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Do 16.3.
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Fr 17.3.
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Sa 18.3.
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So 19.3.
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Mo 20.3.
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Di 21.3.
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Mi 22.3.
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Do 23.3.
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Fr 24.3.
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Sa 25.3.
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So 26.3.
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HBF – End of the Contemporary S. 46
HBF – End of the Contemporary S. 46
HBF – End of the Contemporary S. 46
HBF – End of the Contemporary S. 46
HBF – Smetak Workshops S. 51 HBF – Smetak Symposium S. 51
DAAD – Smetak Symposium S. 50
HBF – Time Concepts in Computer Games S. 46
HBF – Time Concepts in Computer Games S. 46
HBF – Time Concepts in Computer Games S. 46
DAAD – Smetak Workshops S. 51
HBF – End of the Contemporary S. 46
HBF – Chorus in cc. Workshop S. 47
HBF – Chorus in cc. Workshop S. 5
HBF – Gender Relations S. 46
HBF – Time()Pieces S. 46
HBF – Time()Pieces S. 46
HBF – Time()Pieces S. 46
HBF – Time()Pieces S. 46
HBF – Time()Pieces S. 46
HBF – Lab Morton / Walshe S. 46
HBF – Good Morning S. 47
HBF – Film Jo Kondo S. 47
HBF – Gender Relations S. 46
HBF – Gender Relations S. 46
HBF – Thinking Together Conference „Decolonizing Time“ S. 46
AdK – Sonar I S. 38 AdK – Sonar II S. 38
HBF – Film Lucier S. 47
HBF – Thinking Together Conference „Decolonizing Time“ S. 46
KW – The Long Now S. 40
Talk
AdK = Akademie der Künste, Berlin DAAD = daadgalerie HBF = Haus der Berliner Festpiele
KAH = Kirche Am Hohenzollernplatz KW = Kraftwerk Berlin
PK = Parochialkirche RS = Radialsystem VSAVVY = SAVVY Contemporary
So 26.3
10:00 11:00 12:00 13:00 14:00 15:00 16:00 17:00 18:00 19:00 20:00 21:00 22:00 23:00 24:00 Dauerformate
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Di 21.3.
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HBF – Talk S. 46 HBF – Ictus & Reiter S. 16
HBF – Arditti & Walshe S. 20
RS – KNM Berlin S. 26Talk
HBF – Story Telling for Earthly Survival S. 30
SG – Hennix II S. 32
KAH – Graindelavoix S. 18
HBF – Walshe S. 22
DAAD – Smetak S. 50
SAVVY – Eastman S. 49
RS – QuerKlang S. 24
UdK – QuerKlang S. 24
AdK – Sonar II S. 38
HBF – Ensemble Modern S. 34
PK – Lucier & Grisey S. 36
KW – The Long Now S. 40
SAVVY – Eastman S. 49
SG – Hennix I – Pre-opening S. 10
HBF – Eastman & Barthélémi – Opening S. 12
HBF – Talk S. 47
KW – The Long Now S. 40
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Konzerte / Performances Thinking Together Installations / ExhibitionsSG = silent green KulturquartierUdK = Universität der Künste Berlin
Sa 25.3
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Als das Ictus Ensemble 2015 Berno Odo Polzers erste Ausgabe von Maerz Musik – mit dem neuen Untertitel „Festival für Zeitfragen” – eröffnete, war das eine Offenbarung: ein offe-ner, flüssiger Raum, durch den das Publikum auf der Hauptbühne ständig in Bewegung war und zwischen verschiedenen Aufführungs-situationen pendelte.
Das Haus der Berliner Festspiele wirkte plötz-lich nicht mehr wie ein Theaterraum der 1960er Jahre, sondern wie eine moderne Factory des experimentellen Musikhörens. Ähnliches ge-schieht seither jeweils am Ende des Festivals, wenn das Langzeit-Format „The Long Now“ das Kraftwerk in Berlin Mitte für über 30 Stun-den zu einer Musik-Raum-Kapsel werden lässt, mit der man durch die unterschiedlichsten musi kalischen Welten reist.
Auch aus solchen Format-Erfahrungen speist sich die Idee zur Programmreihe „Immersion“, die die Berliner Festspiele nach einem Auftakt im Herbst 2016 ab Sommer 2017 für zwei Jahre zum Experimentierfeld neuer Erlebnis formen von Kunst werden lassen. Berno Odo Polzers Maerz Musik – Festival für Zeitfragen steht dazu komplementär, visionär und inspirierend und stellt gleichzeitig, im festivaleigenen Denk-raum „Thinking Together“, kritische Fragen an unsere Institutionen und ihr Kulturverständnis. Nach den Themen „The Politics of Time” (2015) und „Time and the Digital Universe” (2016) liegt in diesem Jahr der Schwerpunkt auf
„Decolonizing Time“.
Maerz Musik – Festival für Zeitfragen 2017
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Ich danke Berno Odo Polzer für die anregenden Impulse und wünsche uns allen erkenntnis- und erlebnisreiche Tage: Don’t look at it – go into it.
Thomas Oberender Intendant der Berliner Festspiele
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MaerzMusik – Festival for Time Issues 2017
When the Ictus Ensemble opened MaerzMusik in 2015, which was the first edition under the artistic direction of Berno Odo Polzer, carrying the new subheading of “Festival for Time Issues”, it was an epiphany: an open, fluid space on the main stage, where the audience was in continual motion, moving among the various performance situations.
Suddenly, the Haus der Berliner Festspiele no longer appeared to be a theatre space from the 1960s, but rather a modern Factory of experimental ways of listening to music. There is a similar experience at the end of each festival edition, when the long-term format “The Long Now” transforms the Kraft-werk-venue in Berlin-Mitte into a musical space capsule which takes the audience on a journey through diverse musi-cal worlds.
The experience of these formats was one of the inspirations for the programme series “Immersion”, which was launched in the autumn of 2016 and will turn Berliner Festspiele into a field for experimentation with new forms of experiencing art for a further two years. Berno Odo Polzer’s “MaerzMusik – Festival for Time Issues” takes a complementary position to this, providing visions and inspiration. At the same time, the festival’s space for conceptual thought, “Thinking Together”, critically reflects on our institutions and their concept of culture. Following the topics of “The Politics of Time” (2015) and “Time in the Digital Universe” in 2016, this year will see a focus on “Decolonizing Time”.
I would like to thank Berno Odo Polzer for these stimulating impulses and I am looking forward to a festival full of insights and adventures: Don’t look at it – go into it.
Thomas OberenderDirector Berliner Festspiele
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Im März 2015, während der ersten Ausgabe dieses „Festival für Zeitfragen“, hätten nur wenige die grundsätzliche Stabilität westlicher Demokratien bezweifelt. Die Europäische Union schien „too big to fail“. „Flüchtlingskrise“ war kein vertrauter Begriff auf dem Kontinent und Terroranschläge waren eine Ausnahmeerscheinung, zumindest für eine Mehrheit der Europäer*innen, die in der Annahme schlummerte, dass ihre Festung der Privilegien sich selbst erhalten würde, unein-nehmbar und sicher sei.In der zweiten Ausgabe im März 2016 standen
„Faktentreue“ und „Politik“ in gewohntem Span-nungsverhältnis zueinander. Der Begriff „post-faktische Politik“ – „post-truth politics“ –, der von Oxford Dictionaries zum Wort dieses Jahres ge-krönt wurde, kam nur wenigen bekannt vor und ließ noch nicht die Alarmglocken schrillen, die dann der Brexit und die US-Präsidentenwahlen ausgelöst haben. Zwei wahllose Jahre, die mit den ersten beiden Ausgaben von MaerzMusik – Festival für Zeit-fragen zusammenfallen. Zwei Jahre, die lange genug waren, um eine merklich andere Welt hervorzubringen.
Einst, so sagt man, wurden Festivals gefeiert, um die Zeit zu markieren und ihr zu trotzen – Festivals waren Maßeinheiten für Veränderung, Gefäße des kollektiven Bewusstseins und Gedächtnisses, Gelegenheiten der Selbstvergewisserung einer Gemeinschaft. Heute ist es verlockend, diesen scheinbar weit hergeholten Ansatz wieder in Be-tracht zu ziehen. Denn eine Frage bleibt offen und erscheint wichtiger denn je: Was kann ein Festival – und ich würde hinzufügen: Was kann ein Festival, das inmitten Europas verortet ist, – heute sein? Wie kann es sich verhalten ange-sichts der Gewalt, Degradierung, Instabilität und Angst, die „uns“ umgibt? Wie kann es ein neues
Maerz Musik – Festival für Zeitfragen 2017
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„Uns“ reflektieren, zur Sprache bringen und be-heimaten, das im Zuge der rasanten Neuordnung lokaler und globaler Verhältnisse entsteht? Wie kann ein Festival der Tatsache gerecht werden, dass es ein öffentlicher, gemeinschaftlicher und dadurch politischer Raum ist?
Maerz Musik 2017 gibt keine Antwort, sondern ist eher der Versuch, solche Fragen zu stellen: mit den Mitteln eines Festivals, das im Hören verwur-zelt ist, das Konzerten, Performances, Installati-onen, Filmpräsentationen, Diskurs und Ausstel-lungen Zeit und Raum gibt.Die zehn komponierten Abende, aus denen MaerzMusik besteht, reflektieren Anliegen, die mit dem Leben der Gegenwart zu tun haben – künstlerische Anliegen insbesonders. In chrono-logischer Reihenfolge beschäftigen sie sich mit klanglicher Immersion, Marginalisierung, Rassis-mus, Homophobie, Kolonisierung, Psychogram-men westlicher Gesellschaften, der Normativität künstlerischer Praktiken, Gender, Umwelt- und Finanzkrisen, Ungleichheit, spekulativer Ge-schichtsschreibung, Gedächtniskulturen, Science Fiction, spekulativer Narration, „multispecies feminism” , Mystizismus, Kollektivität, Befreiung, Spiritualität und der Wahrnehmung von Zeit, um nur die wichtigsten zu nennen. Gleichzeitig bil-den die im Festival präsentierten künstlerischen Arbeiten ihre jeweils eigene Welt. Unabhängig von ihrer kuratorischen Kontextualisierung ste-hen und sprechen sie für sich und sind offen für alle möglichen Wahrnehmungsweisen und Lesarten.
