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RECREA-CIONESClaudia Joskowicz

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Die Ecke Arte Contemporáneo ©Registro de propiedad intelectual: 253422ISBN: 978-956-9516-06-1Editor: Die Ecke Arte ContemporáneoDiseño colección: Fig.1Textos: texto de Hunter Brathwaite cortesía del autor y de CIFO, Miami. Texto de Susan Silas cortesía del autor y de www.hyperallergic.comFotografía: cortesía de la artista y de los autoresTraducción: Gabriela Dobo / Cristina WichmanImpresión: Ograma

Proyecto financiado por FONDART, Convocatoria 2014

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A Claudia Joskowicz la conocí el 2009 en Nueva York, sabía de su obra por Raquel Schwartz de la galería Kiosko de Santa Cruz, y lo primero que hizo al verme fue regalarme la publicación de su obra “Music to Watch Dead Girls By” de 2006 editada por Filmarmalade lo cual me llamó la atención. A partir de ese momento no he dejado de seguir su obra la cual se encuentra en un límite tanto de la realidad como de la visualidad.Para mi su obra transita en una especie de género original que se podría llamar documentalismo mágico y que en el caso de ella se caracteriza por ocupar una narrativa histórica registrada, desde lo visual, al más alto nivel de precisión. Es esta última característica la que me obliga a cruzar la frontera del cine debido a que el dominio de la imagen, el audio incidental y el tiempo en que los actores intervienen en las escenas de la obra son sus mayores aportes.Por último, con respecto a los temas abordados en su obra, ellos siempre tienen un gran nivel educativo lo cual en el lenguaje del videoarte es muy importante.

I first met Claudia Joskowicz in 2009 in New York. I was introduced to her work by Raquel Schwartz from the Kiosko gallery in Santa Cruz, Bolivia, and the first thing I did after seeing it was to buy myself a copy of her work Music to Watch Dead Girls By (2006, edited by Filmarmala) which had caught my eye. From that moment on, I’ve never stopped following her work which lies on the limit of reality as well as the visual.For me, her work moves in a kind of original genre which could be called “magic documentary”, which in her case is characterized by using a historical narrative recorded, visually, with the highest level of precision. It is this last characteristic which forces me to cross over the border into film, because the power of the image, the background music and the timing in which the actors are involved in the scenes are its greatest contributions.Finally, in regards to the themes addressed in Joskowicz’s work, they are always deeply informative, which is very important in the language of video art.

Paul BirkeDirector, Die Ecke arte contemporáneo

> music to watch dead girls by2006video monocanal; blu-ray; 20 minutos, color; sonido / Single channel video; Blu-ray video; 20 minutes; color; sound.

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CLAUDIA JOSKOWICZ (1968, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia)Claudia Joskowicz vive y trabaja en Nueva York y en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.

Recibió un Magister en Artes Plásticas de New York University en el 2000. Exposiciones personales incluyen Die Ecke Arte Contemporáneo en Santiago, Chile; LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects y Momenta Art en Nueva York; Dot Fiftyone en Miami; California Museum of Photography en Riverside, California; Project Space Galerija Gregor Podnar en Ljubljana, Eslovenia; Glalería ACBEU en Salvador, Brasil; el Espacio Simón Patiño y el Museo Nacional de Arte de La Paz y el Centro Cultural Santa Cruz y Galería Kiosko en Santa Cruz, Bolivia; y Lawndale Art Center en Houston para la Bienal de Fotografía Fotofest.

Exposiciones colectivas recientes en el Museo Guggenheim de Nueva York; la Fondation Cartier pour l’art contemporain en París, Francia; el Museo de arte contemporáneo de Roskilde en Dinamarca; la Décima Bienal de Sharjah; la 29ª Bienal de São Paulo; la Décima Bienal de la Habana; los Festivales Videobrasil 17 y 18 en São Paulo; Traneudstillingen en Copenhague; Slought Foundation en Filadelfia; LABoral Centro de Arte y Creación Industrial en Asturias; Asya Geisberg Gallery y LMAK Projects en Nueva York; las galerías McBean en el San Francisco Art Institute; el McDonough Museum of Art en Cleveland y Dukwon Gallery en Seul. Su obra también ha sido incluida en exposiciones colectivas en el Museo del Barrio y el Bronx Museum of the Arts de Nueva York; y Gallerie Claudine Papillon en París.

Colecciones públicas incluyen el Museo Guggenheim en Nueva York; la Funación Kadist en San Francisco, la Fundación Cisneros Fontanals en Miami, y el Banco Central de la República en Bogotá. Premios recientes incluyen una comisión para artistas de media carrera de la Fundación Cisneros Fontanals en Miami, una beca 2011 en cine/video de la fundación Guggenheim, un premio en el festival Videobrasil, becas Fulbright, de la Asociación de artes hispanas de Nueva York, en fotografía del Vermont Studio Center, un premio en vídeo de Urban Artists Initiative en Nueva York y el gran premio en el Concurso de Fotografía Digital Modificada otorgado por la Fundación Simón I. Patiño en Cochabamba, Bolivia. Fue artista en residencia en el Latin American Roaming Art Project en Oaxaca, México, el Instituto Sacatar en Bahía, Brasil, el programa WorkSpace y la residencia en la Cité Internationale des Arts de París ambos auspiciados por el Lower Manhattan Cultural Council (LMCC), Nueva York y en el programa AIM auspiciado por el Bronx Museum of the Arts en Nueva York.

