Émile Jaques-Dalcroze 150 Bonne anniversaire!...Émile Jaques-Dalcroze 150 – Bonne anniversaire!Internationales Rhythmikfestival 17. – 21. März 2015 Ein Geburtstagsfest der besonderen

Émile Jaques-Dalcroze 150 – Bonne anniversaire!

Internationales Rhythmikfestival

17. – 21. März 2015

Ein Geburtstagsfest der besonderen Art

richten die Veranstalter des Internationalen

Rhythmikfestivals zum 150. Geburtstag von

Émile Jaques-Dalcroze aus. Die Akademie

Remscheid und der Arbeitskreis Musik und

Bewegung / Rhythmik laden zu einem um-

fangreichen Workshop- und Vortragspro-

gramm mit internationalen Gästen ein.

Unterschiedlichste Veranstaltungsformate

werden der Bandbreite der Rhythmik ge-

recht: die Schwerpunkte Dalcroze-Methode,

Rhythmik mit einem speziellen Profil und

Rhythmik interdisziplinär ermöglichen den

Festivalbesuchern eine umfassende Einsicht

in das Fach, seine Methoden und Per-

spektiven.

An zwei Abenden werden im Rahmen eines

Internationalen Festivalwettbewerbs zur

Prämierung ausgewählte Bühnenstücke in

Musik und Bewegung gezeigt und die

Gewinner bestimmt. Expertengespräche

und offene Diskussionsrunden zu aktuellen

Themen, Improvisations-Jams und Kick-off-

Lektionen runden das Programm ab, das aus

verschiedenen Blickwinkeln die künstle-

risch-ästhetische Beziehung von Musik und

Bewegung thematisiert: Bewegung als

Schlüssel zur Musik und Musik als Trieb-

feder für Bewegung.

International Eurhythmics Festival

17 – 21 March 2015

A very special kind of birthday party will take

place at the International Eurythmics

Festival to celebrate the 150th

birthday of

Émile Jaques-Dalcroze. The Academy

Remscheid and the German Association of

Music and Movement / Eurhythmics (AMBR)

invite you to take part in an extensive

workshop and conference program with

international guests. A wide variety of event

formats will present the broad spectrum of

eurhythmics: the main focus being on, the

Dalcroze method, eurhythmics with a

specific profile and interdisciplinary

eurhythmics - and will give festival-goers a

comprehensive insight into the field of

eurhythmics, its methods and its

perspectives.

On two evenings, performances of pieces

selected from the competition for music and

movement composition and choreography

will be presented and the winners will be

chosen. Interviews with experts and open

discussions on current topics, impro-

visational jam sessions and kick-off lessons

complete the programme, showing different

viewpoints on the artistic-aesthetic relation-

ship between music and movement: move-

ment as a key to music and music as an

incentive for movement.

1

Dienstag, 17. März 2015

Interaktiver Zeitplan:

Wenn Sie auf einen Workshop klicken, werden

Sie zur Workshop-Beschreibung und zur Vita

der Dozentin und des Dozenten verlinkt.

Den Zurück-Link finden Sie am Fuß jeder Seite.

14:30

Eröffnung

des Internationalen Rhythmikfestivals

Grußwort

Prof. Dr. Susanne Keuchel,

Direktorin der Akademie Remscheid

Rhythmik im Kontext von Kunst und

Pädagogik – Zu den Hintergründen des

Internationalen Rhythmikfestivals

Barbara Schultze, Remscheid

Herbert Fiedler, Remscheid

15:00 – 17:00

Impressionen zum 150. Geburtstag von

Émile Jaques-Dalcroze (1865 – 1950)

Karin Greenhead, London

Reinhard Ring, Hannover

Dorothea Weise, Berlin

17:30

Vorstellung der Referentinnen und

Referenten

Workshop Einschreibung

20:15

Wettbewerbs-Endrunde

Kategorie Erwachsene

Offenes Jurygespräch über die

Wettbewerbskriterien

Jury:

Susanne Jåresand, Stockholm

Dierk Zaiser, Trossingen

Tamara McCall, Osnabrück

Angie Hiesl, Köln

Henrietta Horn, Essen

Juryvorsitz:

Kurt Dreyer, Luzern

Preisverleihung

Jurypreis & Publikumspreis

2 Link zurück zum Zeitplanbeginn

Mittwoch, 18. März 2015

09:15 – 10:45

Rhythmik mit einem speziellen Profil, A

(Wiederholung am Donnerstag, 14:30 Uhr)

body – rhythm – sound

Anita Gritsch, Wien

Demaskiert – ein Plädoyer für das bewegte

Gesicht

Kurt Dreyer, Luzern

Der spektrale Körper

Agnieszka Kus, Köln

Eurhythmics and Artistic Projects

Elena Romanowa, Moskau

Listening and Interplay

Martina Jordan, Stockholm

11:00 – 12:30

Rhythmik mit einem speziellen Profil, B

(Wiederholung am Donnerstag, 16:30 Uhr)

dance/music


The Humour of Voice and the Sound of

Movement

Hilde Kappes, Berlin

Use of props in the choreography of music

Barbara Dutkiewicz, Katowice

Rhythmik - ein gestalterisches Verfahren

in Pädagogik und Heilpädagogik

Edith Stocker, Zürich

South African Gumboot Dancing

Eva Wedin, Stockholm

14:30 – 16:00

150 Jahre - Émile Jacques-Dalcroze

(im großen Saal)

Karin Greenhead, London

16:30 – 17:30

La Méthode Jaques-Dalcroze

(Wiederholung am Freitag, 14:30 Uhr)

Émile Jaques-Dalcroze as a composer and

artist during his time

Aleksandra Bilińska, Katowice

Solfège – ear training

Ava Loiacono, Bregenzona

Modern Music in Dalcroze`s Concept of

Plastique Animée

Anetta Pasternak, Katowice

A mazurka for a ball

Michèle de Bouyalski, Brüssel

Plastique Animée


20:15

The Humour of Voice…

Solo Performance, Hilde Kappes, Berlin

„Musik und Bewegung in künstlerischer

Produktion“ (Expertenrunde 1)

mit: Susanne Jåresand, Stockholm


Kurt Dreyer, Luzern

Henrietta Horn, Essen

Angie Hiesl, Köln

Moderation: Elisabeth Gutjahr, Trossingen

anschließend Jam-Session


Donnerstag, 19. März 2015

09:15 – 12:15

Rhythmik interdisziplinär

(Außer Zaiser/Pfeffel werden die Workshops am Freitag

um 9:15 wiederholt)

Hellerau meets New Orleans

Marianne Steffen-Wittek, Weimar

& Fritz Wittek, Köln

Performance im öffentlichen Raum


& Simon Pfeffel, Karlsruhe

Deep Tone Diving

Verena Zeiner, Wien

& Elisabeth Orlowsky, Wien

Rhythmik und Konzertpädagogik

Stefanie Riemenschneider, Düsseldorf

& Ariane Stern, Düsseldorf

14:30 – 16:00

Rhythmik mit einem speziellen Profil, A

(Wiederholung vom Mittwoch, 9:15 Uhr)

body – rhythm – sound

Anita Gritsch, Wien

Demaskiert – ein Plädoyer für das bewegte

Gesicht

Kurt Dreyer, Luzern

Der spektrale Körper

Agnieszka Kus, Köln

Eurhythmics and Artistic Projects

Elena Romanowa, Moskau

Listening and Interplay

Martina Jordan, Stockholm

16:30 – 18:00

Rhythmik mit einem speziellen Profil, B


dance/music



Movement


Use of props in the choreography of music


Rhythmik - ein gestalterisches Verfahren

in Pädagogik und Heilpädagogik

Edith Stocker, Zürich

South African Gumboot Dancing

Eva Wedin, Stockholm

20:15

Wettbewerbs-Endrunde

Kategorie Kinder und Jugendliche

Offenes Jurygespräch über die

Wettbewerbskriterien

Jury:

Irmgard Bankl, Wien

Stephanie Riemenschneider, Düsseldorf


Thomas Rascher, Essen

N.N.