Wir freuen uns darauf, Sie bei MaerzMusik – Festival für Zeitfragen 2017 zu begrüßen.
Berno Odo Polzer Künstlerischer Leiter
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In March 2015, during the first edition of this “Festival for Time Issues,” few would have doubted the fundamental stability of Western democracies.The Euro pean Union seemed too big to fail; “refugee crisis” was not a familiar term on the continent, and terror attacks were still an exception, at least for a majority of Europeans dormant in the assumption that the castle of privilege was self- maintaining, impregnable and secure. In the second edition in March 2016, “truth” and “politics” were at odds as ever, but “post-truth” politics, the Oxford Dictionaries’ word of that year, did not yet ring a bell for many, least an alarm bell triggered by the Brexit vote and the US presidential elections. Two random years picked by the last editions of Maerz - Musik – Festival for Time Issues. Two years, long enough to give rise to a markedly different world.
Once, it is being said, festivals were celebrated to mark and defy time – measures for change, vessels for conscious-ness and collective memory, self-reassurances of commu-nities. It is tempting to imagine this seemingly far-fetched ap proach be applied again today. The question remains, and is more pressing than ever: What can a festival – and I would add: what can a festival located in the midst of Europe – be today? How can it relate to the violence, de - gra dation, instability and fear that surround “us”? How can it reflect, address and be home to a new “us” that is arising in the wake of the rapid reorganization of local and global affairs? How can a festival live up to the fact that it is a public, communal and hence a political space?
MaerzMusik 2017 is not an answer, but rather an attempt at asking such questions by the means available to its specificity: a festival rooted in lis tening – space and time dedicated to concerts, performances, installations, film screenings, dis course and exhibitions. The ten composed evenings of MaerzMusik 2017 mirror matters of concern related to life in the present. Artistic concerns, notably, dealing with – in chronological order – sonic immersion, margin alization, racism, homophobia, colonization, psychograms of Western societies, normativ - ity in artistic practices, gender, ecological and financial crises, inequality, speculative histories, cultures of memory, science-fiction, speculative fabulation, multi species fem -inism, mysticism, collectivity, liberation, spirituality, and the perception of time – to name but the most important ones.
MaerzMusik – Festival for Time Issues 2017
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At the same time, and importantly, the artistic works presented in the festival constitute their own worlds. Independent of their curatorial contextualization, they stand and speak for themselves, open to all possible forms of sensing and reading.
We are looking forward to welcoming you at MaerzMusik – Festival for Time Issues 2017.
Berno Odo Polzer Artistic Director
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“The Electric Harpsichord” has been named “the obscure masterpiece of early American minimalism.” Its creator is the Swedish sound-artist, poet, philo-sopher, mathematician and visual artist Catherine Christer Hennix. Performed only a few times in 1976, the piece led the life of a legend until 2010. After more than 40 years, MaerzMusik is delighted to present a new live realization of this stunning aural experience.
“The Electric Harpsichord,” recalls Henry Flynt, “was something other than music. It was a new genre, or chapter, in ‘psychology’ called a hallucinatory or illuminatory sound environment … The listener’s attention is monopolized; the physical vibration is physically felt; the uniformity of texture produces a sense that time is suspended.” The performance marks the pre-opening of Maerz-Musik 2017 as well as the inauguration of “Kalam- i-Nur”, a six-day project space dedicated to Hennix’ immersive sonic practice. It is an extension of Maerz- Musik’s closing event “The Long Now”.
„The Electric Harpsichord“ gilt als „das unbekannte Meisterwerk des frühen amerikanischen Minimalismus“. Seine Schöpferin ist die schwedische Klangkünstlerin, Lyrikerin, Philosophin, Mathematikerin und bildende Künstlerin Catherine Christer Hennix. Nach nur wenigen Aufführungen im Jahr 1976 blieb das Werk bis zu seiner Veröffentlichung 2010 eine Legende. Mehr als 40 Jahre später präsentiert MaerzMusik nun eine neue Live- Umsetzung dieses überwältigenden Hörerlebnisses.
„‚The Electric Harpsichord’, erinnert sich Henry Flint, „war etwas anderes als Musik. Es war ein neues Genre, oder Kapitel, der ‚Psychologie‘, ein halluzinatorisches oder illuminierendes Klang-Umfeld … Die Aufmerksamkeit des Zuhörers wird monopolisiert; die physische Vibration ist körperlich zu spüren; die Gleichförmigkeit der Struk-tur erzeugt das Gefühl, dass die Zeit aufgehoben ist.“ Die Aufführung markiert sowohl das Pre-opening von MaerzMusik 2017 als auch die Einweihung von „Kalam-i-Nur“, einem sechstägigen Projektraum, der als Erwei-terung von „The Long Now“ der immersiven Klangpraxis von Hennix gewidmet ist.
Hennix I – Pre-opening
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Catherine Christer Hennix The Electric Harpsichord for Keyboard and Live-Electronics (1976 / 2017) UA
Catherine Christer Hennix Keyboard & ComputerStefan Tiedje Klangregie & Computer-Programmierung
Konzert „Raag Surah Shruti“ siehe Seite 32
Installation „Kalam-i-Nur“ siehe Seite 48
„The Long Now“ siehe Seite 40
Donnerstag, 16. März, 20:00 Uhr € 15silent green Kulturquartier, Kuppelhalle
Das Projekt wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes.
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Julius Eastman (1940 – 1990) is a figure of eminent importance far beyond his singular musical work. Throughout his lifetime, the American composer, pianist, singer, choreographer and dancer oscillated between the establishment and the margins, both of the experimental music scenes in Buffalo and New York and of US society at large. He was a rare voice within the new music world that confronted homophobia, capitalism and racism. All the more startling is East-man’s virtual erasure from the pages of 20th century music history.MaerzMusik 2017 opens with three of Julius Eastman’s mesmerizing works for four pianos: post-minimal music powered by a sense of organicity and political concern, unlike any other – a rediscovery that is overdue.
„What I am trying to achieve is to be what I am to the fullest – black to the fullest, a musician to the fullest, and a homosexual to the fullest.“ Julius Eastman
Die Bedeutung der Figur Julius Eastman (1940 – 1990) geht weit über sein einzigartiges musikalisches Schaffen hinaus. Sein Leben lang wechselte der amerikanische Komponist, Pianist, Sänger, Choreograph und Tänzer zwischen dem Establishment und Randpositionen – nicht nur der experimentellen Musikszenen von Buffalo und New York, sondern der US-amerikanischen Gesellschaft im Allgemeinen. Als einer der Wenigen innerhalb der Welt der neuen Musik erhob er seine Stimme gegen Ho-mophobie, Kapitalismus und Rassismus. Umso erstaun-licher ist es, dass er aus dem Gedächtnis der Musik des 20. Jahrhunderts weitgehend getilgt wurde.MaerzMusik 2017 eröffnet mit drei von Julius Eastmans faszinierenden Werken für vier Klaviere: postminimalis-tische Musik wie keine andere, getrieben von Organizität und politischem Bewusstsein – eine lang überfällige Wiederentdeckung.
Julius Eastman – Opening
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Julius Eastman
Evil Nigger für vier Klaviere (1979) DE
Gay Guerilla für vier Klaviere (1979)
Crazy Nigger für vier Klaviere (1978) DE
Ernst Surberg Klavier Christoph Grund Klavier Julie Sassoon Klavier Małgorzata Walentynowicz Klavier
Freitag, 17. März, 20:00 Uhr € 25Haus der Berliner Festspiele
Dokumentationsraum „Let Sonorities Ring“ siehe Seite 49
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“The Unbreathing” turns rhythm itself into a political subject. Uriel Barthélémi takes certain rhythmic scales derived from geopolitical and social analyses. The piece proposes a trans-versal, raw and radical way of reading the countless civilisa-tional interrelations brought about by various colonisations and their ever-increasing destructive ingestion of imaginary worlds.Using images from Frantz Fanon’s ”The Wretched of the Earth” as guidelines, “The Unbreathing” develops an abstract narration starting from musical phenomena, evoking frag-mented words, full of silence and meaning. Egyptian artist, writer and musician Hassan Khan has been brought in to create a floating textual structure. This deliberately unstable solo also takes on an intense visual dimension: The drums control a set of epileptic images, in - fluenced by the violence of journalistic pictures and the realm of manga. A daydream retracing centuries of that frantic race taking place through the destructive process of the colonisation of the mind.
In „The Unbreathing“ wird der Rhythmus selbst zum po-litischen Thema. Uriel Barthélémi nimmt rhythmische Skalen aus geopolitischen und sozialwissenschaftlichen Analysen auf. Das Stück legt eine transversale, rohe und radikale Lesart der unzähligen zivilisatorischen Verflech-tungen nahe, die durch verschiedene Kolonialisierungen und deren zunehmende destruktive Einverleibung ima-ginärer Welten verursacht wurden.
„The Unbreathing” greift auf Bilder aus Frantz Fanons „Die Verdammten dieser Erde“ zurück und entwickelt eine abstrakte Narration, die ihren Ausgangspunkt in musikalischen Phänomenen findet und fragmentierte Worte voller Stille und Bedeutung evoziert. Der ägypti-sche Künstler, Autor und Musiker Hassan Khan erschuf eine schwebende Textstruktur für das Werk. Diesem absichtlich instabilen Solo ist auch eine starke visuelle Dimension zu Eigen: Das Schlagzeug steuert eine Serie epileptisch anmutender Bilder, beeinflusst durch fotojournalistische Gewaltbilder und die Welt der Man-gas. Ein Albtraum, der die Spuren eines jahrhunderte-langen, verzweifelten Rennens nachzeichnet, ausgelöst durch den zerstörerischen Prozess der Kolonialisierung des Geistes.
The Unbreathing – Opening
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Uriel Barthélémi The Unbreathing für Drum Set, Elektronik und Video (2017) UA
Uriel Barthélémi Konzept, Performance, Programmierung Hassan Khan Text Elise Boual Illustrationen
Auftragswerk von MaerzMusik – Festival für Zeitfragen Produktion: Anne Becker – Bureau PLATÔ
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This concert juxtaposes two disparate and disquieting works spanning four decades. They form a strange bipolar couple and speak with a multiplicity of voices, about the darker side of our minds and our times. Palestine’s low-fi videos confront isolation and powerlessness. They feature the voice of a man on a mission impossible. Try-ing to flee from an island with his motorbike, he is oscillating between a desperate mantra of escape and the chanting of a timeless battle cry. “I gotta get out of here … I am trapped inside my mind …” Eva Reiter in turn has named her piece a “sounding psycho-gram of society.” She gives rise to a musical universe driven by anger, fear and unrest. The sonic energy unleashed in this piece is raw, disturbing and fierce, dominated by distorted voices in line with American poet Ben Lerner’s haunting and haunted sonnets.