CLAUDIA JOSKOWICZ (Born 1968, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia)Claudia Joskowicz lives and works in New York and Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. She received her MFA from New York University in 2000. Solo exhibitions include shows at Die Ecke Arte Contemporáneo in Santiago, Chile; LMAK Projects, Forever & Today, Inc., Thierry Goldberg Projects, and Momenta Art in New York; Dot Fiftyone Gallery in Miami; California Museum of Photography in Riverside, California; Project Space Galerija Gregor Podnar in Ljubljana, Slovenia; Die Ecke Arte Contemporáneo in Santiago, Chile; Galeria ACBEU in Salvador, Brazil; Espacio Simón Patiño and Museo Nacional de Arte in La Paz, Centro Cultural Santa Cruz and Galería Kiosko in Santa Cruz, Bolivia; and Lawndale Art Center in Houston, Texas.Recent group exhibitions at the Guggenheim Museum in NY; Fondation Cartier pour l’art contemporain in Paris, France; Museum of Contemporary Art in Roskilde, Denmark; the Tenth Sharjah Biennial; the 29th São Paulo Biennial; the Tenth Habana Biennial; Slought Foundation in Philadelphia; the 17th and 18th Videobrasil Festivals in São Paulo; LABoral Centro de Arte y Creación Industrial in Asturias, Spain; Asya Geisberg Gallery and LMAK Projects in New York; the McBean Galleries at the San Francisco Art Institute; the McDonough Museum of Art in Cleveland; and Dukwon Gallery in Seoul. Her works have been also shown at El Museo del Barrio, The Bronx Museum of the Arts in New York, and Gallerie Claudine Papillon in Paris.Selected public collections include the Guggenheim Museum, NY; the Kadist Foundation in San Francisco, the Cisneros Fontanals Foundation in Miami, and the Banco Central de la República in Bogotá. Among other awards, Joskowicz has received a Cisneros Fontanals Foundation Mid Career Artist’s Commission, a Guggenheim fellowship in film/video, a prize from the 17th Videobrasil Festival, a Fulbright Scholar award, an East Harlem Arts Grant, an Urban Artists Initiative Fellowship, a full fellowship in photography from the Vermont Studio Center, and the grand prize in the Digital Arts Salon awarded by the Fundación Simón I. Patiño in Cochabamba, Bolivia. She was recently an artist in residence at the Latin American Roaming Art Project in Oaxaca, Mexico, the Sacatar Institute in Bahia, Brazil, the AIM program at the Bronx Museum of the Arts and has also been a resident fellow at the Lower Manhattan Cultural Council’s Workspace Residency and its Paris Residency at Cité Internationale des Arts, Paris, France.

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ClaudiaJoskowicz2015 - 2007

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Hay muertos que no hacen ruido2015Video monocanal, color y sonido. 11’ / single channel, colour and sound. 11’

> Making of Hay muertos que no hacen ruido

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Mediante lentas secuencias de video, Joskowicz reproduce acontecimientos “mito-históricos” presentes en la memoria colectiva global, historias personales que poseen una dimensión histórica, o bien, aludiendo a piezas icónicas del arte de la segunda mitad del siglo veinte que se anclan en entornos latinoamericanos. Hay muertos que no hacen ruido utiliza la leyenda de La Llorona como una metáfora de nación en duelo. En sus versiones variadas, la leyenda preserva elementos de su esencia indígena y representa el tiempo, el camino al inframundo, la muerte en lo cotidiano, lo sobrenatural y la desesperanza. La llorona conoce el destino de sus descendientes y nada puede hacer para evitarlo. Por tanto, es emblemática de la desesperación de un pueblo –una alusión ineludible a acontecimientos violentos en el paisaje mexicano de la última década, entre ellos los del 26 de septiembre de 2014, cuando 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural Raúl Isidro Burgos de Guerrero, sufrieron desaparición forzada y las violentas protestas en junio del 2006 tras el desalojamiento del plantón de maestros en el zócalo de la ciudad de Oaxaca. Registrando tomas del entorno cotidiano de la ciudad de Oaxaca, en un lento y poderoso recorrido desde el zócalo hasta el Teatro Macedonio Alcalá, este video logra capturar las sutilezas del dolor y la lucha que acontecen en momentos donde lo mundano se confunde con lo místico.

Using long and slow video footage, Joskowicz reproduces “mytho-historical” moments captured from global collective memories, personal stories that have a historical dimension, and works that point to iconic pieces of art from the second half of the twentieth century and are anchored in the Latin American landscape. ‘Some Dead Don’t Make a Sound’ (Hay muertos que no hacen ruido) uses the Mexican legend of the Weeping Woman, (La Llorona), as a metaphor for a nation in mourning. In its different versions, the legend preserves elements of its indigenous essence and represents time, the road to the underworld, death in the supernatural, and hopelessness in the everyday. La llorona knows of the fate of her descendants and is impotent to do anything about it. Therefore, she is emblematic of the despair of a nation- an inescapable reference to several violent events of the last decade that have taken place in the Mexican landscape, amongst them, the events of September 26, 2014, when 43 students of the Normal Rural School of Guerrero Raul Isidro Burgos were murdered and the violent protests of June 2006 after the eviction of a teachers’ strike in the city of Oaxaca’s main square. Registering shots of the city’s cotidian life in a slow and powerful journey from Oaxaca’s main square (el Zócalo) to the Teatro Macedonio Alcalá, this video captures the subtleties of pain and struggle present in those moments when the mundane is confused with the mystical.