Juryvorsitz:


Preisverleihung

Jurypreis & Publikumspreis


Freitag, 20. März 2015

09:15 – 12:15

Rhythmik interdisziplinär



& Fritz Wittek, Köln

eigenart

Tamara McCall, Osnabrück

& Dörte Steindorff-Schulte, Osnabrück

(Dieser Workshop ist keine Wiederholung vom Donnerstag!)

Deep Tone Diving

Verena Zeiner, Wien

& Elisabeth Orlowsky, Wien


Stefanie Riemenschneider, Düsseldorf

& Ariane Stern, Düsseldorf

14:30 – 15:30

La Méthode Jaques-Dalcroze


Émile Jaques-Dalcroze as a composer and

artist during his time

Aleksandra Bilińska, Katowice

Solfège – ear training

Ava Loiacono, Bregenzona

Modern Music in Dalcroze`s Concept of

Plastique Animée


A mazurka for a ball

Michèle de Bouyalski, Brüssel

16:00 – 17:30

Vortrag:

Ritmica Viena in Buenos Aires

Alexander Riedmüller, Buenos Aires

& Anita Gritsch, Wien

20:15

"Rhythmik – Intermediale Ästhetik in

Bildungsprozessen" (Expertenrunde 2)


Verena Zeiner, Wien

Andrea Kumpe, Luzern

N.N.

Moderation:


anschließend Jam-Session

Samstag, 21. März 2015

09:30 – 11:00

Open Space:

Rhythmik – weiter, weiter!

11:30 – 12:15

Abschluss: Präsentation von

Videoaufnahmen aus dem Festival

Dozentinnen und Dozenten mit ihren Beiträgen auf dem Internationalen Rhythmikfestival


Aleksandra Bilińska

Émile Jaques-Dalcroze als Komponist und

Künstler seiner Zeit*

Seit vielen Jahren ist Dalcroze hauptsächlich als

Lehrer und Schöpfer einer fantastischen

Methode der Musikerziehung bekannt.

Dalcroze ist jedoch auch als Komponist und

Theoretiker sehr interessant. Der Fokus meiner

Recherche richtet sich auf die Kompositionen

von Dalcroze, in der Tonalität und Harmonie

dem 19. Jahrhundert verhaftet aber mit ganz

neuer rhythmischer Struktur und emotionalen

Einflüssen (zwischen Ausdruck und Eindruck).

Was die Musikanalyse angeht, suchte er nach

neuen und anderen Methoden, um Neue Musik

bzw. die Musik seiner Zeit besser zu verstehen.

In meinem Workshop und Vortrag möchte ich

die Verbindungen zwischen Dalcroze

Kompositionen und denen anderer

Komponisten seiner Zeit und ein wenig später,

aufzeigen. Ich möchte auch beleuchten wie die

Dalcroze-Methode neben anderen Methoden in

der Musikanalyse seiner Zeit und später

genutzt wurde.

* Dieser Workshop wird in Englisch stattfinden.

Aleksandra Bilińska ist Komponistin, Dozentin,

Musikethnologin, Improvisatorin

Sie studierte Komposition, Dirigieren und

Musiktheorie an der Musikakademie Katowice

und dem Institut für Musikwissenschaft an der

Universität Warschau mit der Spezialisierung in

Musikethnologie.

Sie unterrichtete in den Abteilungen für

Komposition, Interpretation, Musikpädagogik

und Jazz an der Karol Szymanowski

Musikakademie in Katowice und an der

Frédéric-Chopin-Musikhochschule in Warschau.

Als Theoretikerin hat sie an vielen internatio-

nalen und nationalen Konferenzen teilge-

nommen und gab eine Vielzahl an Workshops

in Klavierimprovisation (ISME Brasil; Emil

Jaques-Dalcroze Institut in: Hellerau, Brüssel,

Belgien, Taiwan, der Pädagogischen Universität

in Sumy, Ukraine und den Musikhochschulen in

Polen).

Aleksandra Bilińska ist auch Komponistin. Sie

hat elektronische Musik für viele Choreografen

und Tanztheater in Polen komponiert. Ihre

Kompositionen wurden in Polen, der Ukraine,

Puerto Rico, Deutschland, Tschechien, Taiwan

aufgeführt. Ihre Recherche und ihr

Betätigungsfeld umfasst die Kompositions-

techniken der Musik des 20. Jahrhunderts,

elektroakustische Musik und vor allem: die

künstlerische Arbeit mit Choreografen.



Michèle de Bouyalski

Eine Mazurka für einen Ball…*

…oder wie verschiedene Aktionen eines Balles

in funktionale Körperbewegungen umzusetzen

sind und wie man sie, ästhetisch und

ausdrucksstark einer musikalischen Linie

folgend, gestalten kann.


Michèle de Bouyalski, Brüssel, studierte Ballett

am Conservatoire de danse de Bruxelles.

Danach erhielt sie eine Ausbildung in Tanz

(klassisch, Modern und Charakter),

Inszenierung, Musiktheorie, Gesang und

Rhythmus (mit Fernand Schirren) an der Mudra

Béjart Schule Brüssel.

Ihre Kenntnisse in diesen Disziplinen und ihr

Interesse an Rhythmus führte sie zum Institut

Jaques-Dalcroze in Brüssel, wo sie Rhythmik bei

Sergine Eckstein (Schüler von Jaques-Dalcroze )

und Monique Petit studierte. Dort erhielt sie

Unterricht in Körperausdruck und entwickelte

parallel ihre Bewegungstechnik bei Rosalia

Chladek weiter.

Seit 1980 unterrichtet sie Rhythmische

Choreographie am Institut Dalcroze de

Bruxelles mit Kindern (ab 3 Jahre),

Jugendlichen, Erwachsenen und Künstlern

sowie zukünftigen Lehrern. Im Jahr 1998

gewannen ihre Schüler den ersten Preis und

den Publikumspreis beim Zweiten europäischen

Rhythmik Wettbewerb in Trossingen. Seit 2005

ist sie Redakteurin von „ Le Rythme“ im

Leitungsgremium von FIER, dem

internationalen Zusammenschluss von

Rhythmik-Lehrenden.



Kurt Dreyer

Demaskiert

– ein Plädoyer für das bewegte Gesicht

In diesem Vortrag geht es um das Gesicht wie

wir es unseren Mitmenschen zeigen, sei es in

verschiedenen sozialen Situationen, bei

musikalischen Interpretationen und spezifisch

auch im Tanz. In verschiedenen Kulturkreisen,

in zahlreichen Theaterformen und explizit in

manchen Tanztechniken werden bestimmte

Gesichtsausdrücke gefordert die nicht

unbedingt mit der Empfindung der Interpreten

übereinstimmen. Viele zeitgenössische

Tanzstücke brechen mit formalisiertem

Bewegungsvokabular – ein Bruch mit dem

formalisierten Gesicht ist die nötige Ergänzung.

Kurt Dreyer, Luzern, Ausbildung in klassischen

und zeitgenössischen Tanztechniken, T'ai Chi,

Alexandertechnik und Choreografie.

Zahlreiche Tanzstücke, Regien und

Performances, oft in Zusammenarbeit mit

Musikern und bildenden Künstlern.

Seit 1974 als Tanzpädagoge tätig und an

verschiedenen Musikhochschulen in

Berufsausbildungen engagiert: Rhythmik-

Ausbildungen/Musik und Bewegung;

Opernstudio/Stagelab; Instrumental- und

Vokalausbildung an den Hochschulen Bern

Luzern und Basel. Künstlerischer Tanz an der

Universität Bern. Leitung von

Studierendenaufführungen, von Stücken für

Kinder sowie Betreuung von Opern mit

Kindern. Gastkurse und Expertentätigkeit in

Europa, Hongkong und Taiwan. Bis 2012 Leiter

des Studienbereichs Musik und

Bewegung/Rhythmik Biel der Hochschule der

Künste Bern (HKB).

Unterricht: Rhythmische Körperarbeit,

Bühnenorientierte Bewegung für Sänger und

Musiker, Placement, Tanz- und

Bewegungstechnik, Improvisation,

Tanzkomposition, Szenische Beratung.