„In those days police hauled in all bugs, then birds, then stars, and the sky fled underground.“ Ben Lerner
Dieses Konzert stellt zwei disparate und beunruhigende, vier Jahrzehnte umspannende Werke nebeneinander. Sie bilden ein seltsames bipolares Paar und sprechen mit einer Vielzahl von Stimmen von den dunklen Seiten un-seres Geistes und unserer Zeit. Palestines Videos setzen sich mit Isolation und Macht-losigkeit auseinander. Man hört die Stimme eines Man-nes, der sich auf einer unmöglichen Mission befindet. Er versucht, auf seinem Motorrad von einer Insel zu ent-kommen und schwankt dabei zwischen einem verzwei-felten Flucht-Mantra und dem Gesang eines zeitlosen Schlachtrufs: „I gotta get out of here … I am trapped inside my mind …“Eva Reiter ihrerseits nennt ihr Stück ein „klingendes Psy-chogramm der Gesellschaft“. Sie lässt ein musikalisches Universum entstehen, das von Wut, Angst und Unruhe getrieben ist. Die klangliche Energie dieses Stücks ist rau, aufwühlend und wild, dominiert von verzerrten Stimmen, die den eindringlichen und getriebenen Sonetten des amerikanischen Lyrikers Ben Lerner folgen.
The Lichtenberg Figures
Mit Unterstützung des Österreichischen Kulturforums Berlin
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Charlemagne PalestineIsland Song / Island Monologue Video, 32 min., b&w, sound (1976)
Eva Reiter The Lichtenberg Figuresnach Ben Lernerfür Stimme, elf Instrumente und Elektronik (2014 / 2015)
Eva Reiter Stimme
IctusGeorges-Elie Octors Musikalische Leitung
Alexandre Fostier Klangregie Nico de Rooij & Djana Covic (SIDF) Licht & Szenographie
Music Fund Spendenaktion 18:00 – 22:00 Uhr siehe Seite 52
Samstag, 18. März, 20:00 Uhr € 20Haus der Berliner Festspiele, Großer Saal
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The concerts by Graindelavoix are breathtaking and yet more than mere musical experiences. The collective of professional non-singers based in Antwerp deliberately unsettles conven-tional views of tradition and history. It questions the authority of dominant musical approaches and reaches out through time to unearth unheard-of repertoires in unheard ways. The work of Graindelavoix is musical, archaeological and political at the same time. This concert presents works by the obscure and previously unknown Jean Hanelle (ca.1380 – 1436) alongside Maronite and Byzantine chants of an incredible beauty and melodical movement – a time travel into the culturally diverse and musically vibrant present of the 15th century.
„We have never been modern … We have never moved either forward or backward. We have always actively sorted out elements belonging to different times. We can still sort. It is the sorting that makes the times, not the times that make the sorting.“ Bruno Latour
Die Konzerte von Graindelavoix sind atemberaubend und gehen doch weit über reine Musikerlebnisse hinaus. Das in Antwerpen ansässige Kollektiv von professionellen Nicht-Sänger*innen erschüttert ganz bewusst her-kömmliche Vorstellungen von Tradition und Geschichte. Es hinterfragt die Autorität herrschender musikalischer Interpretationsansätze und greift weit zurück in die Ver- gangenheit, um ein bislang nicht gehörtes Repertoire auf unerhörte Weise hörbar zu machen. Die Arbeit von Graindelavoix ist musikalisch, archäologisch und poli-tisch zugleich. In diesem Konzert präsentiert das Ensemble neben Wer-ken des obskuren und bisher unbekannten Komponisten Jean Hanelle (ca. 1380 – 1436) maronitische und byzan-tinische Gesänge von unglaublicher Schönheit und me-lodischer Bewegung – eine Zeitreise in die kulturell viel-schichtige und musikalisch lebhafte Gegenwart des 15. Jahrhunderts.
Cypriot Vespers
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Jean Hanelle Cypriot Vespers Maronitische und Byzantinische Gesänge und Motetten
Graindelavoix Björn Schmelzer Leitung
Anne-Kathryn Olsen, Razek-François Bitar, Albert Riera, Andrés Miravete, Marius Peterson, Adrian Sîrbu, Jean-Christophe Brizard, Bart Meynckens, Tomàs Maxé, Björn Schmelzer
Koen Broos Licht
Samstag, 18.März, 22:30 Uhr € 20Kirche Am Hohenzollernplatz
Mit Unterstützung von Ev. Kirchengemeinde Berlin Am Hohenzollernplatz
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„Everything is Important“ is, as a philosopher would put it, a way of thinking 2016 – what it’s like to be alive right now, as slippery a concept as that might be.“ Jennifer Walshe
Kein Streichquartett wie wir es kennen. Dieser Abend mit dem Genre prägenden Arditti Quartet führt von ge-räuschlosen bewegten Bildern zu lichtlosen Klängen und gipfelt in „Everything is Important“, Jennifer Walshes neuer Komposition – einem Feuerwerk für alle Sinne. Peter Ablingers Videoarbeit, die in der Wüste des Iran gedreht wurde, reflektiert die kulturelle Kodierung und genderspezifische Geschichte dieses Genres. Georg Friedrich Haas hingegen erkundet in seiner Komposition die völlige Dunkelheit als radikale Situation für Musi-ker*innen und Zuhörer*innen. Und Jennifer Walshes nachdenkliches und brillantes Werk „Every thing is Im-portant“, in dem es um Technologie, Umweltkatastro-phen und wirtschaftliche Ungleichheiten geht, wirft einen Blick auf das Tempo und die Gleichzeitigkeit un-serer mediatisierten Realität. Eine Reise in verschiedens-te Energiezustände, verschiedene Wahrnehmungsmodi und verschiedene Arten, sich mit den Mitteln der Kom-position zur Welt in Beziehung zu setzen.
Everything is Important
Not a string quartet as we know it. This evening with the genre-defining Arditti Quartet leads from soundless moving images to lightless sound and culminates in the multi sensory firework of Jennifer Walshe’s new piece
“Everything is Important”. Peter Ablinger’s video work, shot in the desert of Iran, reflects the genre’s cultural codedness and gendered history. Georg Friedrich Haas explores complete darkness as a radical condition for performers and listeners. And Jennifer Walshe’s thoughtful and flashy “Everything is Important”, dealing with technology, ecological disaster and financial inequality, captures a glimpse of the speed and simultaneity that characterize our mediatized reality. A journey into different energy states, different modes of perception and different ways of relating to the world by means of composition.
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Peter Ablinger 2. Streichquartett Video, 4 min., colour, sound (2009/2013)
Nasim Khorasani ViolineKimia Ebrahimzade ViolineShirin Abedinirad ViolaStefanie Prenn Violoncello
Georg Friedrich Haas 10. Streichquartett (2016) DE
Die Aufführung des Streichquartetts von Georg Friedrich Haas findet in völliger Dunkelheit statt. The performance of Georg Friedrich Haas‘ string quartet will take place in complete darkness.
Jennifer Walshe Everything is Important für Stimme, Streichquartett und Film (2016)
Arditti Quartet Irvine Arditti Violine Ashot Sarkissjan Violine Ralf Ehlers Viola Lucas Fels Violoncello
Jennifer Walshe Stimme
Music Fund Spendenaktion 18:00 – 22:00 Uhr siehe Seite 52
Sonntag, 19. März, 20:00 Uhr € 20Haus der Berliner Festspiele, Großer Saal
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Outsider artist Caoimhín Breathnach (1934 – 2009) lived as a recluse in Knockvicar, Ireland for all of his life. Breathnach’s artistic practice focussed on the creation of “subliminal” tapes and films which he believed pos-sessed the capacity to shift consciousness. In these works, Ogham magickal scales, crystallography, astronomy, folklore and natural phenomena are com-bined with found audio and visual material to produce an idiosyncratic, esoteric system of correspondences.Breathnach spent the last years of his life planning a film called “An Gléacht”. The work was to combine subliminal tapes and films with filmed footage show-ing a sequence of occult rituals. For the 2015 Cork Film Festival, Breathnach’s great-niece, the composer and artist Jennifer Walshe was commissioned to complete
“An Gléacht” – her first short feature film.
Der Outsider Artist Caoimhín Breathnach (1934 – 2009)verbrachte sein Leben als Einsiedler im irischen Knock-vicar. Seine künstlerische Arbeit konzentrierte sich auf die Erstellung von „subliminalen“ Tonbändern und Fil-men, denen er die Fähigkeit zusprach, das menschliche Bewusstsein zu verändern. In diesen Arbeiten werden magische Ogham-Skalen, Kristallographie, Astronomie, Folklore und Naturphänomene mit gefundenem Audio- und Videomaterial kombiniert und daraus ein eigen-tümliches, esoterisches System von Entsprechungen entwickelt. Während seiner letzten Lebensjahre plante Breathnach einen Film mit dem Titel „An Gléacht“. In diesem Werk sollten subliminale Tonbänder und Filme mit Bildma- terial von einer Sequenz okkulter Rituale kombiniert werden. Das Cork Film Festival 2015 beauftragte Breathnachs Großnichte, die Komponistin und Künstle-rin Jennifer Walshe, mit der Vollendung von „An Gléacht“, ihrem ersten Kurzspielfilm.
An Gléacht
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Jennifer Walshe & Caoimhín Breathnach An Gléacht Film, 30 Min., Color, Sound (2015)
Jennifer Walshe Tomomi Adachi Chris Heenan Mario de Vega Improvisation
Sonntag, 19. März, 22:30 Uhr € 15Haus der Berliner Festspiele, Bühne
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As part of MaerzMusik 2017 the QuerKlang project premieres group compositions by Berlin school pupils. They investigate sounds, arrange them together into compositions and let other people hear their discoveries. They are accompanied by teams each consisting of a teacher, a composer and a university student. QuerKlang brings together three different working environments, the world of school, of university education and that of musi-cians and composers and thrives on the tensions between these worlds.