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< Los Rastreadores 2014Instalación de dos pantallas, HD Digital, color y sonido. 30’/ Two channel video installation, HD video, color and sound. 30’Vista general en CIFO Art Space / Installation view at CIFO Art SpaceMiami, Estados Unidos / Miami, United States

Los Rastreadores es un video de aproximadamente 30 minutos basado en uno de los western emblemáticos de la historia del cine dirigido por John Ford llamado The Searchers (Centauros del desierto/ Más corazón que odio) (1956) y protagonizado por John Wayne. Los Rastreadores no intenta recrear la película original, sino adaptar sus temas principales donde las similitudes se encuentran en el uso del paisaje local y lsus representaciones de tensiones raciales y de alienación. Centauros del desierto explora los valores estadounidenses que se encuentran al centro del género Western. Comienza con el regreso de Ethan Edwards a su casa a fines de la guerra civil americana, seguido por una masacre y el secuestro de dos sobrinas de la familia de Edwards por indios Commanches. Luego seguimos en detalle la búsqueda implacable y amarga de las chicas que lleva Edwards por cinco años.La importancia de Centauros del desierto reside en la representación del paisaje americano y la tensión entre sus habitantes. La acción se lleva a cabo en haciendas aisladas y puntos distanciados en las cercanías de Monument Valley. La importancia de Centauros del desierto se encuentra en sus representaciones poéticas de los espacios interiores y exteriores que definen a la civilización y la naturaleza, la humanidad y la alienación. Estas representaciones se realizan con el uso de puertas abiertas al desierto y luz enmarcada por la oscuridad de marcos de puertas o de cuevas.Temáticamente, (aunque particulares física y psicológicamente al paisaje Americano)

las cuestiones de raza, identidad, y política en Centauros del desierto son similares a la problematica presente en Bolivia actualmente. La tierra (y el paisaje) juegan una gran parte de la existencia de los pueblos de Bolivia. La coca ha sido una parte vital de su cosmología religiosa desde la época pre-incaica hasta el presente, la cual se utiliza para fines medicinales, culturales y religiosos. Como fuente de la cocaína, también se ha convertido en una fuente económica muy grande que inserta millones de dólares en el sector informal de la economía del país y ha producido varios narcotraficantes famosos. El protagonista principal de Los Rastreadores, Ernesto Suárez, es un narcotraficante recientemente liberado de una cárcel de Miami que regresa a su casa en Bolivia para partir inmediatamente en búsca de su familia cuyos miembros han sido secuestrados.El personaje de Ernesto se basa muy ligeramente en Roberto Suárez Gómez, narcotraficante Boliviano apodado “el rey de la cocaína” y el narcotraficante más poderosos en la historia boliviana (un híbrido de Suarez y Edwards). Los rastreadores destila cuestiones raciales, de clases sociales y de alienación en una narración mínimalista que condensa la masacre de la familia de Ernesto, el secuestro de su hija, y su posterior búsqueda. El uso de silencios y voz en off en lugar de diálogo tradicional se utiliza para amplificar el poder de la mitología donde la narrativa opera como un desplazamiento del discurso político en el país.

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Los Rastreadores is a very loose Bolivian adaptation of John Ford’s American Western classic film The Searchers. It does not attempt to recreate the original film but adapts its major themes where the similarities lie in the use of landscape and depictions of race and alienation. The Searchers explores American values at the heart of the Western genre. The Searchers’ greatest significance is its depiction of the American landscape and the tension between the people that inhabit it, not in towns but in remote outposts and isolated estates between the foothills of Monument Valley and in its poetic imagery of the interior and exterior spaces that define civilization and wilderness, humanity and alienation, through the use of doorways open onto the wilderness and light framed by the darkness of doorframes or caves. Thematically, although particular to the physical and psychological American landscape, the questions of race, kinship, identity, status, and responsibilities in The Searchers are akin to those in present day Bolivia. Since the colonial period, native Bolivian Indians have pursued integration to a white/mestizo society where explicit and implicit discrimination has always existed and where the white minority has historically held political and social power. Land (and landscape) plays a large part of the Andean peoples of Bolivia’s existence. The coca

plant has been a vital part of their religious cosmology from the pre-Inca period through the present, used for medicinal, cultural, and religious purposes. As the source for cocaine, it has also become a large source of unaccounted income for the country, bringing millions of dollars to the informal sector of the economy. Bolivia is the world’s second largest producer of cocaine after Colombia having produced its share of infamous drug lords. The main character in Los Rastreadores, Ernesto Suarez, is a drug lord who, recently released from a Miami prison, returns to his home in Bolivia only to immediately depart in search of his family’s only surviving members after a home invasion similar to the above mentioned lore. Ernesto’s character is modeled after Roberto Suárez Goméz, a Bolivian drug trafficker nicknamed “king of cocaine” and the most powerful drug lord in Bolivian history. Los Rastreadores merges and distills issues of race, belonging, class systems, and alienation into a minimal narrative that condenses the massacre of Ernesto’s family, the kidnapping of his daughter, and his departure to search for her. Using silences and voice-overs rather than traditional dialogue it centers on the power of myth where literal events operate as a displacement for the political discourse in the country.

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Simpatía por el diablo / Sympathy for the Devil2011Video de dos pantallas, HD Digital, color y sonido. 8’/ Two channel digital HD video, color and sound. 8’

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Sympathy for the Devil can be understood as a reflection on space and its influence on the human social dimension. Using the iconic view of the Illimani (a prominent mountain in the Bolivian Andes) two synchronized screens narrate an anecdote from 1970s Bolivia. They each depict the daily encounter between a Polish jewish refugee who arrived in Bolivia during the Second World War and his upstairs neighbor, the former Nazi Klaus Barbie (who lived under an assumed identity) in a building in a well to-do neighborhood in the city of La Paz. Both men lived parallel lives as neighbors and as European immigrants in exile

in Bolivia, mutually aware of each other’s presence in the building, meeting daily in the elevator. The cold landscape of La Paz serves as backdrop to highlight the contrast of the lives of these two men who left behind opposing destinies in Europe and shared a view in Bolivia. This simple interaction serves to highlight a recurring situation in Bolivia and Latin America at large in the postwar period when the region offered asylum to both persecuted Jews and Nazi Germans, antagonistic communities in Europe, which would coexist in relative lull in Latin America.