Barbara Dutkiewicz

Plastique Animée*

Der Workshop umfasst Übungen auf dem Gebiet der

Ästhetik und Bewegungstechnik in Übereinstimmung mit

dem Ausdruck der Musik in Bewegung. Dieser Bereich

definiert die Fragen die spezifisch sind für die

künstlerische Ausdrucksform in der Rhythmik. Hierbei

liegt das Hauptaugenmerk auf das Zusammenspiel der

emotionalen und formalen Inhalte im musikalischen

Ausdruck bei den Bewegungsformen, der

Raumkomposition, den ästhetischen Gewohnheiten und

den symbolischen Bedeutungen. Diese Elemente bilden

die Grundlage für die künstlerische Dimension dieser

Methode. Die vorgeschlagenen Übungen fördern die

Wahrnehmung ausgewählter Aspekte des musikalischen

Ausdrucks und der modernen Mittel des künstlerischen

Ausdrucks. Die Übungen erfordern eine aktive und

kreative Beteiligung der Teilnehmer.

Verwendung von Requisiten in der

Choreographie*

Der Einsatz von Requisiten auf der Bühne machen sie zum

Bestandteil des gesamten künstlerischen Ausdrucks.

Durch ihre Nutzung auf der Bühne werden sie Teil der

Entwicklung des Kunstwerks und den damit verbundenen

Bedeutungen. Wenn wir diesem Zusammenwirken

Rechnung tragen wollen, müssen wir die optischen,

ästhetischen, dramatischen und symbolischen

Bedeutungen der Requisiten berücksichtigen.

Deshalb sind Übungen im Workshop vorgesehen, die die

beiden grundlegenden Aspekte für die Nutzung von

Requisiten aufzeigen:

(a) die visuelle Bedeutung von Requisiten als

Unterstützung für die Bewegung und Darstellung,

(b) die dramaturgische Bedeutung von Requisiten als

symbolischer Ausdruck für die Handlung auf der Bühne.

Die Übungen werden ein Bewusstsein schaffen für die

Verwendung von Kompositionselementen wie die

Handlung, die inhaltliche Bedeutung, die Verwendung von

Linie, Farbe und Rhythmus und die Fokussierung auf

bestimmte Funktionen, wofür die Requisiten benutzen

werden können.

Weil es bei der Arbeit mit einem Requisit bezüglich seiner

Struktur, Qualität und seiner physikalischen Eigenschaften

Schwierigkeiten geben kann, werden wir einige Übungen

machen, um herauszufinden, wie diese Eigenschaften

verändert und adaptiert werden können. Ziel ist es,

kreative Bewegungsformen zu entwickeln und die

kinetischen Möglichkeiten zu verbessern.


Barbara Dutkiewicz (PhD DSC) studierte an der

Karol Szymanski Musikakademie in Katowice

(MA in Rhythmik). Sie erweiterte ihre

Ausbildung mit ihrer Doktorarbeit:

"Improvisation als kreative Methode im Theater

der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts". Im

Jahr 2012 veröffentlichte sie ein Buch mit dem

Titel "Polystylistik oder Diskurs mit der

Vergangenheit - Choreografie von Musik im

Licht der Postmoderne auf der Basis von

ausgesuchten musikalischen Werken“.

Ihre künstlerischen Aktivitäten: Choreographie

von Musik, Bewegungsregie für

Theateraufführungen. Dafür nutzt sie Plastique

animée, Rhythmik und Improvisation, höfische

Tänze, Pantomime, neuen Tanz und Techniken

der Körperarbeit.

Sie war Stipendiatin des Ministeriums für Kultur

und Kunst, und sie wurde mit dem ersten Preis

im Ersten Europäischen Rhythmik Wettbewerb

in Trossingen ausgezeichnet.



Karin Greenhead

150 Jahre - Émile Jacques-Dalcroze*

Nach ihrem Abschluss in Klavier, Cembalo und

Begleitung an der Königlichen

Musikhochschule in London, machte Karin eine

Ausbildung als Sängerin und trat in Konzerten

und Opernaufführungen auf. In London bekam

sie eine Dalcroze Lizenz und ist Absolventin

des Instituts Jacques-Dalcroze in Genf. Ihre

Praxis als Rhythmikerin wird unterstützt durch

Ihre Erfahrungen als Darstellerin in vielfältigen

Rollen und durch die vielen Jahren in denen sie

mit TänzerInnen (Royal School of Ballet, ,

Central School of Ballet, English National Ballet

und Northern Ballet Theatre) gearbeitet hat.

Neben ihrem regelmäßigen Unterricht am Royal

Northern College of Music und verschiedenen

anderen Musikhochschulen in Großbritannien

ist Karin für die professionelle Ausbildung und

Prüfung von Dalcroze PraktikerInnen in

Großbritannien verantwortlich.

Außerdem hat sie spezielle Anwendungen der

Dalcroze Arbeit für Proben und Aufführungen

von Konzerten entwickelt (Dynamische

Probentechniken), die sie in Australien, Kanada,

Deutschland, Italien, Süd-Korea, Der Schweiz,

Taiwan und Großbritannien demonstriert hat.

* Dieser Beitrag wird in Englisch stattfinden.

Während sie schon immer die Dalcroze Arbeit

praktiziert hat, hat Karin begonnen über

Dalcroze Rhythmik zu schreiben und

präsentierte ihre Erfahrungen auf zahlreichen

Tagungen, einschließlich ISME (Malaysia,

Bologna und Thessaloniki) und auf der Ersten

Internationalen Konferenz für Dalcroze Studien

in der Universität von Coventry,

Großbritannien. Zur Zeit promoviert sie, wobei

sie ihre eigene methodische Praxis erforscht.

Sie ist Studienleiterin für die Dalcroze

Gesellschaft in Großbritannien; Studienleiterin

des internationalen Prüfungsausschusses für

Dalcroze Rhythmik; Mitglied des Collège des

Intituts Jacques-Dalcroze, Genf.



Anita Gritsch

body - rhythm - sound

Rhythmus, mit dem eigenen Körper hör- und

sichtbar gemacht - das ist Body Music.

Innerhalb dieses Universums ist in diesem

Workshop Thema, wie Rhythmen sich in der

Gruppe improvisiert um die Pulsation weben

lassen, wie im Spiel mit den Möglichkeiten der

Klangerzeugung Zuhören im spontanen

Musizieren gefördert werden kann und wie in

gebundenen Improvisationsaufgaben

Unabhängigkeit, Kooperation und Koordination

mit Beatbezug trainiert werden können. Die

Brücke vom musikalischen zum

Bewegungsaspekt wird über die Beschäftigung

mit Richtung und Impuls geschlagen und

Funktionalität mit Expressivität verbunden.

Inhalte:

Erweitern des Spektrums an Sounds

Pulsation, Reaktion und Unabhängigkeit

Aktives Hören und Improvisation

Verbindung von Bewegung und

Bodypercussion

Mag. Anita Gritsch: Künstlerische und

pädagogische Tätigkeit in den Bereichen Musik,

Bewegung, Rhythmus und Sprache. Studierte

Rhythmik/Musik- und Bewegungspädagogik in

Wien, sowie Anglistik und Soziologie.

Zahlreiche Fortbildungen bei internationalen

Künstlern, v.a. im Bereich Body Music (u.a.

Bobby McFerrin, Fernando Barba, Keith Terry).

Mitglied von RITMICA VIENA (Buenos Aires)

sowie Musica & Movimento (São Paulo); Beirätin

im ÖBR (Österr. Berufsverband der

RhythmikerInnen).

Fortbildungen und Workshops mit

verschiedensten Zielgruppen: Seminare für

PädagogInnen (u.a. Pädagogische

Hochschulen); Kurse für StudentInnen (u.a.

Universität f. Musik u. Darstellende Kunst

Wien); Schulprojekte mit Rhythmik und

Bodypercussion; Kurse an Universitäten und

Institutionen im Ausland (Brasilien,

Argentinien, Kolumbien, Uruguay). Eigene

Bühnenprojekte (z.Z. Müller & Schöller),

Mitglied verschiedener Ensembles (u.a.

Gumboot Dance Brasil, Maracatu Minimal) im

In- und Ausland.