Das Projekt QuerKlang bringt im Rahmen von Maerz Musik 2017 Kollektiv-Kompositionen von Schüler*innen Berlins zur Uraufführung. In dem Projekt erforschen sie Klänge, setzen diese in Beziehung zueinander und machen ihre Ent-deckungen für andere hörbar. Begleitet werden sie von Teams, bestehend aus je einem / einer Pädagog*in, Komponist*in und Studierenden. Die Welt der Schule, die der universitären Ausbildung und die der Musiker und Komponisten werden dabei in einen spannungsreichen Zusammen-hang ge bracht.
QuerKlang
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Schule machen: QuerKlangExperimentelles Komponieren in der Schule
Uraufführungen von Gruppen- Kompositionen durch Schüler*innen der Bettina-von-Arnim-Schule, der Fritz- Karsen- Schule, des Kant-Gymnasium, der Evangelischen Schule Berlin Zentrum und der Kurt-Tucholsky-Oberschule – begleitet durch ihre Musiklehrer*innen sowie Misha Cvijovicz, Elie Gregory, Miika Hyytiäinen, Mayako Kubo, Genoël von Lilienstern und Studierende der UdK Berlin
Elsa Franz, Mathias Hinke, Stefan Roszak, Henning Wehmeyer, Kerstin Wiehe Projektteam
Montag, 20. März, 18:00 Uhr Eintritt freiRadialsystem V
Donnerstag, 23. März, 18:00 Uhr Eintritt freiUniversität der Künste, Bundesallee, Probensaal
QuerKlang ist ein Projekt der Universität der Künste Berlin / klangzeitort in Zusammenarbeit mit k & k kultkom / Kulturkontakte e. V. und Berliner Festspiele / MaerzMusik – Festival für Zeitfragen. Gefördert aus Mitteln der Universität der Künste Berlin und dem Lions Club Philharmonie Berlin.
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This evening, featuring musicians from Berlin and the South Indian metropolis of Chennai, explores cultures of musical memory and their creative and political implications. With his “Gamaka Box”, composer and singer Ramesh Vinayakam developed the first comprehensive notation system for classical South Indian music. This is both an innovation and a break with tradition, confronting a century-old auditory-oral musical culture with far reaching ques-tions and causing controversial debates in India. In the face of changing global power relations,
“Memory Space” enters a space of encounter which must be newly negotiated: between oral and written cultures, different forms of learning, cultural expan-sionism and isolationism, tradition and modernity.
Ein Abend mit Musiker*innen aus Berlin und der süd-indischen Metropole Chennai, der um Fragen musika-lischer Erinnerungskulturen und ihrer künstlerischen und politischen Implikationen kreist. Mit seiner „Gamaka Box“ hat der Komponist und Sänger Ramesh Vinayakam das erste umfassende Notationssystem für die klassi-sche Musik Südindiens entwickelt – eine Innovation einer seits, ein Traditionsbruch andererseits, der eine jahrhundertealte auditiv-orale Musikkultur mit tief-greifenden Fragen konfrontiert und in Indien kontrovers diskutiert wird. Im Spiegel sich verändernder globaler Machtverhältnis-se begibt sich „Memory Space” in den neu zu verhan-delnden Begegnungsraum zwischen oralen und schrift-basierten Kulturen, unterschiedlichen Formen des Lernens, kulturellem Expansionismus und Isolationismus, Tradition und Moderne.
Memory Space
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Teil 1
Claude Vivier Learning für vier Violinen, Schlagzeug und Zuspielband (1976)
Alvin LucierLove Song Acoustic duo for two violins, joined at their bridges by a long length of music wire (2016) DE
Montag, 20. März, 20:00 Uhr € 20Radialsystem V
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Teil 2
Alvin Lucier (Berlin-Chennai ) Memory Space interpretiert mit Flöten, Bassklarinette, Tabla, Schlagzeug, Violine und Viola (1970) DE
Giacinto Scelsi Manto für eine singende Viola-Spielerin (1957)
Ana Maria Rodriguez Chennai Scenes für Bambusflöte, Bassklarinette / Kontrabassklarinette, Mridangam und Citysounds (2016) DE
Gespräch mit Ramesh Vinayakam und Musiker*innen des Ensemble KNM Berlin
Montag, 20. März Radialsystem V
Ein Projekt des Ensemble KNM Berlin und MaerzMusik – Festival für Zeitfragen in Zusammenarbeit mit Radialsystem V und dem Goethe Institut. Das Ensemble KNM Berlin wird gefördert durch die Kulturverwaltung des Landes Berlin.
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Teil 3
Jeremy Woodruff Construction with Boismortier & Sankarabharanam für Bassklarinette, Violine, Viola, Mridangam / Tabla und Tanpura (2016) DE
Ramesh VinayakamSvara Varam-Boon of Notes Kompositionen für Stimme, Bambusflöten, Mridangam, Bassklarinette, Violine, Viola und Tanpura (2017) UA
Karnatische Musik für Bambusflöte und Mridangam
Ensemble KNM Berlin Theo Nabicht Bassklarinette / Kontrabassklarinette Theodor Flindell Violine Lisa Werhahn Violine Grégoire Simon Violine Susanne Zapf Violine Kirstin Maria Pientka Viola Alexandre Babel Schlagzeug
Ramesh Vinayakam Stimme Shantala Subramanyam Bambusflöten Ana Maria Rodriguez Keyboard & Live-Elektronik Jeremy Woodruff Tanpura Anantha Krishnan Mridangam / Tabla
Montag, 20. März Radialsystem V
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“Story Telling for Earthly Survival” is a night of readings, film screenings and sound performances that revolves around the hybrid worlds created by American thinker Donna Haraway. In her most recent work, Haraway offers provocative new ways of reconfiguring our relations to the earth and all its inhabitants in face of spiraling ecological devastation.Donna Haraway is not only a prominent scholar and feminist but also a science fiction enthusiast and gifted storyteller who depicts in her books fabulous universes populated by transfuturist species. Starting with an intimate new film portrait by Brussels filmmaker Fabrizio Terranova, this evening ventures into speculative fabulation, sonic experimentation and listening, featuring, amongst others, Alvin Lucier live and Donna Haraway as a remote, televised guest.
„The boundary between science fiction and social reality is an optical illusion.“ Donna Haraway
„Story Telling for Earthly Survival” ist ein Abend mit Le-sungen, Filmpräsentationen und Sound Performances, der sich rund um die hybriden Welten der amerikani-schen Denkerin Donna Haraway dreht. In ihrer jüngsten Arbeit entfaltet sie angesichts der außer Kontrolle ge-ratenen Umweltzerstörung provokante neue Ideen zu einer Neukonfiguration unseres Verhältnisses zum Pla-neten Erde und all seinen Bewohnern. Donna Haraway ist nicht nur eine prominente Wissen-schaftlerin und Feministin, sondern auch eine Science- Fiction-Enthusiastin und begnadete Geschichtenerzäh-lerin, die in ihren Büchern fabelhafte Welten voller trans-futuristischer Wesen schildert. Beginnend mit dem neuen Film-Portrait von Fabrizio Terranova begibt sich dieser Abend auf eine Reise in spekulative Erzählweisen, Klang- und Hörexperimente. Zu den Gästen zählen unter anderen Alvin Lucier und Haraway selbst, die via Video-link Teile aus ihrem neuen Buch lesen wird.
Story Telling for Earthly Survival
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Teil 1
Donna Haraway Story Telling for Earthly Survival A film by Fabrizio Terranova 90 min., colour, Belgium (2016)
Teil 2
Staying with the Trouble Donna Haraway (via Videolink) reads from her new book
Alvin Lucier Bird and Person Dyning (1975) for performer, binaural microphone, amplifiers, loudspeakers and electronic birdcall Alvin Lucier Performance Hauke Harder Sound director
Chorus in cc. A vocal gesture (2017) UA Myriam Van Imschoot Concept & Composition Caroline Daish, Jean-Baptiste Veyret-Logerias, Anne-Laure Pigache, Mat Pogo & Gäste Co-Creation & Performance Fabrice Moinet Co-Creation & Sounddesign
California Bird Talk A public radio project produced and hosted by Rusten Hogness
An Ecosex Journey with Beth Stephens and Annie Sprinkle Excerpts from a new film by Isabelle Carlier
Dienstag, 21. März, 18:00 Uhr € 20 Haus der Berliner Festspiele
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Catherine Catherine Hennix’ concepts of sound and light are inspired by the fundamental impact they exert on our sense of presence. By controlling the presence and absence of frequencies in a given space, the senses become tuned to specific resonances which open the mind to an alternative awareness of its own presence previously invisible to its introspection.Since the late 1960s, Hennix has been developing a wave space based on spectral properties and just intonation which integrate not only room acoustics but also the cognitive pathways of the listener. Many traditions of sacred music have con-tributed to both the theory and practice of mind altering sound and light productions. “Raag Surah Shruti” is an electronic-instrumental composition that seeks its roots in the intoxicating sounds of just intonation inspired by those mystical traditions of Islam which explore the realm of the invisible and first moment preceding the creation.
Catherine Christer Hennix‘ Konzepte von Klang und Licht leben von ihrer elementaren Auswirkung auf unser Ge-fühl von Präsenz. Indem die Ab- und Anwesenheit von Frequenzen in einem bestimmten Raum kon trolliert wer-den, stimmen sich die Sinne auf spezifische Resonanzen ein, die den Geist für ein alternatives Bewusstsein seiner eigenen Präsenz öffnen, welches seiner Selbstwahrneh-mung sonst nicht zugänglich ist. Seit den späten 1960er Jahren entwickelt Hennix einen Wellenraum, der auf spektralen Eigenschaften und prä-ziser Intonation basiert, die nicht nur die Raumakustik, sondern auch die kognitiven Verknüpfungen der Zuhörer integrieren. Viele Traditionen der sakralen Musik haben die Theorie und die Praxis bewusstseinsverändernder Klang- und Lichtproduktionen beeinflusst. „Raag Surah Shruti“ ist eine elektronisch-instrumentale Komposition, die ihre Wurzeln in den berauschenden Klängen der rei-nen Stimmung sucht, die ihrerseits von jenen mystischen Traditionen des Islam inspiriert sind, die die Welt des Unsichtbaren und den ersten Moment vor der Schöpfung erkunden.