Making of Simpatía por el diablo / Sympathy for the Devil

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Simpatía por el diablo se puede entender como una reflexión acerca del espacio y su influencia en la dimensión social humana. Utiliza la vista icónica desde Sopocachi hacia el Illimani para narrar un evento anecdótico de la vida real, que ocurrió en la década de los setentas en Bolivia, en un edificio de un barrio acomodado de la ciudad de La Paz: el encuentro cotidiano entre un judío polaco, refugiado llegado al país durante la Segunda Guerra Mundial, y su vecino del piso superior, el ex nazi Klaus Barbie, quien vivía bajo una identidad asumida, escapando de la ley. Ambos hombres vivieron, como vecinos y en exilio, vidas paralelas como emigrantes europeos

en Bolivia y mutuamente conscientes de la presencia del otro en el edificio, encontrándose a diario en el ascensor. El frío paisaje paceño sirve de fondo para resaltar el contraste de las vidas que estos dos hombres, con destinos tan opuestos, dejaron atrás en Europa y compartieron en Bolivia. Este encuentro pone en evidencia la coyuntura boliviana y también latinoamericana de la posguerra, periodo en el cual la región brindó de asilo tanto a emigrantes judíos perseguidos como a victimarios nazis alemanes, comunidades antagónicas en Europa, que pudieron coexistir en relativa tregua en Latino América.

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Braithwaite, Hunter. “Interview with Claudia Joskowicz.” Fleeting Imaginaries (2014 CIFO Grants and Commissions Program Exhibition). Catalog. CIFO, Miami, FL, September, 2014.

HUNTER BRAITHWAITE: Can you tell me about the work you created for this exhibition?CLAUDIA JOSKOWICZ: Los Rastreadores is a two-channel work divided into four chapters. A wealthy family’s colonial house is introduced as the stage for a quinceañero, followed by a massacre involving drug traffickers and high-ranking government officials. The young daughter is kidnapped; there is a church service for the victims, and her father (himself a dark character) and his associates go in search of her. The first half explores interiors in a physical and symbolic manner and the second half moves to the exterior and towards a search, also physical and symbolic.The piece is inspired in part by John Ford’s 1956 film, “The Searchers.” I always start with something that already exists in the world—a book, a photograph, a film—so the film is a departure point, looking at how the landscape is framed, the metaphorical implications of that framing, and in how it treats race relations. It is one of the few westerns where the Indians are humanized.HB: How do the various settings convey the ideas of the piece?CJ: The film was shot entirely in my hometown: Santa Cruz, Bolivia. The decaying

mansion is a physical representation of how drug trafficking has permeated every aspect of daily life since the ‘80s. In that decade, the influx of unaccounted income pushed Santa Cruz into unprecedented overnight growth as well as bringing along the violence attached to that business. The government was implicit. Though politically the country has changed, those things have remained the same and are perhaps even worse today. There is, visible in the decay, remains of former grandeur. The church serves as transitional space, a pause from internal violence to external violence that begins with the search.

HB: The presence of the camera is very pronounced in all of your work.CJ: Structural film is a big influence in the formal aspects of my work. There is an

effort to draw attention back to the construction of what you are seeing. The landscape and built environment are main characters throughout my work, as are the structural elements in the videos (the camera work, the sound). They all come together to tell the story of the medium heightening the awareness that the viewer’s experience is a construct, that it’s not just about what is being recorded, but also of how it is being recorded.

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Braithwaite, Hunter. “Interview with Claudia Joskowicz.” Imaginarios Pasajeros (2014 CIFO Programa de Becas y Comisiones). Catálogo. CIFO, Miami, FL, Septiembre, 2014.

HUNTER BRAITHWAITE: ¿Me puedes hablar acerca de la obra que has creado para esta exposición?CLAUDIA JOSKOWICZ: Los Rastreadores es una instalación de dos canales dividida en cuatro capítulos. Una casa colonial de una familia adinerada se presenta como el escenario de un quinceañero, seguida por una masacre en la cual se involucran narcotraficantes y funcionarios gubernamentales de alto rango. La joven es secuestrada; hay un servicio religioso en memoria de las víctimas, y su padre (un personaje oscuro) sale en busca de ella con sus asociados. La primera mitad explora los interiores de una manera física y simbólica y la segunda mitad se mueve al exterior y hacia la búsqueda, también física y simbólica.La obra está inspirada en parte por la película de 1956 de John Ford The Searchers1. Siempre empiezo con algo que ya existe en el mundo –un libro, una fotografía, una película– por lo que la película es un punto de partida en lo que respecta a la manera de encuadrar el paisaje, las implicaciones metafóricas de ese encuadre y la manera en que trata las relaciones raciales. Es uno de los pocos westerns donde los indios americanos son humanizados.HB: ¿Cómo transmiten las ideas de la obra las diferentes locaciones?CJ: El video fue filmado en mi ciudad natal: Santa Cruz, Bolivia. La mansión en ruinas

es una representación física de cómo el narcotráfico ha permeado cada aspecto de la vida diaria desde los años de 1980. En esa década, la entrada de ingresos ilegales llevó a Santa Cruz a un crecimiento sin precedentes de la noche a la mañana que al mismo tiempo trajo consigo la violencia vinculada con ese negocio. El gobierno estaba implícito. Aunque políticamente el país ha cambiado, las cosas siguen igual y quizás aún peor en la actualidad. En la decadencia se encuentran restos visibles de grandeza. La iglesia sirve como un espacio de transición, una pausa de la violencia interna a la violencia externa que comienza con la búsqueda.

HB: La presencia de la cámara es muy pronunciada en toda tu obra.CJ: El cine estructural es una gran influencia en los aspectos formales de mi trabajo.

Se hace el esfuerzo de enfocar atención en la construcción de lo que se está viendo. El paisaje y lo urbano son personajes principales a través de mi obra como

1 The Searchers se promocionó en Latinoamérica con el nombre de Más corazón que odio y en España como Centauros del desierto.

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HB: With Round and Round and Consumed by Fire, (2010), you examine the legend of Butch Cassidy and the Sundance Kid, a story many first remember as the product of Hollywood, and then of history.