[email protected]

www.anitagritsch.weebly.com



Susanne Jåresand

Tanz/Musik*

Ein Workshop und Labor über das Hören, das in

drei Phasen unterschieden werden kann:

Aufmerksam werden, Hören und Lauschen als

körperlicher Akt, an dem der gesamte

Organismus beteiligt ist.

Wir werden musikalische Elemente durch

verschiedene Improvisationsmodelle in Tanz

übersetzen, um auf dem Weg der physischen

Wahrnehmung eine tiefere und komplexere

Musikalität in Tanz und Musik zu entfalten.

Wir werden ebenso mit Zweistimmigkeit in

Musik und Bewegung arbeiten: nicht

visualisierend und nicht allein im Gegensatz,

vielmehr auf der Suche nach Integration.

Durch Improvisationen werden wir Erfahrungen

mit dem bewussten und unbewussten Hören

als Schlüsselkonzept für inneres Hören, für den

Kontakt zu den Mittänzern und zur

erklingenden Musik machen. Durch diese

Übungen werden wir unsere körperliche

Musikalität verfeinern.

Der Kurs fokussiert die Verkörperung von

Musik.


Susanne Jåresand, Stockholm:

1982 Universitätsabschluss in Dalcroze-

Rhythmik am Royal College of Music in

Stockholm, wo sie von 1996 – 2013 arbeitete.

2014 Ernennung zur Professorin.

2011 Künstlerische Leiterin von Gotland Dance

Education.

Im Januar 2014 begann Susanne Jåresand ihre

künstlerische Forschung mit dem Projekt

"Listen to listening. Counterpoint in dance and

in music in a listening attitude" mit Mitteln vom

schwedischen Forschungsrat, die bis 2016

zugesagt wurden.

Sie unterrichtet Bewegung und Rhythmik und

ist als Choreographin und Musikerin tätig. Sie

hat nahezu fünfzig Choreografien entwickelt

und ist zudem an zahlreichen Produktionen an

den wichtigsten Bühnen Stockholms beteiligt.

Susanne Jåresand war im Jahr 2000 Leiterin

und Choreografin des Unterhaltungsabends im

Rahmen des Nobelpreis-Dinners. Sie hat für das

schwedische Fernsehen “Queen Christina”

choreografiert, das in London uraufgeführt

wurde.



Martina Jordan

Listening and Interplay*

Mittels Bewegung und Improvisation werden

wir das Wechselspiel von Hören und Körper,

wie es beim Musikmachen immer stattfindet,

untersuchen.

Wir werden mit dem umfassenden Zuhören des

ganzen Körpers arbeiten, wir nehmen nicht nur

die gespielte Musik wahr, sondern auch die

Räumlichkeit, die Körper in einem Raum und

der sich verändernde Raum zwischen ihnen.

Körper in Bewegung bilden Intervalle, Akkorde

und Formteile, vergleichbar visualisierter

Musik. Körper - egal ob sie einander folgen

oder sich auseinander bewegen - bleiben durch

das gemeinsame Zuhören in Verbindung.


Martina Jordan, Stockholm, ist Performerin und

Lehrerin für Musik und Tanz. Sie hat einen

Abschluss als Master of Education in

Euhythmics (Dipl. Rhythmikerin) an der

Königlichen Musikhochschule in Stockholm und

ein künstlerisches Diplom in Tanz an DOCH

(Hochschule für Tanz und Zirkus).

Als Freiberuflerin entwickelt sie ihre eigenen

künstlerische Projekte sowie auf Honorarbasis

mit verschiedenen Musikhochschulen.

Sowohl in ihrer künstlerischen als auch in ihrer

pädagogischen Arbeit steht das

Zusammenspiel von Bewegung und Musik im

Mittelpunkt: „Die Poesie der Alltagsbewegung“

(M. Jordan).



Hilde Kappes


Movement

Stimme und Bewegung / Improvisation

und A-Capella-Sport

Die Methodik der Rhythmik/Musik- und

Bewegungserziehung ermöglicht mit der

Vernetzung verschiedener Mittel einen

natürlichen und sehr körperlichen Zugang zur

Stimme. Sie gibt dem Lernenden die

Möglichkeit über Bewegung, Körper, Musik,

Rhythmus und Spiel, die Stimme zu entfalten,

auf ungewöhnlichen Wegen zu entdecken oder

zu befreien von zu stark leistungsorientiertem

und selbstkritischem Anspruch. Künstlerisches

Gestalten und Formen aus improvisatorischem

und experimentierfreudigem Spiel heraus dient

zusätzlich als Transfer, persönlich

aufkommende Themen zu ent- “ernsten“.

The humour of Voice heisst übersetzt nicht nur

„der Humor der Stimme“ sondern auch die

„Launen“ der Stimme. Improvisierte Chöre,

mehrstimmige turn-arounds oder „böser A

Capella-Sport“ lassen beherzt die ganze Palette

an Stimm- Ausdrucks-Möglichkeiten zu und

fast buffoneske Weisen entstehen.

Die Verbindung von Stimme und Bewegung,

von Flexibilität in der Wirbelsäule und der

Stimme, Atem-Raum und Energie und das

Wechsel-Spiel von Erdung und Entladung lassen

einen neuen Zugang zur Stimme entstehen.

Hilde Kappes, Berlin, ist Sängerin und

Musikerin, Diplom-Rhythmikerin, sowie

Practitioner für Somatic Experiencing nach

Peter Levine, unterrichtet an der UDK

(Universität der Künste) Berlin im Fach

Rhythmik, Stimme und Bewegung, sowie in

freier Praxis das ESSENTIELLE STIMM- (und

MUSIK-) ERLEBEN: einzeln, in kleinen Gruppen

und in Chören.

Siehe auch www.hildekappes.de



Agnieszka Kus

Der spektrale Körper:

Vielfalt in Einheit, Einheit in Vielfalt*

In der Workshop-Lecture „Der spektrale Körper“

werden wir gemeinsam die verschiedenen

Aspekte des Klangspektrums in Bezug auf

Körper und Bewegung erforschen.

Der Schwerpunkt wird auf Spektralmusik

(Musik der 1970er Jahre, die auf den

Obertönen der Klänge basiert) in

Bewegungskomposition gelegt. Mouvement

research durch den Versuch der Übertragung

der Technik, das Innere des Klangs, das Innere

der Bewegung, die "Partiels" der Bewegung.

Woraus setzt sich die Bewegung, die

Komposition zusammen, so wie der spektrale

Klang sich aus vielen Obertönen

zusammensetzt und doch ein Klang bleibt?

Wie erreicht man diese Tiefe in Bewegung,

ohne eine bloße Illustration der musikalischen

Struktur?

Gibt es eine spektrale Bewegung?

Gibt es eine spektrale Choreografie?


Agnieszka Kus, Köln, ist Lehrbeauftragte für

Elementare Musikpädagogik an der Hochschule

für Musik und Tanz Köln.

Sie studierte Rhythmik an der I. J. Paderewski

Musikhochschule in Poznan und am Institut

Émil Jaques-Dalcroze in Genf (post grade).

Darüber hinaus hat sie in Düsseldorf eine

Ausbildung zur Tanzpädagogin abgeschlossen.

Als Tänzerin hat sie das Werk INORI von

Karlheinz Stockhausen auf mehreren

internationalen Festivals aufgeführt.

Sie arbeitet als freie Musik- und Tanzpädagogin

in Köln und interessiert sich besonders für

Neue Musik, Tanz und Theater.



Ava Loiacono

SOLFÈGE – Gehörbildung*

Eines der Dalcroze-Prinzipien ist es, eine

Verbindung zwischen Rhythmik, Solfège und

Improvisation zu schaffen, so dass die drei

Bereiche interagieren und damit die Musikalität

der SchülerInnen gefördert wird.

Der Workshop wird auf der Basis des „aktiven“

Zuhörens dieses Prinzip erforschen und

weiterentwickeln.

Die Teilnehmer werden hören, reagieren, sich

bewegen und singen, je nach ausgewähltem

Material wie z.B. Intervalle, Tonleitern/Skalen,

Akkorde, melodische und rhythmische Muster.