Hennix II
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Catherine Christer Hennix Raag Surah Shruti für Stimme,Tamburium und Ensemble (2017) UA
Catherine Christer Hennix amburium
Chora(s)an Time-Court Mirage Amir ElSaffar Trompete Paul Schwingenschlögl Trompete, Flügelhorn Robin Hayward Mikrotonale Tuba Hilary Jeffery Posaune Elena Kakaliagou Horn Stefan Tiedje Klangregie & Computer-Programmierung
Installation „Kalam-i-Nur“ siehe Seite 48
„The Long Now“ siehe Seite 40
Konzert „The Electric Harpsichord“ siehe Seite 10
Mittwoch, 22. März, 20:00 Uhr € 15silent green Kulturquartier, Kuppelhalle
Das Projekt wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes.
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Walter Smetak (1913 – 1984) is one of music history’s forgotten characters. In 1937, he emigrated to Brazil and once there, he lost his western identity in a most inspiring way. He transformed into an artist who combined a multitude of influences into a fascinating oeuvre – driven by the search for collectivity, inner transformation, freedom and spirituality. As a musi-cian, poet, sculptor and instrument maker, he was a pioneer of Brazilian counter-culture and significantly influenced the Tropicália movement. The project “Re-inventing Walter Smetak” is the result of a thorough exploration of Smetak’s syncretistic world, carried out by four different composers. Their works created within this framework address various aspects of his work, amongst them his microtonality (conceived as an act of liberation from the norms of tonal systems), his collective improvisation practices, his experimental instruments and “sound sculputures”.
„I felt it would be better to immerse myself in the liberal mayhem of the tropics than to surrender myself to the European disaster.“ Walter Smetak
Walter Smetak (1913 – 1984) gehört zu den vergessenen Figuren der Musikgeschichte. 1937 emigrierte er nach Brasilien. Dort verlor er auf äußerst inspirierende Weise seine westliche Identität. Aus dem Schweizer Orchester-musiker und Komponisten wurde ein Künstler, der eine Vielzahl von Einflüssen zu einem faszinierenden Lebens-werk verknüpfte – getrieben von der Suche nach Kollek-tivität, innerer Transformation, Freiheit und Spiritualität. Als Musiker, Dichter, Bildhauer und Instrumentenbauer war Smetak ein Vorreiter der brasilianischen Gegenkultur und übte Einfluss auf die Tropicália-Bewegung aus. Das Projekt „Re-inventing Walter Smetak“ ist das Ergeb-nis einer eingehenden Beschäftigung von vier Kompo-nist*Innen mit Smetaks synkretis tischer Welt. Sie greifen dabei unterschiedliche Aspekte seiner Arbeit auf: seine als Befreiungsakt von den Normen tonaler Systeme konzipierte Mikrotonalität, seine kollektiven Improvi-sationspraktiken, seine experimentellen Instrumente und „Klangplastiken“.
Re-inventing Smetak
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Re-inventing Smetak
Liza Lim Ronda – The Spinning World für Ensemble und Plásticas Sonoras (2017)
Paulo Rios Filho volvere für Ensemble mit Plásticas Sonoras (2017)
Daniel Moreira Instrumentarium für Ensemble und Video / Soundtrack (2017)
Arthur Kampela ...tak-tak...tak... für Ensemble und Plásticas Sonoras (2017)
Ensemble Modern Vimbayi Kaziboni Leitung Norbert Ommer Klangregie E
Ein Projekt von Berliner Künstlerprogramm des DAAD und EnsembleModern in Kooperation mit dem Goethe-Institut. Ermöglicht durch durch die Kulturstiftung des Bundes. Unterstützt durch die Ernst von Siemens Musikstiftung und Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung das Auswärtige Amt und die Freunde des Ensemble Modern e.V.
Donnerstag, 23. März, 20:00 Uhr € 20Haus der Berliner Festspiele
Ausstellung „Smetak‘s Inventions“Workshop & Konferenz siehe Seite 50
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Two works from different galaxies of the musical universe, both of them attempt to grasp time itself: “Le Noir de l’Étoile” by Gérard Grisey (1946 – 1998) is one of the most impressive pieces by the French spectralist composer. In this work, pulsars – “clocks of spacetime” – form the tonal and poetic point of departure for a monu mental space-piece for six percussionists, carried by rotation, periodicity, deceleration and acceler - ation. Alvin Lucier’s piece “Clocker”, on the other hand, works with earthly timepieces and human percep-tion of time. Maerz Musik is honoured to welcome the American composer with a new version of his biofeedback-based space com position from 1978. The piece imagines a world in which individuals can influence the passing of time through the power of their thoughts.
„When music succeeds in conjuring up time, it finds itself vested with a veritable shamanic power, that of connecting us to the forces that surround us.“ Gérard Grisey
Zwei Werke aus unterschiedlichen Galaxien des mu-sikalischen Universums, die beide die Zeit selbst zu greifen versuchen: „Le Noir de l‘Étoile“ von Gérard Grisey (1946 – 1998) ist eine der beeindruckendsten Arbeiten des französischen Spektralisten. Pulsare – die „Taktgeber der Raumzeit“ – bilden darin den klang lichen und poetischen Ausgangspunkt für ein monumentales Raumstück für sechs Schlagwerker, das von Rotation, Periodizität, Verlangsamung und Beschleunigung getragen wird. Alvin Luciers „Clocker“ wiederum arbeitet mit irdischen Uhren und der menschlichen Wahrnehmung von Zeit. Für das „Festi-val für Zeitfragen“ hat der amerikanische Komponist eine neue Version seiner auf Biofeedback aufbauen-den Raumkomposition aus dem Jahr 1978 erstellt. Das Werk imaginiert eine Welt, in der ein einzelner Mensch durch die Kraft seiner Gedanken das Ver- gehen der Zeit beeinflussen kann.
Le Noir de l‘Étoile
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Alvin LucierClockerfor amplified clock, performer with galvanic skin response sensor and digital delay system (1978 – 1988 / 2017) UA der Neufassung
Alvin Lucier Performer Hauke Harder Klangregie
Gérard GriseyLe Noir de l‘Étoile für sechs räumlich verteilte Schlagzeuger, Tonband und Sprecher (1989 / 1990)
Les Percussions de StrasbourgMinh-Tam Nguyen, François Papirer, Galdric Subiran, Théo His Mahier, Florent Duverger, Thibault Weber
Wolfgang Korb Sprecher
Frederic Prin Klangregie Laurent Fournaise Licht & Bühne
Freitag, 24. März, 20:00 Uhr € 20Parochialkirche
Mit Unterstützung von Berliner Künstlerprogramm des DAAD und Ev. Kirchengemeinde St. Petri-St.Marien
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The string quartet: a genre of Western art music steeped in tradition and endowed with a very specific history. From its early stages, it was seen as a reflection of the spirit of enlightenment, as a musical representation of a society of emancipated individuals: four musicians with equal rights. Each of them in turn a soloist or an accompanist. A demo-cratic formation, as it were. A small utopia?On the occasion of its 10th anniversary, the Sonar Quartett will investigate the concept of “utopia”, exploring its current social relevance and the contingencies for application and interpretation it has to offer to the field of music.
Das Streichquartett: eine traditionsreiche Gattung der westlichen Kunstmusik mit einer besonderen Geschichte. Schon früh galt es als Spiegelbild des Geistes der Auf-klärung, als musikalische Repräsentation einer Gesellschaft emanzipierter Indivi-duen: Vier gleichberechtigte Spieler*innen. Jeder ist mal Solist*in, mal Begleiter*in. Eine demo kratische Formation gewisser-maßen. Eine kleine Utopie? In zwei Programmen und einer Diskus- sionsrunde spürt das Sonar Quartett an-lässlich seines 10. Jubiläums dem Begriff
„Utopie” nach, hinterfragt seine gesell-schaftliche Aktualität und Relevanz, aber auch seine Anwendungs- und Inter pre-tationsmög lichkeiten auf musikalischem Gebiet.
Utopie Streichquartett
Ein Konzert des Sonar Quartett in Zusammenarbeit mit der Akademie der Künste, Berlin im Rahmen von MaerzMusik – Festival für Zeitfragen
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Helmut LachenmannGran Torso (1971 / 76 / 88)
Wolfgang Rihm8. Streichquartett (1987 / 88)
Anschließend im Studio-Foyer:„Utopie Streichquartett“ Rainer Nonnenmann und Jörg Mainka diskutieren mit Gästen
Samstag, 25. März, 15:00 Uhr € 10Akademie der Künste, Hanseatenweg Kombiticket € 15
Enno PoppeTier (2002)
Malte GiesenDivertimento (Veränderung an Oberflächen) (2013)
Jörg Mainka2. Streichquartett (2017) UAAW der Ernst von Siemens Musikstiftung
Chiyoko SzlavnicsNeues Werk (2017) UAAW der Ernst von Siemens Musikstiftung
Sonar Quartett Susanne Zapf Violine Wojciech Garbowski Violine Nikolaus Schlierf Viola Cosima Gerhardt Violoncello
Samstag, 25. März, 17:00 Uhr € 10Akademie der Künste, Hanseatenweg Kombiticket € 15
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“The Long Now” is a place for the enduring present. A space in which time itself can unfold and the sense of time can take uncharted paths. With a duration of more than 30 hours, the project invites visitors to detach from the clocked pace of the present and indulge in the chronosphere of “The Long Now”.
“The Long Now” is the grand closing event of Maerz - Musik − Festival for Time Issues 2017. Surrounded by the monumental setting of Kraftwerk Berlin, the project assembles concerts, performances, electronic live-acts, sound and video installations to form a composition in time and space. Embracing musical worlds from early Renaissance polyphony to the musical avant-garde, experimental electronics, Ambient and Noise, this third edition of “The Long Now” allows for sonic and bodily experiences of an exceptional kind. Visitors are welcome to spend the entire duration in the powerplant, sleep over, or come and go. Beds will be provided.