CJ: That piece is part of a trilogy called “Reenactments” that recreates three events in Bolivian history. Those videos look at that exact moment when a historical event becomes mythologized. Another video in the series, Vallegrande, 1967 reenacts the display of Che Guevara’s corpse for the media after his assassination by the Bolivian army in 1967. The Christ-like figure of the dead Che, with open eyes, lying on a concrete slab in the laundry room of the Nuestra Señora de Malta hospital in Vallegrande, was an iconic image distributed worldwide. My video, based on these photographs, was filmed in that same laundry room now a tourist pilgrimage site.

After the trilogy I made Sympathy for the Devil (2011) which doesn’t depart from a single historical moment but a family anecdote. In it, a Jewish man refuses to share an elevator with Klaus Barbie, a former Nazi commandant, who happens to live in the apartment above. This simple interaction highlights a recurring situation in Latin America during the postwar period when the region offered asylum to both persecuted Jews and Nazi Germans. In relation to the rest of my body of work, this piece is the most personal. Although the moment is ordinary; its historical significance is perhaps greater than in any of the others. Klaus Barbie (Altmann) makes a reappearance in Los rastreadores. His work with several military dictatorships and his role in the coup that instituted the Bolivian Narco-state in 1980 set the stage for the fictional massacre in the film.

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también lo son los elementos estructurales de los videos (el manejo de cámara, el sonido). Todo eso se une para contar la historia del medio realzando que la experiencia del espectador es una construcción, que no se trata sólo de lo que está siendo grabado, sino también de la forma en la que está siendo grabado.

HB: Con Round and Round and Consumed by Fire (2009) examinas la leyenda de Butch Cassidy y el Sundance Kid, una historia que muchos primero recuerdan como el producto de Hollywood y luego de la historia.

CJ: Esa obra es parte de una trilogía llamada Reenactments (Recreaciones) que recrea tres momentos de la historia boliviana. Esos videos se enfocan en el momento exacto cuando un acontecimiento histórico se convierte en mito. Otro video de la serie, Vallegrande, 1967 recrea la exhibición del cadáver del Che Guevara ante la prensa después de que fuera asesinado por el ejército boliviano en 1967. La figura del Che muerto, semejante a la de Jesús, con los ojos abiertos, tendido sobre una losa de cemento en la lavandería del hospital Nuestra Señora de Malta en Vallegrande, se convirtió en una imagen icónica y fue distribuida mundialmente. Mi vídeo, basado en esas fotografías, fue filmado en la misma lavandería, que ahora es un lugar de peregrinación turística.

Después de la trilogía, realizé Sympathy for the Devil (Simpatía por el diablo) (2011), que no parte de un momento histórico singular, sino de una anécdota familiar. En él, un judío se niega a compartir el ascensor con Klaus Barbie, un ex-comandante nazi, quien por casualidad vive en el apartamento de arriba. Esta simple interacción resalta una situación recurrente en Latinoamérica durante el período de la posguerra, cuando la región brindó asilo tanto a emigrantes judíos perseguidos como a nazis alemanes. En relación al resto de mi obra, esta es la más personal. Aunque el momento es ordinario, su importancia histórica es quizás mayor que en cualquiera de los otros. Klaus Barbie (Altmann) reaparece en Los rastreadores. Su trabajo con varias dictaduras militares y su rol en el golpe de estado que instituyó el narco-estado boliviano en 1980 sirven de punto de partida para la masacre ficticia en la película.

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Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte - Segun Ruscha/ Every Building on Avenida Alfonso Ugarte - After Ruscha2011Instalación de dos pantallas, HD Digital, color y sonido. 26’/ Two channel video installation, HD video, color and sound. 26’

Every Building on Avenida Alfonso Ugarte - After Ruscha takes as its inspiration the American artist Edward Ruscha’s photo book “Every Building on the Sunset Strip” (1966) in which he photographed four kilometers of the Sunset Strip in Los Angeles with a motorized camera mounted on the back of a truck. Every Building on Avenida Alfonso Ugarte - After Ruscha, a two-channel video installation, uses a continuous tracking shot that takes inventory of a quotidian Bolivian landscape (and just as Ruscha’s book could be the reproduction of the urban landscape of any industrialized city, this could also depict any contemporary third world city). It documents and simultaneously recreates the Avenida Alfonso Ugarte, a major thoroughfare in El Alto, a satellite city of the of La Paz – a site of a significant event in Bolivia’s recent history. El Alto, one of the largest urban centers and fastest growing in Bolivia is also one of the sites where violent protests related to the Bolivian gas conflict in October 2003 took place. In a 26-minute long, continuous take, Every Building on Avenida Alfonso Ugarte juxtaposes the mundane with ritual and social conflict inserting one single still scene of violence into the register of the typical scenery of daily Bolivian life thus capturing the variegated reality of El Alto, and, by extension, also that of all developing countries.

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Cada edificio en la Avenida Alfonso Ugarte- Segun Ruscha toma como inspiración el libro fotográfico del pintor norteamericano Edward Ruscha “Every Building on the Sunset Strip” (1966). La obra de Ruscha, temáticamente, se centra en el paisaje vernacular de Los Angeles y los paisajes del sur de California y incorpora un comentario político sutil bajo una firme rigidez formal. En este video de dos pantallas se utiliza una toma continua que toma inventario de un paisaje boliviano cotidiano (y que, asimismo como el libro de Ruscha, podría ser la reproducción del paisaje urbano de cualquier ciudad industrializada y, también, el paisaje de cualquier ciudad contemporánea del tercer mundo). En él se documenta, y al mismo tiempo se recrea, un sitio y evento significativo de la historia reciente de Bolivia: la Avenida Alfonso Ugarte, una importante vía publica de El Alto, ciudad satélite de la ciudad de La Paz. El Alto, uno de los centros urbanos más grandes y de más rápido crecimiento en Bolivia es, también, uno de los principales sitios donde tuvieron lugar las protestas violentas relacionadas con el conflicto del gas boliviano de octubre 2003. En una larga toma de 26 minutos se registra la vida cotidiana de una avenida en El Alto, yuxtaponiendo lo mundano con lo ritual y el conflicto social sobre una sola escena predeterminada, de los enfrentamientos típicos que vivimos a diario: así, además de capturar la realidad abigarrada y el genio del lugar de El Alto, por extensión, también revela la de los países en vías de desarrollo.

