature-length documentary, was screened in Brazilian cinemas in 2010. Currently he is working on the postproduction of his new documentary Josephine King – Selfish bitch female artist and is preparing his new feature film Coming Home.

Arthur Omar is one of the most eclectic artists and experimental filmmakers in Brazil. Since the 1970s he has developed new methods of visual anthropology in his documentaries, photography, texts and video installations. The New York Museum of Modern Art held a retrospec-tive dedicated to his films and videos in 1999. Arthur Omar participated twice at the Bien-nale in São Paulo. His film Triste Trópico (1974) is consid-ered to be one of the classics of Brazilian cinema. Omar has published several books about photography and theory, among them Antropologia da Face gloriosa (1997), O Esplen-dor dos Contrários (2002) and Viagem ao Afeganistão (2010, with a foreword by Antonio Negri).

Sérgio­Machado­(*1968) is a Brazilian film director and screenwriter. At the 2005 Cannes Film Festival his film

Cidade Baixa (Lower City) was screened in the section Un Certain Regard. He is also known for the films: 3 Histórias da Bahia (2001), Madam Satã (2002) and A Morte e a Morte de Quincas Berro Dágua (2009). He wrote the script for Behind the Sun by Walter Salles.

Christoph­Hübner­was born in 1948 in Heidelberg, stud-ied directing at the HFF in Munich and has been making cinema and TV films since 1975. He was a co-founder of the Ruhrfilmzentrum in 1978, established his own film production company and is engaged in the Europäischen Dokumentarfilminstitut (EDI). Hübner worked pre-dominantly on feature-length documentaries that were often part of a cycle. From 1994 to 2000 Hübner developed the project Dokumentarisch arbeiten. In thirteen episodes he held discussions on the specifics of documentary with directors such as Johan van der Keuken, Volker Koepp and Klaus Wildenhahn. Since 1975 Gabriele­Voss­has focussed on montage, dramaturgy and scripting in her film work for cinema and TV. Voss did her doctorate on perception theory and aesthetics. Apart from her participation in over thirty films by Christoph Hübner, she has held numerous lecture- ships and teaching assignments. Among her diverse publications is the book and film Schnitte in Raum und Zeit from 2006. Christoph Hübner and

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Gabriele Voss have been awarded numerous prizes such as the Adolf Grimme Preis, and the Verdienstorden des Landes NRW.

In his films Bryan­Mason­often handles camera and editing himself. His feature documentary Shut Up Little Man! developed with Sophie­Hyde was premiered at the Sundance Festival in 2011. Working closely with Hyde as co-founder and partner of Closer Productions, Bryan Mason has created a number of short films including Ok, Let’s Talk About Me (2005), My Last Ten Hours With You (2007), Elephantiasis (2010) and Necessary Games (Best Ex-perimental Film at Melbourne International Film Festival in 2009). He also edited the feature film My Tehran for Sale. The Australian filmmaker Sophie­Hyde­works as a direc-tor and producer. Her work has been shown at Sundance and Museum of Modern Art NY and The National Portrait Gallery, Australia. Apart from her work with Bryan Mason, her documentaries include Bittersweet Freedom (Direc-tor), Beyond Beliefs (Writer/Director/Producer), Risking It All: Initial D (Director).

Grant Gee was born in 1964 in Plymouth and studied geography at the Universities of Oxford and Illinois. Gee has worked in film since 1990 and lives in Brighton. Well-known for his music documentaries, he has been

Grammy-nominated twice, for Meeting People Is Easy, about Radiohead, in 2000 and Demon Days, about Gorillaz, in 2006. For his recent feature length work Joy Division (2007) he received many honours including the Grierson Award. He has filmed and directed several short films including City Symphony, 400 Anarchists, (Mr.) Fred Zentner's Cinema Bookshop Was Here and the Western Lands, about the climber and writer Jim Perrin and his “Old Man of Hoy” climb. Grant Gee filmed and edited the critically acclaimed documentary feature film Scott Walker: 30 Century Man.

Sherman De Jesus was born in 1947 in Curaçao, in the Netherlands Antilles. He has lived in the Netherlands since 1970, where he first studied law and later at the Film Depart-ment of the Radio Nederland World Service. He was the director of the National Film Festival in the Netherlands and launched the first Dutch Film Market in the 1980s. Since 1988 he has worked as a filmmaker, author and producer for Dutch television and in 1992 he joined forces with producer Cécile van Eijk to set up Memphis Film & Television.

The Brazilian filmmaker Mário Peixoto (*1908) attended Hopedene College, in Wil-lington (Sussex). In 1928 he was co-founder of the Chaplin Club, a loose circle of friends debating the aesthetics of

cinema. During a visit to Eng-land in 1929, he was inspired by the art of photography and film and wrote the script for Limite. On May 17th, 1931, Limite had its première at the Cinema Capitólio in Rio de Janeiro but it did not make it into commercial distribution. His second film project with Carmen Santos Onde A Terra Acaba (Where the World Ends) failed despite several serious attempts, leaving Limite to be the only film ever completed by Peixoto. In 1988, the Cinemateca Brasileira named Limite the best Brazilian film of all time. Shortly afterwards, Mário Peixoto received financial support from the Fundação Vite to complete his remaining works. In 1991, in an extremely weak financial situation, he fell ill and was generously assisted by Walter Salles. Mário Peixoto died on February 2, 1992 in Rio de Janeiro. In 1996, Walter Salles founded the Mário Peixoto Archives.

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Gründer und Künstlerischer Leiter: Andreas LewinAssistenz: Leyla HoppeProgrammberatung: José Carlos AvellarProgrammkoordination, Sponsoring: Theresa BrehmPresse und Öffentlichkeitsarbeit: Anja ZenkDesign und Gestaltung: Dorothee Kaser, Nina Odzinieks, Neue GestaltungProgrammierung Webseite: Robert WeberLektorat Deutsch: Julia WarmersLektorat Englisch: Rodney LaTourelleÜbersetzungen: Timo Berger, Claudia Kotte, Niki Graça, Sheilah Cardno, Steven LindbergTechnischer Support: Media Total, Howard HarringtonDruck: BUD Brandenburgische Universitäts-druckerei und Verlagsgesellschaft Potsdam mbH

Dank an alle Kooperationspartner, Partner und Sponsoren:Carmen Hackmann (Regent Berlin), Ralf Chudoba, Marcus Cermann und Christine Hüttemann (Subtext Berlin), Steffen Brahner (Weingut Dr. Bürklin-Wolf), Anthony Wall (BBC), Reinhard Wulf (WDR), Goethe-Institut Brasilien, Alfons Hug (Goethe-Institut Rio de Janeiro), Martin Scorsese und Doug Laible (World Cine-ma Foundation, New York), Andrea Mineghelli (Cineteca di Bologna), Carl Hanser Verlag, Catherine Kenler (ARTE France) und Susanne Pfeffer (Kunst-Werke Berlin).

Besonderer Dank an:José Carlos Avellar, Laura Erber, Mark Le Fanu, Jörg Frieß, Regine Herrmann, Laura Liuzzi, Hans Helmut Prinzler, Claude Savin und Julia Warmers.

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