Der Workshop ist offen sowohl für Anfänger als

auch erfahrene Teilnehmer.

Improvisationen mit der Stimme werden

ebenso ein Teil des Workshops sein.


Ava Loiacono ist Musikerin und Schauspielerin.

Ihre Ausbildung in Bewegung und Theater

absolvierte sie an der Lecoq-Schule in Paris. Sie

studierte am Dalcroze-Institut in Genf und

London, wo sie ihre Lehrbefähigung und das

Diplôme Supérieur erhalten hat. Sie hat an der

Royal Ballet School in London und ferner auch

in New York und Tokio unterrichtet. Derzeit

unterrichtet sie die Dalcroze-Methode und

Theater an der SUPSI (Swiss Italian Professional-

University) in Locarno.

Ava arbeitet außerdem in Italien, Spanien,

England, Südamerika und Japan, wo sie

Studenten für das Dalcroze-Zertifikat-

Programm ausbildet.

Mitbegründerin der Theaterkompanie "The

Funambolo", hier arbeitet sie als Musikerin,

Schauspielerin und Bauchrednerin.

Ava ist Präsidentin der italienischen Dalcroze

Gesellschaft (AIJD). Sie ist Autorin des Buches

"Sentire e Provare". EDUP ed. (2012)

[email protected]

[email protected]

www.dalcroze.it

www.ilfunambolo.ch

mailto:[email protected]

http://www.dalcroze.it/



Tamara McCall

Dörte Steinsdorff-

Schulte

eigenart

Tanztheaterimprovisation für Menschen mit

und ohne Behinderung

In diesem Workshop geht es um die

Verbindung von Tanz, Theater und Sprache.

Die Dozentinnen werden zu verschiedenen

Themen Übungen zur Sensibilisierung und

Verknüpfung der verschiedenen

Ausdrucksmöglichkeiten anbieten. Durch die

elementare Verbindung von Stimme, Sprache

und Bewegung können viele Menschen erreicht

werden und ihren persönlichen Ausdruck

entdecken und verfeinern. Vielschichtige

Kontakt- und Ausdruckmöglichkeiten

erleichtern das Arbeiten mit einer inklusiven

Gruppe. Verschiedene Improvisationssettings

bieten genügend Freiraum zum Ausprobieren,

Zuschauen und Reflektieren.

Tamara McCall, Osnabrück, ist Dipl.-

Rhythmikerin, seit 2007 Professorin für

Elementare Musikpädagogik an der Hochschule

Osnabrück, seit fast 20 Jahren intensive

künstlerische und pädagogische

Auseinandersetzung mit Tanz, Rhythmik und

Musik in inklusivem Kontext.

Dörte Steinsdorff-Schulte, Osnabrück, ist Dipl.

Schauspielerin und Logopädin. Seit 2009

Lehrbeauftragte für Künstlerisches Sprechen

und Darstellende Gestaltung an der Hochschule

Osnabrück.

Nach 15-jähriger Laufbahn als Theater-

Schauspielerin Beschäftigung mit Atem und

Stimme als natürlichen Ausdruck des Menschen

und in künstlerischem Kontext.

Tamara McCall und Dörte Steinsdorff-Schulte

leiten gemeinsam das inklusive Tanztheater

eigenart an der Hochschule Osnabrück.



Anetta Pasternak

Zeitgenössische Musik im Dalcroze Konzept

der „Plastique animée“

Reflexionen über die eigenen pädagogischen

und künstlerischen Erfahrungen*

Die Emil Jaques-Dalcroze-Methode ist nicht

geschlossen, sondern entwickelt sich ständig

weiter weil sie den Entwicklungen der

modernen Musik folgt. Eine genaue

Musikinterpretation ist nur durch eingehende

Analyse der Struktur der Musik und ihrer

expressiven Merkmale möglich, welche dann

mit Ausdrucksbewegung in Plastique animée

umgesetzt werden.

Der Wunsch adäquate Bewegungsformen zu

nutzen, um zeitgenössischer Musik Ausdruck

zu verleihen, erfordert ein intensives

Körperbewusstsein und damit ein körperliches

Training, verbunden mit einer umfassend

entwickelten Technik des musikalischen

Bewegungsausdrucks.

Ein angemessenes Niveau der Beherrschung

des eigenen Körpers ermöglicht eine höhere

Stufe der Einheit zwischen Bewegung und

Musik, was wiederum die Tiefe der Analyse und

die Intensität der Erfahrung wesentlich

beeinflusst. Anetta Pasternak wird die

Besonderheit der Plastique animée aus ihren

eigenen Erfahrungen mit dem Einsatz

zeitgenössischer Musik aufzeigen. Der

Workshop bezieht sich auf ihre Arbeit mit

Rhythmik-Studierenden an der Universität

sowie auf ihre künstlerischen Aktivitäten im

studentischen Theatre of Rhythm "Katalog". Die

verschiedenen Prozesse, die zur Entstehung

einer Musikinterpretation führen, werden hier

vorgestellt: Rhythmik, Solfège,

Bewegungstraining und Choreographie.


Anetta Pasternak, PhD hab., Katowice, arbeitet

derzeit als Assistenzprofessorin im Fachbereich

Rhythmik an der Musikakademie in Katowice

und lehrt gleichzeitig im Fachbereich Tanz an

der Universität für Geistes- und

Wirtschaftswissenschaften in Lodz.

Als künstlerische Leiterin fördert sie den

wissenschaftlichen Kreis der Rhythmiker mit

ihrem künstlerischen Fachgebiet, dem Theatre

of Rhythm "Katalog“.

Anetta Pasternak wurde der erste Preis beim

zweiten Europäischen Rhythmik Wettbewerb in

Trossingen, Deutschland verliehen, ebenso

gewann sie den Ersten Preis bei dem XXVI

Tychy Theatertreffen. Spezialisiert ist sie auf

zeitgenössische Musikinterpretation. Sie

veranstaltet die jährliche polnische

Workshopserie "Musik und Bewegung in

therapeutischen Maßnahmen". Sie hält Vorträge

und Workshops in Polen, sowie in Österreich,

Deutschland, Großbritannien, Japan, Schweden,

Schweiz, Ukraine, USA, Taiwan. Sie nahm als

Dozentin an zahlreichen Workshops und

wissenschaftlichen Konferenzen in Rhythmik,

Tanz und Therapie in Polen, Deutschland, der

Schweiz und Großbritannien teil.



Alexander Riedmüller

RITMICA VIENA in Buenos Aires

5 Jahre Aufbauarbeit für die Rhythmik in

Südamerika

„Wohin mit mir und meinen im umfangreichen

Studium erworbenen Fähigkeiten?“ Diese Frage

ist für viele Rhythmik-Absolvent/innen

essenziell. Wie man sich im fernen Ausland ein

wachsendes Netzwerk als Rhythmiker/in

aufbauen kann, das zeigt das Beispiel der

Initiative RITMICA VIENA. In diesem Vortrag

wird die Arbeit dieser Gruppe vorgestellt, die

seit dem Jahr 2009 in Buenos Aires die

Methode der Rhythmik / Musik- und

Bewegungspädagogik verbreitet. Heute besteht

das Dozent/innen-Team aus vier

Rhythmiker/innen argentinischer, deutscher,

kolumbianischer und österreichischer Herkunft,

die in Wien bzw. Buenos Aires dieses Fach

studiert haben.

RITMICA VIENA wuchs in den letzten Jahren mit

ihren wöchentlichen Kursen für Kinder und

Erwachsene, Fortbildungen für Lehrende,

Seminaren an verschiedenen universitären

Institutionen, seit 2011 einer jährliche

internationalen Rhythmikwoche – der SIRBA –

sowie szenisch arbeitenden Ensembles zu einer

professionellen Enklave der Rhythmik auf der

Südhalbkugel heran.

Dies ist ein kurzer Einblick in inhaltliche

Fragen, Strategien und Herausforderungen die

mit dieser Arbeit zusammenhängen.