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Making of Cada edificio de la Avenida Alfonso Ugarte - Segun Ruscha/ Every Building on Avenida Alfonso Ugarte - After Ruscha

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Round and Round and Consumed by Fire2009Video mono canal, video HD en DVD Blu-ray, color y sonido. 8’ / Single channel video, HD video on Blu-ray DVD, color and sound. 8’

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Round and Round and Consumed by Fire is a reenactment of the shootout and subsequent death of Butch Cassidy and the Sundance Kid, nineteenth century American outlaws and leaders of the Hole-in-the-Wall Gang. Historians believe that Butch and the Sundance Kid died in a shoot-out in San Vicente, Bolivia, a town in southern Bolivia where they had fled after robbing the payroll of the Aramayo Mining Co. The story was fictionalized in the 1969 film “Butch Cassidy and the Sundance Kid,” a film only loosely based on historical fact that popularized the legends of Butch and Sundance. Shot as a slow moving circular tracking shot, the camera tracks a circle around the entire periphery of a generic small Bolivian town main street during the gun fight. Only loosely based on the film mentioned above, this recreation of its final scene results in a diluted rendering of what may have been the original shoot out, if it, in fact, ever happened.

Round and Round and Consumed by Fire recrea la balacera en la cual murieron Butch Cassidy y el Sundance Kid en Bolivia a fines del siglo diecinueve. Se cree que la suerte de Butch Cassi- dy (líder de la Pandilla Salvaje, acompañado por su amigo Sundance Kid) se jugó en un pueblito minero llamado San Vicente donde habían huido después de robar la compañía minera Aramayo en Tupiza. La historia fue recreada en 1969 en la película “Butch Cassidy and the Sundance Kid,” un éxito taquillero que se basa vagamente en el hecho histórico y que popularizó la leyenda de Butch y Sundance mundialmente. Mi recreación usa una toma panorámica circular que recrea la escena final de la película evitando reproducir acción alguna y concentrándose en el efecto de la imagen en el paisaje –distanciandola así aún más del hecho real.

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Making of Round and Round and Consumed by Fire

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Vallegrande 19672008Single channel video, HD video on Blu-ray DVD, color and sound. 8’ / Single channel video, HD video on Blu-ray DVD, color and sound. 8’

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Making of Vallegrande 1967

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Vallegrande,1967 reenacts the display of guerrilla combatant Che Guevara’s corpse for the press after his assassination by the Bolivian army in La Higuera in 1967. The Christ-like figure of the posthumous Che was filmed as a slow moving tracking-in shot in the same laundry room room of the Nuestra Señora de Malta hospital in Vallegrande where Guevara’s body was laid. The small building, now covered in memorial graffiti written by Che admirers has become one of the most venerated stops on the “Che tourist path” and thus, part of the Che myth.

En Vallegrande, 1967 se recrea la presentación a prensa del cadáver de Che Guevara después de su asesinato en La Higuera en 1967. El cuerpo del Che tendido en el lavadero del hospital Nuestra Señora de Malta en Vallegrande fue fotografiado repetidamente y desde entonces aquella imagen icónica ha sido distribuida por todo el mundo. La obra fue filmada utilizando una toma de acercamiento muy lenta que comienza en el campo que rodea al hospital y termina en la misma lavandería. El pequeño edificio, ahora cubierto de graffiti, se ha convertido en una de las paradas más veneradas en la “ruta turística del Che” y, por tanto, parte del mito del Che. Al igual que en Arrastrado y descuartizado, el significado de la violencia es sustituido por una serie de tomas construidas por el paisaje que la rodea.

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Arrastrado y descuartizado / Drawn and Quartered2007HD video en Blu-ray DVD, color y sonido. 8’ / Single channel video, HD video on Blu-ray DVD, color and sound. 8’

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Drawn and Quartered is a recreation of a diorama on permanent exhibition at the Museo Costumbrista in La Paz, Bolivia that depicts the execution of Tupac Katari, a leader in the rebellions of indigenous people in Bolivia who was executed by the Spanish colonialists in 1781. Shot as a slow moving tracking shot, the camera moves across Plaza Alonso de Mendoza in La Paz and happens upon the execution. The urban fabric, and the execution’s effect upon it, are manipulated by a limited set of images which occupy the camera and reorganize the landscape.

En Arrastrado y descuartizado se reproduce la ejecución pública en 1781 del líder de las rebeliones indígenas Bolivianas Tupac Katari quien encabezó alzamientos contra el poder colonial español y murió ejecutado por descuartizamiento. Hoy, Túpac Katari es recordado como héroe por los movimientos indígenas Bolivianos. Utilizando una toma panorámica que se mueve de izquierda a derecha, la cámara cruza una plaza de la ciudad de La Paz y se encuentra casualmente con la ejecución. El significado de este acto violento es reprimido y sustituido por una serie de tomas construidas por los espacios exteriores que lo rodean. La ejecución, y su efecto sobre la fábrica urbana, son manipulados por las imágenes que ocupan la cámara y reorganizan el paisaje.