„The Long Now“ ist ein Ort der andauernden Gegenwart. Ein Raum, in dem sich die Zeit selbst entfalten und das Zeitgefühl sich verlieren kann. Mit einer Dauer von mehr als 30 Stunden lädt das Projekt Besucher*innen ein, sich von der getakteten Chronometrie der Gegenwart zu lösen und sich dieser Zeitblase hinzugeben.„The Long Now“ bildet den Abschluss von MaerzMusik − Festival für Zeitfragen 2017. In der monumentalen Kulisse des Kraftwerk Berlin sind Konzerte, Performances und elektronische Live-Acts mit Klang- und Videoinstalla-tionen zu einer großformatigen Komposition in Zeit und Raum versammelt. Von früher Renaissance-Polyphonie bis hin zu musikalischer Avantgarde, experimenteller Elektronik, Ambient Music und Noise reichen die musi-kalischen Welten, die sich in der dritten Ausgabe von
„The Long Now“ wieder zu einer körperlichen und künst-lerischen Grenzerfahrung formieren. Wir laden Sie ein, den gesamten Zeitraum von „The Long Now“ im Kraft-werk zu verbringen, zu übernachten oder mehrmals wiederzukommen. Betten werden bereitgestellt.
The Long Now
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Alvin LucierI am sitting in a room for voice and electromagnetic tape (1970)
Alvin Lucier PerformanceHauke Harder Klangregie
Alvin LucierVespers Acoustic orientation by means of echolocation, for players with hand-held echolocation devices (1968)
And Underneath Are The Everlasting Arms – Polyphony for a Better SleepWerke von Alexander Agricola, Josquin Desprez, Ludwig Senfl, Alessandro Coppini, Jakob Obrecht, Antoine Divitis, Nicolas Gombert, John Sheppard, Orlando di Lasso & Samuel Beckett
Graindelavoix Anne-Kathryn Olsen, Carine Tinney, Razek-François Bitar, Albert Riera, Andrés Miravete, Marius Peterson, Arnout Malfliet, Joachim Höchbauer & Björn Schmelzer
Margarida Garcia SzenographieKoen Broos LichtBjörn Schmelzer Konzept & Künstlerische Leitung
Samstag, 25. März, 18:29 Uhr bis Sonntag, 26. März, 24:00 UhrKraftwerk Berlin
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(No Pussyfooting)Live-Realisation des Ambient-Albums von Robert Fripp & Brian Eno (1973) für E-Gitarre und Elektronik
Kobe Van Cauwenberghe E-Gitarre
Catherine Christer HennixFor Brass and Computerfür Trompete, Horn, Posaune, mikrotonale Tuba und Computer
Zinc & CopperRobin Hayward Mikrotonale Tuba Hilary Jeffery Posaune Elena Kakaliagou Horn Paul Schwingenschlögl Trompete, Flügelhorn Stefan Tiedje Computer
William Basinski & James ElaineVideo and Tape Loops
Chris WatsonField recordings & live electronics
Kara Lis-CoverdaleLive electronics
Keith Fullterton WhitmanLive electronics
und viele andere
The Long Now
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In Kooperation mit Berlin Atonal Mit Unterstützung von Kraftwerk Berlin
Catherine Crister Hennix siehe Seiten 10, 32 und 48
Kuratiert von Berno Odo Polzer, Laurens von Oswald und Harry Glass
Programmdetails unter www.berlinerfestspiele.de/the-long-now
25.3., 18:00 Uhr € 30 (Tagesticket)26.3. ab 8:00 Uhr € 30 (Tagesticket)25. & 26.3. € 45 (2-Tagesticket)
Das Projekt wird gefördert durch die
Kulturstiftung des Bundes.
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“Thinking Together” is a discourse format dedicated to ex - ploring the phenomenon of time in its socio-political, philo-sophical and artistic dimensions. It provides a space for trans-disciplinary exchange, collective learning and unlearning. Freely accessible the project makes time for reflecting the politics of time together with artists and international guests from the fields of philosophy, political and social sciences and cultural studies.This year’s focus on “Decolonizing Time” is a proposal to think beyond Western-centric time regimes. The linear, unidirec-tional, clock-based temporal matrix of Western modernity encoded in notions like “universal time”, “universal history”,
“progress”, or “contemporaneity” is strongly interrelated with the hegemonic mind. “Thinking Together” 2017 seeks to in vestigate the normative chrono-politics of modernity, in search for a multiplicity of decolonized temporalities.
Das Diskurs-Format „Thinking Together“ widmet sich dem Phänomen Zeit in seinen gesellschaftlich-politi-schen, philosophischen und künstlerischen Dimensionen.
„Thinking Together“ ist ein Raum für transdisziplinären Gedankenaustausch, kollektives Lernen und Verlernen. Frei zugänglich, stellt das Projekt Zeit zur Verfügung, um gemeinsam mit Künstler*innen des Festivals und inter-nationalen Gästen aus den Bereichen Philosophie, Poli-tische Theorie, Kultur- und Sozialwissenschaften über das Politische von Zeit nachzudenken. Der diesjährige Fokus auf „Decolonizing Time“ („Zeit dekolonisieren“) ist ein Vorschlag, über westlich-zent-rierte Zeitregime hinauszudenken. Die lineare, gerich-tete, Uhren-basierte zeitliche Matrix der westlichen Mo-derne, die in Begriffen wie „Weltzeit“, „Universalzeit“,
„Universalgeschichte“, „Fortschritt“ oder dem „Zeitge-nössischen“ kodiert ist, ist eng mit hegemonialem Den-ken verknüpft. „Thinking Together” 2017 ist dem Versuch gewidmet, die Chrono-Politik der Moderne zu erforschen, auf der Suche nach multiplen, dekolonisierten Zeit - lichkeiten.
Thinking Together
Programmdetails: www.berlinerfestspiele.de/thinking-together
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Samstag, 18. März – Eintritt freiFreitag, 24. März Haus der Berliner Festspiele, Kassenhalle & Foyers
Thinking Together – Decolonizing TimeKonferenz, Workshops und Diskursformate
Mit Fabian Barba Izurieta Lendl Barcelos Georgina Born Katrina Burch Arnbjörg María Danielsen Kodwo Eshun Ashley Fure Matt Hare Catherine Christer Hennix Amy Ireland Rana Issa Alvin Lucier Jason Bahbak Mohaghegh, Timothy Morton, Björn Schmelzer Hannes Seidl Ovidiu Tichindeleanu Madina Tlostanova Myriam Van Imschoot Rolando Vázquez Ramesh Vinayakam Jennifer Walshe Ben Woodard u.a.
Kuratiert von Berno Odo Polzer in Zusammenarbeit mit Rolando Vásquez & Georgina Born \\ | //, GRINM & Carolin Hochleichter
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Konferenz „Decolonizing Time“ Konferenz mit Georgina Born, Kodwo Eshun, Ashley Fure, Rana Issa, Jason Bahbak Mohaghegh, Björn Schmelzer, Rolando Vázquez u.a.18. & 19. März, 12:00 – 18:00 Uhr
An infinity that must expire, in a world that has already expired Gespräch mit Catherine Christer Hennix18. März, 18:30 – 19:30 Uhr
Staging the End of the Contemporary * Workshop mit Fabian Barba Izurieta, Teresa María Díaz Nerio, Jeannette Ehlers, Patricia Kaersenhout, Hannes Seidl, Ovidiu Tichindeleanu, Madina Tlostanova, Rolando Vázquez 20. – 24. März, 10:00 – 13:00 Uhr
Gender Relations in New Music * Workshop durchgeführt von Georgina Born, Ashley Fure, Arnbjörg María Danielsen u.a. 20. – 22. März, 13:00 – 15:00 Uhr
Time()Pieces * Lesegruppe mit \\ | // (Lendl Barcelos, Amy Ireland, Katrina Burch, Matt Hare, Ben Woodard), & Jason Bahbak Mohaghegh 20. – 24. März, 15:00 – 18:00 Uhr
Philosophy Lab „Thinking about Time Together“ * mit Timothy Morton, Jennifer Walshe, Peter Meanwell20. März, 15:00 – 18:00 Uhr
Time Concepts in Computer Games * mit Verena Caspari, Melanie Fritsch, Verena Nagel, Antonino Polizzi, Felipe-Jordi Rahn Bueno, Tomek Rudel, Simon Scharf Teil 1 des Projekts „Parallelwelten“ Gefördert von der Karl Schlecht Stiftung22.– 24. März, 14:00–18:00 Uhr
Thinking Together
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Chorus in cc. * Voice Workshop mit Myriam Van Imschoot u.a. 20. & 21. März, 10:00 – 15:00 Uhr
Good Morning Deutschland Film & Gespräch mit Diako Namid, Yanal Jarkas, Antonia Rohwetter und Hannes Seidl22. März, 14:00 – 16:00 Uhr
Smetak’s InventionsSymposium & Workshops, siehe Seite 51
Film Jo Kondo A Shape of Time – The composer Jo KondoEin Film von Viola Rusche und Hauke Harder (D 2016, 100 Min., Farbe)
Gespräch mit Viola Rusche und Hauke Harder 24. März, 16:00 – 18:00 Uhr
Film & Gespräch Alvin Lucier „No Ideas but in Things – The composer Alvin Lucier” Ein Film von Viola Rusche und Hauke Harder (D 2012, 96 Min., Farbe) Gespräch mit Alvin Lucier, Viola Rusche und Hauke Harder 24. März, 16:00 – 18:00 Uhr
* Anmeldung wird erbeten / Please register: [email protected]
Programmdetails: www.berlinerfestspiele.de/thinking-together
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Installation
Kalam-i-NurThe First Light, The First Sound (Electronic) Sound Storms Off The Last Scattering Surface At The Acoustic Peak: Glimpses Of Sono-Illuminescences In An Occasionalistic Mode
“An infinity that must expire, in a world that has already expired.”
Klang-Video-Licht-Installation und spontane Live-Performances mit Catherine Christer Hennix und The Chora(s)an Time-Court Mirage.
Sound-Video-Light Installation with occasional live performances by Catherine Christer Hennix and The Chora(s)an Time-Court Mirage.
silent green Kulturquartier
Installation 17. – 21.März, 16:00 – 24:00 Uhr 22. März, 16:00 – 19:00 Uhr
Konzerte 16. März, 20:00 Uhr22. März, 20:00 Uhr
Eine Produktion von MaerzMusik – Festival für Zeitfragen mit Unterstützung von silent green Kulturquartier
Das Projekt wird gefördert durch die
Kulturstiftung des Bundes.