Alexander Riedmüller wurde in Tübingen

geboren und lebt derzeit in Buenos Aires,

Argentinien. Nach seinem Studium der

Rhythmik / Musik- und Bewegungspädagogik

an der Universität für Musik und darstellende

Kunst Wien entschloss er sich seine berufliche

Karriere in Südamerika fortzusetzen. Im Jahr

2009 gründete er mit argentinischen

Kolleg/innen die Gruppe RITMICA VIENA, die

Rhythmik-Kurse, -Fortbildungen und -Seminare

anbietet sowie einmal im Jahr die Internationale

Rhythmikwoche in Bueons Aires, die SIRBA,

organisiert. Außerdem ist er Leiter der Gruppe

Laboratorio Rítmico Escénico. Durch Projekte

seiner beiden Gruppen RITMICA VIENA (aus

Buenos Aires) und artig – Improvisations-

theater (aus Wien) bereiste er bereits mehr als

20 Länder als Dozent, Schauspieler, Fortbildner

und Vortragender. Seine Arbeit stellte er an

mehreren Kongressen in Südamerika und

Europa vor. Mehr über diese Arbeit erfahren

kann man auf www.ritmicaviena.com.ar



Stephanie

Riemenschneider

Ariane Stern


Der Begriff Konzertpädagogik umfasst ein

musikpädagogisches und dramaturgisches

Betätigungsfeld, das sich seit einigen Jahren

fest in der Orchesterlandschaft in kommunaler

Trägerschaft etabliert hat. Mittlerweile ist die

Konzertpädagogik auch in der freien Szene

angekommen. Als Konzertpädagogen agieren

in diesem weiten Feld, das Angebote für alle

Altersstufen umfasst, nicht nur Pädagogen

sondern auch die Musiker selbst, Dramaturgen,

Dirigenten etc.

Die didaktischen Prinzipien der Rhythmik wie

auch Rhythmik als spezifische Methode haben

sich in der Konzertpädagogik eher unbemerkt

einen festen Platz erobert. Im Fokus dieses

Workshops steht die Planung und

Durchführung musikvermittelnder bzw.

konzertpädagogischer Projekte für Kinder an

Orchestern und Konzerthäusern:

Wie entstehen diese speziell auf eine

Zielgruppe zugeschnittenen Programme?

Welche organisatorischen Abläufe,

welche dramaturgischen Gedanken

beeinflussen die Gestaltung eines

Kinderkonzertes?

Welcher Vermittlungsmethoden bedient

sich die Konzertpädagogik und welche

Bedeutung kommt dem Bereich Musik &

Bewegung zu?

Stephanie Riemenschneider studierte Rhythmik

an den Musikhochschulen in Lübeck und Köln.

Nach langjähriger Unterrichtstätigkeit in den

Bereichen Rhythmik, Elementare Musikpädago-

gik und Theaterpädagogik wechselte sie mit

einem Studium im Fach Musikvermittlung-

/Konzertpädagogik an der Musikhochschule

Detmold als Dramaturgin und Konzertpädago-

gin zu den Niederrheinischen Symphonikern.

Seit 2009 gestaltet sie das Kinder- und Schul-

programm der Tonhalle Düsseldorf mit und

arbeitet als freie Konzertpädagogin in ganz

NRW. Stephanie Riemenschneider hat Lehrauf-

träge für Konzertpädagogik an der Robert-

Schumann-Musikhochschule und der

Universität zu Köln.

Ariane Stern studierte Musikwissenschaft und

Theaterwissenschaft in Berlin, Paris und Köln.

Sie arbeitete zunächst als Referentin für

Öffentlichkeitsarbeit und Dramaturgie beim

Gürzenich-Orchester Köln, bevor sie 2001 als

Konzertpädagogin an die Tonhalle Düsseldorf

wechselte und dort die Kinderkonzertformate

sowie die Angebote für Schulklassen

installierte. Nachdem sie berufsbegleitend den

Studiengang Musikvermittlung/ Konzertpäda-

gogik an der Musikhochschule Detmold

absolviert hatte, wirkte sie innerhalb dieses

Studienganges auch selbst als Dozentin mit.

Als Moderatorin von Kinderkonzerten stand sie

dort ebenso wie in Duisburg, Kassel und

Düsseldorf auf der Bühne.



Reinhard Ring

Émile Jaques-Dalcroze -

eine kritische Würdigung

Eine große Persönlichkeit muss von jeder

Generation immer wieder neu entdeckt und

bewertet werden. Einiges an ihrem Schaffen ist

nur aus seiner Zeit heraus zu verstehen.

Anderes ist zeitlos gültig. Dalcroze war der

erste und bedeutendste Vertreter einer aktiven

Musikpädagogik im 20. Jahrhundert. Ihm

folgten weitere Persönlichkeiten und

Methoden, die wir miteinander in Beziehung

setzen. Nur so können wir das Besondere an

der "Methode Jaques-Dalcroze" verstehen. Denn

"wer nur von einer Methode etwas versteht,

versteht auch die nicht recht" (frei nach Georg

Christoph Lichtenberg).

Reinhard Ring, Universitätsprofessor an der

Hochschule für Musik, Theater und Medien

Hannover. Ständiger Gast‑Professor an der

CCoM Peking. Präsident der "Fédération

Internationale des Enseignants de Rythmique",

Genf 1992‑2003.

Forschungsgebiete: Musik und Bewegung

verschiedener Kulturen, Rhythmikgeschichte

und -theorien.

Veröffentlichungen: Artikel, Arbeitshefte,

Kompositionen für den Unterricht, 2 Bücher.



Lena Romanova

Rhythmik und künstlerische Projekte*

In diesem Workshop werden wir uns mit den

Aspekten beschäftigen, die aus meiner Sicht

am wichtigsten waren, als ich das Projekt

"RHYTHM-THEATER" in 2004 begann.

Erfahrungen auf der Bühne zu machen ist sehr

wertvoll, vor allem für junge Studierende. Die

Dalcroze-Methode hilft uns, in die Musik – in

das "Theater" des Klangs – einzutauchen.

Sie lehrt uns:

- die Bewegung der Musik zu spüren, die

Stille zu hören und ihre Entwicklung zu

verfolgen;

- unsere kommunikativen Fähigkeiten zu

trainieren: ein Gefühl der Gemeinschaft

herzustellen und fähig zu sein ohne

Worte mit unseren Partnern zu

interagieren;

- die Musik mit Hilfe von einfachen

Bewegungen und Gesten zum Ausdruck

zu bringen;

- die Balance zwischen unseren Emotionen

und unseren Zielen, zwischen unserem

Geist und Körper zu spüren;

- uns mit Musik verschiedener Gattungen,

Stile und Epochen zu beschäftigen.


Lena Romanova hat ihr ganzes Leben in

Moskau gelebt und gearbeitet.

In den 1980er Jahren hat sie begonnen als

Musiklehrerin zu arbeiten. In den frühen

1990er Jahren hörte sie erstmals von der

Dalcroze-Methode. Seitdem hat sie an einer

großen Zahl von internationalen Rhythmik

Veranstaltungen teilgenommen, z.B. an

Kongressen in Genf und Wien, an Workshops in

Hellerau und Summer Schools in Italien,

Großbritannien und den USA.

Seit 2003 arbeitet sie am Gnessin College of

Music, an dem sie Bildungsprojekte "RHYTHM-

THEATER" (2005) und "Planet Rhythm" (2010)

startete.

Sie glaubt fest daran, dass es keine staatlichen

Beschränkungen geben sollte, die Einfluss auf

die Art und Weise nehmen, wie Musik und

Rhythmik praktiziert werden oder die

eigenwillige Formen künstlerischen Ausdrucks

begrenzen.



Marianne

Steffen-Wittek

Fritz Wittek


Während Dalcroze in Hellerau mit

Bewegungsmöglichkeiten für ein besseres

Rhythmusverständnis experimentierte,

bastelten Schlagzeuger in New Orleans an

einem neuen Instrument, mit dem sie sich

rhythmisch besser ausdrücken konnten. Da

sich die Rhythmik in Deutschland zu einem

frauendominierten Fach entwickelte, das Drum

Set dagegen als typisches Instrument der

Männerdomäne galt, spielte es in der Rhythmik

bisher kaum eine Rolle.