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Making of Arrastrado y descuartizado / Drawn and Quartered

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Simpatía por el DiabloPor Susan SilasPublicado en www.hyperallergic.com el 17 de Diciembre de 2012

Claudia Joskowicz es maestra del travelling. En su video “Music to Watch Dead Girls By” (2006), la cámara se mueve sin corte alguno por 20 minutos corridos por un recinto interior que pareciera ser eterno, entrando y abandonando habitaciones, descubriendo y dejando chicas muertas en su recorrido. En sus siguientes series la cámara se mueve hacia el exterior y se aleja de recursos culturales netamente pop, aunque nunca de la cultura pop como tal, comenzando así con la exploración de eventos históricos y “espacios reales” basados en anécdotas y hechos históricos verídicos, la mayor parte enfocados en su país natal Bolivia.En “Vigilar y Castigar” de Michel Foucault, se describe de manera exquisita el hecho de ser arrastrado y descuartizado (en la edición Vintage de bolsillo). El texto está inspirado en una descripción de fines de 1700, la cual avanza por tres páginas. En “Arrastrado y Descuartizado” (2007) la cámara de Joskowicz lentamente avanza a través de la Plaza Alonso de Mendoza hasta que se encuentra con el cuerpo extendido de Tupac Katari, quien fue ejecutado en 1781 por los españoles colonizadores. Mientras el trabajo está basado en un hecho histórico, ha tomado también inspiración y quizás líneas directrices no de registros históricos sino de otra representación, una recreación panorámica del incidente perteneciente al Museo Costumbrista de La Paz. Este patrón, casi como un juego del teléfono en el cual el artista toma una representación previa de un hecho histórico, a menudo de una fuente popular, y lo proyecta nuevamente, crea una nueva transmisión y una mayor conciencia de este proceso, es un modus operandi fundamental en el trabajo de Joskowicz.Desde la plaza, las series se mueven hacia lo que Joskowicz describe como el paisaje “mito-histórico” de Bolivia. En el segundo trabajo de la trilogía, “Vallegrande, 1967” (2008), la cámara (al estilo “Wavelength” de Michael Snow) se mueve muy lentamente hacia un edificio pequeño. La construcción, cubierta por grafittis que conmemoran al Che Guevara, es el lugar real donde se expuso el cuerpo muerto del Che a la prensa en 1967. Mientras la cámara se mueve hacia el sombrío interior, va revelando una reconstrucción de la famosa escena fotografiada por Freddy Alberto el 10 de Octubre, recreándola al estilo del Cristo Muerto de Mantegna.En el último trabajo de la trilogía, “Round and Round and Consumed by Fire” (2009), las tomas nos llevan a las muertes de Butch Cassidy and the Sundance Kid. En esta ocasión, la cámara no se mueve lentamente hacia el sujeto, sino que forma un círculo completo alrededor de un pequeño pueblo Boliviano.

La muestra actual de Joskowicz en Forever&Today, Inc, curada por Sara Reisman, presenta un nuevo trabajo, “Sympathy for the Devil” (“Simpatía por el Diablo”) (2011). En esta nueva entrega se nos presenta un espacio visual más complejo; en vez de un video monocanal, vemos dos pantallas con un lento travelling de cámara en cada una. Este trabajo comienza con una anécdota. Educada como primera generación americana, encontré varias de éstas: pequeños trozos de historia adheridos a personas particulares, quienes pasaron dichos fragmentos a sus hijos y nietos. Como la información anecdótica no es analítica ni objetiva, a menudo presenta una muy bien cuidada y cristalina cuota de chisme que logra encapsular en una narrativa acotada las condiciones predominantes y las situaciones dentro de las cuales la historia transcurrió de manera más vívida que en una larga exégesis histórica.En el caso del video de Joskowickz, la historia es narrada por su cuñado, quien habla sobre su padre, un Judío Polaco que escapó a Bolivia durante la Segunda Guerra Mundial. El padre se encuentra a sí mismo viviendo en el mismo edificio que Klaus Barbie, quien fue cabeza de la Gestapo en Lyon –luego fue conocido como el “Carnicero de Lyon”– y fue considerado directamente responsable de la muerte de más de 14.000 personas. El padre Judío Polaco y su hijo van a abordar un ascensor en el edificio cuando las puertas se abren para revelar a Barbie en su interior. El padre extiende su brazo para bloquear la entrada al confundido hijo. La puerta se cierra, y Barbie se retira por el ascensor solo.Bolivia se transformó en hogar para refugiados europeos pero a la vez aceptó ex nazis con los brazos abiertos –nazis que paseaban libres a plena luz del día, acogidos por el gobierno, rozándose por las calles a diario con Judíos que no pueden hacer nada al respecto. No subir al ascensor era lo más que alguien podría hacer a modo de protesta. Mostrándonos esta literal confrontación en un espacio tan reducido, en un edificio urbano, en un país pequeño, Joskowicz nos hace sentir la claustrofobia de un mundo muy pequeño en el cual quienes cometen las peores atrocidades viven junto a nosotros sin consecuencias. Y al hacerlo, el trabajo apunta a los enormes obstáculos existentes hacia la reconciliación en muchas partes del mundo que han sido destruidas y traumatizadas por la guerra.La coordinación de ambas cámaras en movimiento es excelente: una se mueve de manera circular partiendo desde atrás de las cabezas del abuelo y nieto hacia el estrecho pasillo del rascacielos urbano; la otra se desplaza lentamente desde la ventana, revelando una vista hacia afuera de los Andes Bolivianos. Esta vista que cada hombre ve desde su respectivo departamento representa un mundo de lugares comunes que ellos comparten, debido a una historia en la cual, en esencia, perdieron su hogar original por causa del otro. Ambos hombres viven con la otra presencia muy cerca, lo que le recuerda a diario su relación con el otro y con la historia.