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Let Sonorities Ring – Julius Eastman
Von 17. bis 26. März wird SAVVY Contemporary zu einem Dokumentationsraum, der eine Begegnung mit dem Œuvre von Julius Eastman (1940 – 1990) ermög licht. Archivmaterialien, historische Ton- dokumente, Videos und Partituren werden öffentlich zugänglich gemacht und an zwei Abenden mit Live Acts kommentiert, um den Blick auf Eastman imagi-nativ zu erwei tern und zu vertiefen. Mit „Let Sonorities Ring“ beginnt ein einjähriges Re cherche-Projekt über Leben und Arbeit des fast vergessenen afroamerika-nischen Komponisten, Voka listen und Performers, das mit einer Ausstellung und einer „Festschrift Julius Eastman“ enden soll.
From 17th to 26th of March, the space of SAVVY Contem porary will become a documentation center dedicated to the œuvre of Julius Eastman (1940 – 1990). Archival material including original recordings, video footage and scores will be made available to the public. Live Acts will contribute beats and sounds to the program, widening and imaginatively deepening the perspective on Eastman’s work. “Let Sonorities Ring” is the first chapter in a one-year re search project focusing on the life and works of the Afro-American composer, vocalist and performer that will culminate in an exhi bition and a “Julius Eastman Festschrift”.
Conceived by Bonaventure Soh Bejeng Ndikung & Berno Odo Polzer Co-curated by Antonia Alampi & Elena Agudio / Research curator Lynhan Balatbat Produced by SAVVY Contemporary and MaerzMusik – Festival für Zeitfragen
Dokumentationsraum
SAVVY Contemporary / silent green Kulturquartier
Eröffnung 16. März, 19:00 Uhr
Dokumentationsraum 17. – 26. März, 14:00 – 19:00 Uhr
Diskurs & Sound Performance 22. März, 18:00 Uhr
Konzert17. März, 20:00 Uhr, Haus der Berliner Festspiele
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Smetak’s InventionsBegleitausstellung zum Projekt „Re-inventing Smetak“
Die Ausstellung spiegelt das vielseitige Schaffen von Walter Smetak. Ausgestellt werden eine Auswahl der kunstvollen „Plásticas Sonoras“, der in den 1960er und 1970er Jahren von Walter Smetak neu erfundenen Instrumente, sowie Original dokumente aus verschiedenen Archiven: Schriften, Filme, grafische Partituren, konkrete Poesie, und Fotos, die einen Einblick in die vielschichtige Philosophie Smetaks geben. In der zweitägigen Konferenz werden Smetaks Denken, sein Einfluss auf die zeitgenössische Musik und Klangkunst in Brasilien und Rezep-tionsschwellen in Europa hinterfragt.
Ausstellung
„Re-inventing Smetak“ ist ein Projekt von Berliner Künstlerprogramm des DAAD und Ensemble Modern in Kooperation mit dem Goethe-Institut. Ermöglicht durch die Kulturstiftung des Bundes. Unterstützt durch die Ernst von Siemens Musikstiftung und Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung.
Smetak’s InventionsComplementary exhibition as part of the project “Re-inventing Smetak”
This exhibition reflects Walter Smetak’s multi- faceted oeuvre. It presents a selection of the elaborate “Plásticas Sonoras”, some of the instruments Walter Smetak invented in the 1960s and 1970s, and original documents from various archives: writings, films, graphic scores, concrete poetry and photos, all giving an insight into the many layers of Smetak’s philosophy. A two-day conference will explore Walter Smetak’s thinking, his influence on contemporary music and sound art in Brazil as well as thresholds of reception in Europe.
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Ausstellung „Smetak’s Inventions“ daadgalerie kuratiert von Julia Gerlach, Berliner Künstlerprogramm des DAAD
Eröffnung 16. März, 18:00 Uhr Öffnungszeiten: 17. März – 8. April, 12:00 – 19:00 Uhr
Symposium „Re-thinking Smetak”
23. März, 14:00 – 18:00 Uhr Haus der Berliner Festspiele
„Smetaks Instrumente als spirituelle Kompositionen“
25. März, 12:00 – 18:00 Uhr daadgalerie
„Smetaks Einfluss auf Tropicália, zeitgenössische Musik und Klangkunst“
Gespräch mit Komponist*innen des Projekts „Re-inventing Smetak“23. März, 18:30 Uhr Haus der Berliner Festspiele
Konzert „Re-inventing Smetak” 23. März, 20:00 Uhr Haus der Berliner Festspiele
Workshops 24. – 25. März daadgalerie
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Spendenaufruf
Haus der Berliner Festspiele18. März & 19. März, 18:00 – 22:00 Uhr 20. – 24. März, 10:00 – 18:00 Uhr Darüber hinaus können Instrumente auch täglich zwischen 7:00 und 22:00 Uhr beim Empfang / Bühneneingang Meierottostraße 12 abgegeben werden.
Informationen und Kontakte:www.musicfund.euwww.dkjs.de/themen/alle-programme/al-farabi-musikakademie www.mit-mach-musik.de
Music Fund Musikinstrumente für Geflüchtete
Die Berliner Festspiele starten mit MaerzMusik – Festival für Zeitfragen einen Aufruf zu Spenden von Musikinstrumenten, die dem Projekt Music Fund sowie Berliner Initiativen zugute kommen. Music Fund ist ein humanitäres Projekt, das seit 2005 Musiker und Musikschulen in Krisen-gebieten und Schwellenländern unterstützt. Music Fund sammelt und restauriert Instrumente und stellt sie Projekten vor allem in Afrika, in Nahost und in Zentral amerika zur Verfügung. Im Rahmen von MaerzMusik gespendete Instrumente kommen unseren Partnerprojekten Al-Farabi Musikakademie und MitMachMusik – ein Weg zur Integration von Flüchtlings kindern e. V. in Berlin zugute.
Spenden Sie ein Instrument!
Sonderaktion im Rahmen von MaerzMusik 2017
MaerzMusik – Festival für Zeitfragen 2017 im Radio und Internet / on air and online
Sendetermine
Ensemble KNM Berlin Sendung Deutschlandradio Kultur „Neue Musik“ 6., 13. & 20. April 2017, jeweils 00:05 Uhr
Ensemble Modern Sendung Deutschlandradio Kultur „Konzert“ 5. April 2017, 20:03 Uhr
Deutschlandradio Kultur ist in Berlin auf UKW 89,6 sowie DAB+, Kabel, Satellit, Online oder App – deutschlandradiokultur.de zu empfangen. Deutschlandradio Kultur can be received in Berlin on UKW 89,6, DAB+, Cable, Satellite, Online or App – deutschlandradiokultur.de.
Sammle sie alle!
www.monopol-magazin.de
Jede Monopol-Ausgabe des Jahres 2017 zeigt ex-klusive, nie gezeigte Kunstwerke – gestaltet von
den bekanntesten Künstlern unserer Zeit.
KÜNSTLER-AUSGABEN2017
DIDO [Tischlerei]Uraufführung am 28. Januar 2017
EDWARD II. – Andrea Lorenzo ScartazziniUraufführung am 19. Februar 2017 NEUE SZENEN III [Tischlerei]Uraufführung am 28. April 2017
L’INVISIBLE – Aribert ReimannUraufführung am 8. Oktober 2017
Die Tischlerei der Deutschen Oper Berlin: Spielstätte für neue Formen von Oper jenseits des Repertoires.
Karten und Infos: 030 - 343 84 343, www.deutscheoperberlin.de
Zeitgenössisches an der Deutschen Oper Berlin
die kunst
zuhören
92,4
WWW.DIGITALINBERLIN.DE
Der Fall des Anti-Mafia-Richters
Giovanni Falcone
FALCONE Oper von Nicola Sani
Musikalische leitung
David Robert Coleman
inszenierung
Benjamin Korn
PreMiere 28. aPril
30. aPril || 4. | 6. | 7. | 12. | 13. Mai 2017
WErkstAtt im sChiLLEr thEAtEr
tickets 030 – 20 35 45 55 www.staatsoPer-berlin.de
Konzert-Highlight 2017 Surrogate CitiesHeiner Goebbels Transporterwerk Volkswagen Nutzfahrzeuge, Hannover
www.kunstfestspiele.de
KunstfestspieleHerrenHausen05.05.—21.05.2017
Der Fall des Anti-Mafia-Richters
Giovanni Falcone
FALCONE Oper von Nicola Sani
Musikalische leitung
David Robert Coleman
inszenierung
Benjamin Korn
PreMiere 28. aPril
30. aPril || 4. | 6. | 7. | 12. | 13. Mai 2017
WErkstAtt im sChiLLEr thEAtEr
tickets 030 – 20 35 45 55 www.staatsoPer-berlin.de
unbegrenzt
KINO12 kinos • 350 fi lme im jahr
Das Yorck-Kinoabo:1 Jahr Mindestlaufzeit,danach monatlich kündbar.
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Einzelpreise / Individual prices
Haus der Berliner Festspiele 17.3., 20:00 Uhr € 25 / 20 * 18.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 * 19.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 * 19.3., 22:30 Uhr € 15 / 12 * 21.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 * 23.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 *
Akademie der Künste 25.3., 15:00 Uhr € 10 / 8 * 25.3., 17:00 Uhr € 10 / 8 * Kombiticket € 15 / 12 *
daadgalerie 17.3. – 16.4. Eintritt frei
Kirche Am Hohenzollernplatz 18.3., 22:30 Uhr € 20 / 15 *
Kraftwerk Berlin / The Long Now 25.3. , 18:00 Uhr € 30 (Tagesticket)26.3. ab 8:00 Uhr € 30 (Tagesticket)25. & 26.3. € 45 (2-Tagesticket)
Parochialkirche 24.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 *
Radialsystem 20.3., 20:00 Uhr € 20 / 15 *
SAVVY Contemporary17.3. – 26.3. Eintritt frei
silent green Kulturquartier – Konzert16.3., 20:00 Uhr € 15 / 12 * 22.3., 20:00 Uhr € 15 / 12 *
Eintrittspreise / Ticket prices
* Ermäßigte Eintrittspreise / reduced ticket prices
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Vorverkaufsstart / Advance sale
10. Januar 2017, 14:00 Uhr 10 January 2017, 2:00 pm
Wahl-Abonnement / Subscription
Wählen Sie aus dem Festivalprogramm mehrere Konzerte:Select a series of concerts from the festival programme:
9 Tickets mit 35 Prozent6 Tickets mit 30 Prozent3 Tickets mit 25 Prozent Ermäßigung auf den Einzelpreis / Reduction on the ticket price
Die Zahl der verfügbaren Wahl-Abonnements ist begrenzt. Im Wahl-Abonnement maximal 3 Tickets pro Konzert. The number of available subscriptions is limited to a maximum of 3 tickets per concert / event.