Was können Rhythmiker und Schlagzeuger

voneinander lernen? Welche Anregungen zur

Bewegungsimprovisation bietet z.B. das Second

Line Drumming und was hat der New Jack

Swing mit der Rhythmik zu tun? Welche

Möglichkeiten hält die Rhythmik bereit, um

eine Secondary Rag-Figur körpersinnlich zu

verstehen oder um die rhythmische

Koordination der vier Extremitäten

bewegungsexperimentell anzuregen?

Marianne Steffen-Wittek und Fritz Wittek

zeichnen die wesentlichen Entwicklungen der

verschiedenen Drum Set Stile von den

Anfängen bis heute nach und stellen

Verbindungen zur früheren und heutigen

Rhythmik in Theorie und Praxis her.

Marianne Steffen-Wittek studierte Rhythmik

und Schlagzeug und spielte Drums in Rock-

und Jazzbands u. a. in der Frauengruppe „F“,

mit der sie den Langener Jazzpreis gewann. Sie

wirkte in verschiedenen Orchestern und

Improvisationsgruppen mit, gestaltete Solo-

Projekte, trat auf Jazzfestivals im In- und

Ausland auf und spielte LPs und CDs ein. Sie

unterrichtete im Lehrauftrag an der

Musikhochschule Köln, war stellvertretende

Leiterin der Offenen Jazzhaus Schule und freie

Mitarbeiterin beim WDR. Neben ihrer heutigen

Tätigkeit als Rhythmik-Professorin in Weimar

veröffentlicht sie Kinderlieder und publiziert in

Fachbüchern und Zeitschriften. 2004 wurde sie

Preisträgerin des 1. internationalen

Wettbewerbs für Musikpädagogik. Sie spielt

Vibraphon und Percussion im Trio Scordatura.

Fritz Wittek, Autodidakt, erste Band-

Erfahrungen in Beatbands Ende der 1960er

Jahre; Schlagzeuger bei Vollmond (1 LP),

Wittek-Kaiser-Manderscheid (3 LPs), Jazzhaus-

Bigband, TOME XX (mehrere LPs und CDs),

Anne Hartkamp (CD), Helge Schneider.

Rundfunk- und Fernsehproduktionen im In- und

Ausland; Tourneen im Auftrag des Goethe-

Instituts in Osteuropa, Skandinavien, Estland,

Mittel- und Südamerika, Nordafrika, Süd- und

Ostafrika; Schlagzeuglehrer an der Carl-

Stamitz-Schule Köln-Porz; Schlagzeuger im Trio

Scordatura.



Edith Pia Stocker

Rhythmik- ein gestalterisches Verfahren in

Pädagogik und Heilpädagogik

Die Didaktik im Kontext der „Künste“ erhält

derzeit an Kunsthochschulen vermehrt

Beachtung. Anregend ist hier die Frage wie es

durch künstlerische Prozesse zu Erkenntnissen

kommt und welcher Art diese Erkenntnisse

sind. Erhebt man zudem den Anspruch,

sinnlich-ästhetische Erfahrungen allen

Menschen zugänglich zu machen, kommt die

Herausforderung einer Anpassung der Didaktik

für solche inklusiven Gestaltungsangebote

hinzu.

Wir werden praktisch in einen künstlerischen

Prozess einsteigen, um exemplarisch und

anhand einiger theoretischer Inputs zu Themen

wie mehrperspektivische und

entwicklungslogische Didaktik, kreative

Prozesse, ästhetische Bildung die Bedeutung

des gestalterischen Verfahrens Rhythmik für

die (Heil-)Pädagogik zu reflektieren und zu

diskutieren.

Edith Pia Stocker, Zürich, ist Professorin für

Fachdidaktik Musik und Bewegung sowie

Studiengangleiterin BA Musik und Bewegung

und MA Musikpädagogik / Musik und

Bewegung / Rhythmik an der Zürcher

Hochschule der Künste.

Ausbildungen: Lehrdiplome Musikalische

Früherziehung und Rhythmik (NDS

Heilpädagogik), Lizentiat Allgemeine und

Entwicklungspsychologie, Psychopathologie

des Erwachsenenalters und Sonderpädagogik.



Eva Nivbrant Wedin

South African Gumboot Dancing*

Gummistiefeltanz als rhythmischer Tanz wurde

in den südafrikanischen Minen vor mehr als

einem Jahrhundert etabliert. Der Tanz wird in

einer Gruppe getanzt, gekennzeichnet durch

rhythmische Schritte, Claps und Slaps an die

Stiefel. Während des „Befreiungskampfs“' wurde

der Tanz als Statement gegen das Apartheid-

Regime verwendet, und nach der

demokratischen Revolution im Jahr 1994 ist er

ein integraler Bestandteil der Kultur geworden.

Den Tanz kann man in Schulen sehen, auf der

Straße mit Straßenmusikern und in

professionellen Shows.

Gumboot dance verbreitet sich in der ganzen

Welt, sowohl in professionellen Shows und

auch als Tanzform, die jeder ausprobieren und

genießen kann.

Gumboot dancing kann als ein wirksames

Instrument in der Musikerziehung verwendet

werden, als Rhythmustraining und

Koordinationstraining sowie als Inspiration für

Body-Percussion. Die Tanzfiguren können auch

verwendet werden, um verschiedene

musikalische Aspekte aufzuzeigen.

In diesem Workshop werden die Teilnehmer

einige Tanzschritte lernen und

Videoaufnahmen aus Südafrika sehen. Wir

werden auch besprechen wie "Gumboot

Dancing" im Rhythmikunterricht genutzt

werden kann.

Warum lehre ich Gumboot Dancing? Seit 2003

lehre ich Rhythmik und Musikerziehung einen

Monat im Jahr an südafrikanischen

Universitäten. Während meiner Aufenthalte in

Südafrika habe ich Gumboot Dancing gelernt

and ich habe mit verschiedenen Gruppen und

Gumboot Dancing Lehrern trainiert.


Eva Nivbrant Wedin absolvierte ihr Studium an

der Musikhochschule Malmö 1979 und setzte

ihre Ausbildung an der Königlichen

Musikhochschule in Stockholm fort. Sie

kombinierte ihre Musikstudien mit einem

Studium in Erziehungswissenschaften und

Psychologie.

ENW hat als Rhythmiklehrerin in verschiedenen

Schulformen gearbeitet und alle Altersgruppen

von kleinen Kindern bis zum Berufsmusiker

unterrichtet. Seit 1996 ist sie leitende Dozentin

an der Königlichen Musikhochschule in

Stockholm (KMH).

ENW ist in verschiedenste Formen des

internationalen Austausches eingebunden. Seit

2003 unterrichtet sie regelmäßig an

südafrikanischen Universitäten und initiiert und

unterstützt Austauschprogramme zwischen

Primar- / Sekundar Schulen in Südafrika und

Schweden.



Dierk Zaiser

Simon Pfeffel

Performance im öffentlichen Raum –

Arbeitsweisen und Konzepte der Rhythmik

und der Bildenden Kunst

Anhand einer gemeinsamen Live-Performance

der beiden Künstler und von Videobeispielen

werden wesentliche Parameter und

Schnittfelder von Performancearbeiten

reflektiert, theoretisiert und diskutiert.

Angeleitete Übungen führen zu einer

praktischen Vertiefung und persönlichen

Erkenntnissen. In einem künstlerischen

Gestaltungsprozess realisieren die Teilnehmer

ihre eigenen Performanceideen.

Dierk Zaiser: Vertretungsprofessur in Music &

Movement / Rhythmik an der Staatl. Hochschule für

Musik Trossingen seit 2008, Hauptarbeitsbereiche

Master Rhythmik-Performance,

Erwachsenendidaktik, Inklusion, Projekte. Gründer

und Leiter von BEATSTOMPER – Rhythmus- und

Performanceprojekte für straffällige und sozial

benachteiligte Jugendliche seit 2006. Zweifacher

Preisträger beim Europäischen Rhythmikwettbewerb

1995. Verschiedene nationale Preise und

Auszeichnungen für innovative musikpädagogische

Konzepte und Aktivitäten. Wissenschafts- und

Praxisliteratur in Büchern, Zeitschriften und im

Internet. Dissertation in Erziehungswissenschaften

(Sonderpädagogik), Dr. paed. Internat. Unterrichts-

und Vortragstätigkeiten.