Sympathy for the Devilby Susan Silas Published on www.hiperallergic.com on December 17, 2012

Claudia Joskowicz is the master of the tracking shot. In her video “Music to Watch Dead Girls By” (2006), the camera moves seamlessly for 20 minutes through an endless interior, entering into and departing from rooms, discovering and leaving dead girls in its wake. In her next series, the camera moves outdoors and away from directly pop cultural source material, but never far from pop culture, beginning its examination of historical events and “real spaces” based on anecdotal histories and actual historical events, for the most part focused on her home country of Bolivia.In Michel Foucault’s Discipline and Punish, being drawn and quartered is exquisitely described on the third page (in the Vintage edition paperback). The text is taken from a description dating from the late 1700s, and it goes on for three pages. In “Drawn and Quartered” (2007) Joskowicz’s camera slowly tracks across Plaza Alonso de Mendoza until it happens upon the outstretched body of Tupac Katari, who was executed in 1781 by the colonizing Spaniards. While the work is based on a historical event, it has taken its inspiration and perhaps directorial cues not from historical records but rather from another representation, a diaoramic recreation of the incident that is housed at the Museo Costumbrista in La Paz. And this pattern, almost a game of telephone in which the artist takes a previous representation of a historical event, often from a popular source, and recasts it again, creating a new transmission and a heightened awareness of that process of transmission, is a principle modus operandi for Joskowicz.From the town plaza, the series moves forward into what Joskowicz describes as Bolivia’s“mytho-historic”landscape. In the second work in the trilogy, ”Vallegrande, 1967” (2008), the camera (Michael Snow “Wavelength”-style) moves very slowly toward a small building. The building, covered in graffiti memorializing Che Guevara, served as the actual location for the display of Che’s dead body to the press in 1967. As the camera moves into the shaded interior, it reveals a reenactment of the famous scene photographed by Freddy Alberto on October 10th, re-imagined as Mantegna’s dead Christ.In the last work of the trilogy, “Round and Round and Consumed by Fire” (2009), we see the shootout leading to the deaths of Butch Cassidy and the Sundance Kid. Here, rather than the camera moving slowly toward the subject, it forms a complete circle around a small Bolivian town.

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Joskowicz’s current exhibition at Forever & Today, Inc., curated by Sara Reisman, presents a new work, “Sympathy for The Devil” (2011). Here we are presented with a more complex visual space; rather than a single-channel video, we see two channels with the camera slowly tracking in each one.This work begins with an anecdote. In my upbringing as a first-generation American, there were many of these: small chunks of history that had adhered to particular persons who passed those fragments along to their children and grandchildren. While anecdotal information is neither analytic nor objective, it often presents a carefully preserved, chrystalline tidbit that’s able to encapsulate in a short narrative the prevailing conditions and situation in which the story transpired more vividly than a long, historical exegesis.In the case of Joskowicz’s video, the story was told by her brother-in-law about his father, a Polish Jew who escaped to Bolivia during the Second World War. The father found himself living in the same building as Klaus Barbie, who had been the head of the Gestapo in Lyon — he later became known as the “Butcher of Lyon” — and was considered directly responsible for the deaths of over 14,000 people. The Polish Jewish father and his son were about to step into the elevator in the building when the doors opened to reveal Barbie standing inside. The father put his arm out to block the puzzled son from entering. The doors shut, and Barbie moved through the elevator shaft alone.Bolivia became home to European refugees but at the same time accepted former Nazis with open arms — Nazis who paraded about in the streets in broad daylight and were embraced by the government and were passed on the street daily by Jews who were powerless to do anything. Not getting into the elevator was about as much as one could do to protest. By literally showing us this confrontation in a tiny space, in an urban building, in a small country, Joskowicz makes us feel the claustrophobia of a small world in which those who commit the most egregous attrocities live among us without consequence. And by doing so, the work points to the enormous obstacles to reconciliation in many war-torn and traumatized parts of the world.The coordination of the two tracking cameras is exquisite: one moves in a circular motion from the backs of the heads of the grandfather and grandson into the tight hallway of the urban skyscraper; the other shifts slowly back from the window, revealing a view out the window of the Bolivian Andes. This view that each man sees from his respective apartment represents a world of sameness that they share, due to a history in which one, in essence, lost his original home because of the other. And each man lives with the other’s presence very close by, reminded daily of their relationship to one another and to history.

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REC RE AC ION ESClaudia Joskowicz08 - 31 enero 2015

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Recreaciones es la primera muestra individual de la artista boliviana Claudia Joskowicz en Chile y está compuesta por tres vídeos mono canales titulados Arrastrado y descuartizado (2009), Vallegrande, 1967 (2008) y Round and Round and Consumed by Fire (2007) en los que la artista recrea momentos mito-históricos en el paisaje boliviano.

Recreacions (Recreations) is the first solo exhibition by the Bolivian artist Claudia Joskowicz in Chile. It includes three single-channel videos in which the artist recreates mythical-historical moments set amid the Bolivian landscape: Arrastrado y descuartizado (Drawn and Quartered) from 2007; Vallegrande, 1967 from 2008; and Round and Round and Consumed by Fire from 2009.

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This catalog forms part of a collection of 21 exhibition summaries edited by Die Ecke Contemporary Art and designed by Pretzel, with the support from Fondart of the National Council for Culture and the Arts of Chile. 500 copies have been printed, 50 of which have been signed by the artist.

Este catálogo forma parte de una colección de 21 ejemplares cuyo trabajo editorial estuvo al cuidado de la galeria Die Ecke Arte Contemporáneo y su diseño a cargo de Pretzel gracias al apoyo de Fondart del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes de Chile. Se han impreso 500 ejemplares de los cuales 50 fueron firmados por la artista.

Die Ecke Arte Contemporáneo ©Registro de propiedad intelectual: 253422ISBN: 978-956-9516-06-1Editor: Die Ecke Arte ContemporáneoDiseño colección: Fig.1Textos: texto de Hunter Brathwaite cortesía del autor y de CIFO, Miami. Texto de Susan Silas cortesía del autor y de www.hyperallergic.comFotografía: cortesía de la artista y de los autoresTraducción: Gabriela Dobo / Cristina WichmanImpresión: Ograma

Proyecto financiado por FONDART, Convocatoria 2014

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RECREA-CIONESClaudia Joskowicz

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