„The Long Now“ und die Konzerte des Sonar Quartetts am 25.März 2017 sind vom Wahl-Abonnement ausgeschlossen.
“The Long Now“ and the concerts featuring the Sonar Quartett on 25 March 2017 are excluded from available subscriptions.
Ihr Abonnement können Sie telefonisch oder an der Kasse buchen. Subscriptions booking at: www.berlinerfestspiele.de/wahlabo by phone or at the box office.
Ermäßigungen / Reductions
Ermäßigte Karten je nach Verfügbarkeit an den Abendkassen für Schüler, Studierende bis zum 27. Lebensjahr, Auszubildende, Freiwilligendienstleistende, Wehr- und Zivildienstleistende und ALG II-Empfänger (gültiger Ausweis erforderlich). Reduced tickets for students etc. at the evening box office subject to availability (valid ID necessary).
Eintritt frei zu allen Projekten von „Thinking Together” und QuerKlang Free entrance to all projects of “Thinking Together” and QuerKlang
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Kassen / Box Offices
Haus der Berliner Festspiele Schaperstraße 24, 10719 Berlin Montag – Samstag 14:00 – 18:00 Uhr
Martin-Gropius-Bau Niederkirchnerstraße 7, 10963 Berlin Mittwoch – Montag 10:00 – 18:30 Uhr
Karten erhalten Sie auch an den bekannten Vorverkaufskassen. Tickets are also available at the usual advanced booking offices.
Abendkasse / Evening Box Office Öffnet jeweils eine Stunde vor Beginn der Veranstaltungen. Opens one hour before the start of each concert / event.
Telefon / Phone
T / P + 49 30 254 89 100 F + 49 30 254 89 230 Montag – Freitag 10:00 – 18:00 Uhr
Online www.berlinerfestspiele.de
Programm- und Besetzungsänderungen vorbehalten Both programme and cast are subject to change
Bild- und Tonaufnahmen sind nicht gestattet! Während der Veranstaltung dürfen Mobiltelefone, mobile Computer und Kameras nicht eingeschaltet sein! Photography and / or recording of any kind are not allowed during the events. Electronic devices of any kind must be switched off.
Für Zuspätkommende kann der Einlass nicht garantiert werden. Admission after the beginning of the event cannot be guaranteed. Stand / Status: Dezember 2016
Ticket / Service
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Festivalpartner
Berlin Atonal Berliner Künstlerprogramm des DAAD Ev. Kirchengemeinde St. Petri-St. Marien Ev. Kirchengemeinde Berlin Am Hohenzollernplatz Goethe-Institut Karl Schlecht Stiftung k&k kultkom / Kulturkontakte e. V. klangzeitort – Institut für Neue Musik der UdK Berlin und HfM Hanns Eisler Berlin Kraftwerk Berlin Kulturstiftung des Bundes Österreichisches Kulturforum Berlin Radialsystem V SAVVY Contemporarysilent green Kulturquartier Universität der Künste Berlin
Projektpartner
Akademie der Künste, Berlin Ernst von Siemens Musikstiftung Pro Helvetia
Medienpartner
Kooperationen / Cooperations
Bildnachweise:S. 11 Catherine Christer Hennix, Fotograph unbekannt S. 13 Julius Eastman, Fotograph unbekannt, Mary Jane Leach’s collection S. 15 Uriel Barthélémi_LRTT © Taro Shinoda-Sharjah Art Foundation S. 17 Eva Reiter „The Lichtenberg Figures” © Eva Reiter S. 19 Nicosia, Zypern, Foto von John Thomson 1878,
Ikonographische Sammlung Wellcome Library, Wikimedia Commons S. 23 Jennifer Walshe & Caoimhin Breathnach „An Gléacht“, 2015, Film Still S. 27 Ramesh Vinayakam © Ramesh Vinayakam S. 33 „Nur“ © Catherine Christer Hennix S. 37 Alvin Lucier © Kai Bienert S. 43 „The Long Now“, Kraftwerk Berlin © Camille Blake
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Veranstalter / Organized by
Berliner FestspieleEin Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH A Division of Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH
Funded by the Federal Government Commissioner for Culture
Intendant / Director: Dr. Thomas Oberender Kaufmännische Geschäftsführung / Managing Director: Charlotte Sieben
MaerzMusik – Festival für Zeitfragen 2017 MaerzMusik – Festival for Time Issues 2017
Künstlerischer Leiter / Artistic Director: Berno Odo Polzer Organisationsleitung / Head of Organisation: Ilse Müller Produktion / Production: Ina Steffan, Magdalena Ritter, Merit Binder (Praktikantin / Trainee) Mitarbeit / Assistance „Thinking Together“: Laila Kühle Spielstättenleitung- und Künstlerbetreuung / Venue Management & Artist Service: Karsten Neßler, Katalin Drabant Presse / Press: Patricia Hofmann, Sara Franke, Jennifer Wilkens, Marie Büssemeier (Praktikantin / Trainee)
Flyer Herausgeber / Editor: Berliner Festspiele Redaktion / Editorial Department: Dr. Barbara Barthelmes Internetredaktion / Internet editors: Frank Giesker, Jan KöhlerKurztexte / Texts: Berno Odo PolzerÜbersetzungen / Translations: Elena Krüskemper, Berno Odo PolzerGrafik / Graphic Design: Umschlag / Cover: Scholz & Volkmer, Innenseiten / Inside pages: Ta Trung, Christine BerkenhoffHerstellung / Production: Motiv Offset Druckerei, Berlin
Impressum / Imprint
Gefördert durch
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Berliner Festspiele Schaperstraße 24 10719 Berlin T + 49 30 254 89 0 www.berlinerfestspiele.de [email protected]
Haus der Berliner Festspiele
Leitung Kommunikation / Head of Communication: Claudia Nola Presse / Press: Sara Franke, Patricia Hofmann, Jennifer Wilkens, Marie Büssemeier (Praktikantin / Trainee) Redaktion / Editorial Department: Dr. Barbara Barthelmes, Andrea Berger, Frank Giesker, Jan Köhler, Anne Phillips-Krug, Jochen Werner
Marketing: Gerlind Fichte, Christian Kawalla, Michaela Mainberger Vertrieb / Distribution: Uwe Krey, Florian Schinagl
Ticket Office: Ingo Franke (Ltg.), Simone Erlein, Frano Ivic, Alexa Stümpke, Gabriele Mielke, Torsten Sommer, Sybille Steffen Protokoll / Protocol: Gerhild Heyder Hotelbüro / Hotel office: Heinz Bernd Kleinpaß, Frauke Nissen, Florian Hauer
Organisationsleitung / Head of Organization: Nadin DeventerOrganisationsassistenz / Assistant Organization: Hélène PhilippotTechnische Produktionsleitung / Technical director: Matthias Schäfer Bühne / Stage: Harald „Dutsch“ Adams, Stefan Bartels, Pierre Joël Becker, Isaac Farfán Benitez, Sybille Casper, Maria Deiana, Birte Dördelmann, Stefan Frenzel, Alexander Gau, Lotte Genz, Martin Gehrmann, Susanne Honnef, Karin Hornemann, Ivan Jovanovic, Ingo Köller, Fred Langkau, Ricardo Lashley, Mirko Neugart, Christoph Reinhardt, Sven Rheinisch, Manuel Solms, Marcus „Marceese“ Trabus, Martin Zimmermann Licht / Lighting: Carsten Meyer (Ltg.), Günhan Bardak, Heide Bastian, Jason Dorn, Petra Dorn, Hans Fründt, Kathrin Kausche, Oliver Könitzer, Petra Könitzer, Mathilda Kruschel, Ruprecht Lademann, Imke Linde, Boris Meier, Franziska Robitsch, Lydia Schönfeldt, Juri Rendler, Thomas Weidemann, Sachiko Zimmermann-Tajima Ton / Sound: Manfred Tiessler (Ltg.), Simon Franzkowiak, Jörn Gross, Stefan Höhne, Jürgen Kramer, Axel Kriegel, Tilo Lips, Florian Matthews, Anastasios Papiomytoglou, Felix Podzwadowski, Dennis Roemer, Torsten Schwarzbach, Klaus Tabert, Martin Trümper
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Veranstaltungsorte
Haus der Berliner Festspiele Schaperstraße 24, Wilmersdorf U 9, U 3, Bus 204 Spichernstraße, Ausgang Bundesallee Bus 249 Lietzenburger Straße
Akademie der Künste, Berlin Hanseatenweg 10, Tiergarten S 5, S 7, S 75 Bellevue, U9, Bus 106 Hansaplatz
daadgalerie Oranienstraße 161, Kreuzberg U 8, Bus 29 Moritzplatz, U 1, U 8 Kottbusser Tor
Kirche Am Hohenzollernplatz Nassauische Straße 66–67, WilmersdorfU 3, Bus 249 Hohenzollernplatz
Kraftwerk Berlin Köpenicker Straße 70, Mitte U 8, Bus 265, Bus 165 Heinrich-Heine-Straße S 5, S 7, S 75, Bus 248, N 8, N 40, N 65 Jannowitzbrücke
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Kirche Am Hohen- zollernpl.
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Berliner Festspiele
Kraftwerk
Radial- system V
Parochial- kirche
Akademie der Künste
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SAVVY Cont. / silent green
SAVVY Cont. / silent green
Parochialkirche Klosterstraße 66, Mitte U 2 Klosterstraße, U 8 Jannowitzbrücke S 5, S 9, S 75 Alexanderplatz / Jannowitzbrücke
Radialsystem V Holzmarktstraße 33, Friedrichshain S 3, S 5, S 7, S 75, Bus 140, 142, 147, 240, 247, 248 Ostbahnhof
SAVVY Contemporary Gerichtstraße 35, Wedding (Eingang Plantagenstr. 31)
silent green Kulturquartier Gerichtstraße 35, Wedding S 41, S 42 Ringbahn Wedding, U 6 Wedding / Leopoldplatz, Bus 120 Gerichtstraße
Universität der Künste (UdK) Bundesallee, Probensaal Bundesallee 1–12, Wilmersdorf U 9, U 3, Bus 204 Spichernstraße, Ausgang Bundesallee Bus 249 Lietzenburger Straße