Simon Pfeffel: Jahrgang 1985: 2005–2011 Studium

an der Staatlichen Akademie der Bildenden Ku ̈nste

Karlsruhe bei Prof. Silvia Bächli. 2011–2012

Gaststudent an der Staatlichen Akademie der

Bildenden Ku ̈nste Stuttgart bei Prof. Christian

Jankowski. Aufbaustudium Freie Kunst an der

Staatlichen Akademie der Bildenden Ku ̈nste

Karlsruhe bei Prof. John Bock. Hauptorganisator der

UND7 Karlsruhe. 2013–2014 Gaststudium an der

Staatlichen Akademie der Bildenden Ku ̈nste

Karlsruhe bei Prof. Leni Hoffmann.



Verena Zeiner

Elisabeth Orlowsky

Deep Tone Diving

Der Workshop richtet sich an RhythmikerInnen

oder MusikerInnen und TänzerInnen, die an der

Vernetzung ihrer künstlerischen Fertigkeiten

interessiert sind. Ausgangspunkt ist das

Erforschen unterschiedlicher Spannungs-

zustände im Körper und in der Musik über

Improvisationen und hier vor allem der

nuancierte Einsatz der Mittel um den Ton(us)

zu beeinflussen. Es geht um das tiefe

Eintauchen in Details, die das Zusammenwirken

von Bewegung und Musik reichhaltig und

vielseitig gestalten und um das Überbrücken

von möglichen Kommunikations-

schwierigkeiten zwischen Bewegenden und

Musizierenden.

MusikerInnen werden gebeten ihr Instrument

mitzubringen!

Verena Zeiner ist Pianistin, Komponistin und

Rhythmikerin. Sie ist als freischaffende

Musikerin mit verschiedenen Ensembles aus

den Bereichen Jazz bzw. jazzverwandten Stilen

und improvisierter Musik im In- und Ausland

tätig. Ein Schwerpunkt ihres Schaffens ist die

Arbeit mit TänzerInnen. Als Pädagogin

unterrichtet sie an diversen Institutionen und

gibt Workshops für unterschiedliche

Zielgruppen.

Veröffentlichungen: „Human Circus“ (Freifeld

Tonträger, 2014); „Prinzessin Himbeere“ (CD/Buch,

2014); „Rhythmik und Hören. Zur Entwicklung der

auditiven Wahrnehmungsfähigkeit in der Musik- und

Bewegungspädagogik.“ www.verenazeiner.at

Elisabeth Orlowsky - Tänzerin, Tanzpädagogin

und Choreographin - ist seit 1997 künstle-

rische Leiterin und Choreographin der

Compagnie Smafu. In Zusammenarbeit mit

TänzerInnen, KomponistInnen und

SchauspielerInnen sind mehr als 20 Tanzstücke

entstanden. Sie unterrichtet seit 2001 an der

Universität für Musik und darstellende Kunst

Wien. www.elisabethorlowsky.at



Veranstalter und Festival-Team

Das Festival wurde organisiert von Barbara Schultze und Herbert Fiedler von der Akademie

Remscheid und von Dorothea Weise vom Arbeitskreis Musik und Bewegung / Rhythmik an

Hochschulen (AMBR).

Die Akademie Remscheid für Kulturelle Bildung

e.V. ist das zentrale Institut für kulturelle

Jugendbildung der Bundesrepublik Deutschland

und des Landes Nordrhein-Westfalen. Als

Fortbildungsakademie für Fachkräfte der

Jugend-, Sozial-, Bildungs- und Kulturarbeit ist

sie eine anerkannte Einrichtung der Kinder-

und Jugendförderung nach § 75 des Kinder-

und Jugendhilfegesetzes.

Diesen Auftrag setzt die Akademie Remscheid

durch ein breit gefächertes Angebot an Fort-

und Weiterbildungsmöglichkeiten für

Fachkräfte der kulturellen Kinder- und

Jugendhilfe um.

www.akademieremscheid.de

Akademie Remscheid

Küppelstein 34

D-42857 Remscheid

Tel.: ++49 (0) 2191 794-0

Leitung der Fachbereiche

Musik und Rhythmik:

Herbert Fiedler

[email protected]

Barbara Schultze

[email protected]

Im Arbeitskreis Musik und Bewegung /

Rhythmik an Hochschulen e. V. (AMBR e.V.)

arbeiten diplomierte Rhythmikerinnen und

Rhythmiker, die an bundesdeutschen

Hochschulen, insbesondere Musikhochschulen,

die Studienrichtung Musik und Bewegung

lehren oder das Fach Rhythmik im Rahmen

eines anderen Studiengangs vertreten.

Der Verein stellt sich die Aufgabe, das Fach

Musik und Bewegung / Rhythmik in

künstlerischen, pädagogischen und

therapeutischen Ausbildungen zu stärken, die

darin Lehrenden zu vernetzen, die Forschung

voran zu treiben und die künstlerische Praxis

im kulturpädagogischen und sozialen Rahmen

zu reflektieren und zu unterstützen.

www.musikbewegung.de

1. Vorsitzende

Prof. Dorothea Weise

Universität der Künste Berlin

[email protected]

2. Vorsitzende

Grazyna Przybylska-Angermann

http://www.musikbewegung.dedas/

http://www.akademieremscheid.de/

http://www.akademieremscheid.de/

www.musikbewegung.de



Herbert Fiedler

Pianist und Dozent für Musik und

Musikpädagogik, Leiter des Fachbereichs Musik

an der Akademie Remscheid. Er studierte

Instrumentalpädagogik im Fach Klavier,

Trompete und Allgemeine Musikerziehung.

Lehrtätigkeiten an KiTa, Musikschule, Schule,

Volkshochschule, Fachhochschule und

Musikhochschule. Er konzipierte und realisierte

pädagogische und künstlerische Projekte,

u.a. „Musik im Kindergartenalltag“ und

„Ganzheitliche Frühförderung kultureller

Intelligenz“. Buchpublikation: „Ich höre was,

was du nicht siehst“ (2007). Als Komponist,

Arrangeur und Produzent von Songs,

Geschichten mit Musik und Hörspielen ist er für

Radio und Fernsehen tätig, des Weiteren auch

als konzertierender Pianist aktiv.

Barbara Schultze

Rhythmik- und Querflötenstudium an der

Musikhochschule Detmold. Künstlerischer

Schwerpunkt „Bewegungsinterpretation Neuer

Musik“. Lehrtätigkeit an Musikhochschule,

Musikschule, Schule und Kindertagesstätte.

Freie Lehrtätigkeit im In- und Ausland. Leitung

des Fachbereichs Rhythmik/Musik und

Bewegung an der Akademie Remscheid.

Konzeption und Realisation berufsbegleitender

Qualifizierungen, Entwicklung interdisziplinärer

Konzepte für die kulturelle Kinder- und

Jugendbildung. Veröffentlichungen in

Fachpublikationen.

Dorothea Weise

Rhythmikstudium in Köln. Langjährige

Lehrtätigkeit in der Hauptfachausbildung

Rhythmik an der Musikhochschule Trossingen

mit dem Schwerpunkt Bewegung/Tanz. Kurs-

und Workshoptätigkeit im In- und Ausland an

Aus- und Weiterbildungsinstitutionen sowie in

freier Arbeit.

Aktuell leitet Dorothea Weise als Professorin

für Rhythmik und EMP den Studienbereich

Musik und Bewegung an der Universität der

Künste Berlin. Sie ist seit 2008 Vorsitzende im

Arbeitskreis Musik und Bewegung / Rhythmik

an Hochschulen e.V. (AMBR).

Veröffentlichungen zu Theorie und Praxis der

Rhythmik in Fachpublikationen.

Flyer-Gestaltung: Ulrich Baer, © Akademie Remscheid, 2014.

Alle Angaben ohne Gewähr. Änderungen vorbehalten.

Stand: 1.12.2014.

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