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Tanzim

augusT

TanzimaugusT. de inTernaTionales TanzfesTberlin 14.–30.8.2009

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2009

Bei TANZ IM AUGUST steht mit dem Motto „Listen!“ statt des visuellen Erlebens von Tanz diesmal die akustische Wahrnehmung im Vordergrund. Aber kann man Tanz hören? Ein geladen haben wir Künstler, die mit ihren Produktionen auf ganz unter schiedliche Art und Weise zum Zuhören auffordern: Vertreten sind Tanzstücke, die wie Konzerte aufgebaut sind und Choreo­grafien, in denen Bewegung direkt hörbar wird. Mehrere Produktionen beschäftigen sich mit dem Verhältnis von Bewegung einerseits und Stimme, Sprache oder Musik andererseits. Hinzu kommen Choreografien, in denen Bewegungen akustische Imaginationen auslösen und narrative Ansätze, in denen der Tanz an ein soziales Bewusstsein appelliert. Ein weiterer Schwerpunkt des Programms liegt dieses Jahr auf der jungen Generation, deren Arbeiten wir gleichberechtigt neben denen international renommierter Choreografen zeigen. Gespräche und Vorträge, Partys und Konzerte bieten die Gelegenheit zur weiterführen­den Auseinandersetzung mit dem Motto „Listen!“ und zur Begegnung zwischen Künstlern, Theoretikern und Publikum.

Viel Vergnügen!

With the motto “Listen!”, TANZ IM AUGUST 2009 places the acoustic instead of the visual perception of dance in the foreground. But is dance audible? We have invited artists with productions that challenge the audience to listen in many different ways:There are dance pieces that are constructed like concerts and choreographies in which dance can be heard directly. Numerous productions focus on the relationship between movement on the one hand and the human voice, language or music on the other. In addition, there are choreographies in which movements unleash acoustic fantasies and narrative approaches appeal to a social conscience.Another program focus is placed on a young generation whose works are presented next to those by internationally renowned choreographers. Talks, lectures, parties and concerts will allow for an in-depth confrontation with the motto “Listen!” and create space for communication between artists, scholars and the audience.

Enjoy yourself!

Ulrike BeckerPirkko HusemannMatthias LilienthalAndré ThériaultMarion Ziemann

Tanz im augusT

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programms mit Sortierung

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tip_AZ_105x210_Abo_Tanz_i_Aug.in1 1 18.05.2009 12:51:40 Uhr

Ein plötzlicher Ausbruch realer, tödlicher Gewalt überschattet im Dezember 2007 die Eröffnung des Tanzzentrums von Salia Sanou und Seydou Boro in Burkina Faso. Die Schießerei zwischen Armee und Polizei in einem der friedlichsten Länder Afrikas wird zum Auslöser ihrer Arbeit an POUSSIÈRES DE SANG („Blutstaub“). Das Stück verdeutlicht, wie nahe die beiden Choreografen der Wirklichkeit sind. Im Tanz dechiffrieren sie Gewalt in all­täglichen und historischen Tragödien, in unserer unmittelbaren Nähe sowie am anderen Ende der Welt. Dabei kombinieren die Musiker traditionelle Instrumente mit einem Saxophon, der Gesang basiert auf improvisierten Texten und steht damit in der Tradition afrikanischer Geschichten erzähler.

“POUSSIÈRES DE SANG (“Dust of Blood”) is based on physical states experienced in situations of extreme tension and violence, on testimonies of bodies that were tested by life. “In alternative slow or accelerated gestures, the seven dancers deci-pher the essence of violence and its impact on human beings in their own flesh and mind.” (Frédéric Ilboudo, L’Opinion) The piece explores our individual and collec-tive memory of the tragedies we go through, the daily as well as the historic ones, whether close to us or on the other side of the world. The musicians use traditional instruments in unison with a saxophone and sing their own improvised texts in the manner of African storytellers.

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Choreografie: Seydou Boro, Salia Sanou Tanz: Seydou Boro, Adjaratou Ouédraogo, Ousseni Sako, Salia Sanou, Bénédicth Sene, Boukary Séré, Asha Thomas musik: Oumarou Bambara, Amadou Dembélé, Djata Melissa Ilebou, Mamadou Koné, Pierre Vaiana liChT: Eric Wurtz bühnenbild: Ky Siriki koprodukTion: La Passerelle – Scène nati-onale de Saint-Brieuc, Festival Montpellier Danse 2008, Le Volcan – Scène nationale – Maison de la Culture du Havre, Théâtre de la Ville (Paris), Théâtre de la Bastille (Paris), Théâtre de l’Agora, Scène nationale d’Evry et de l’Essone, Ile-de-France, Centre National de la Danse – Pantin, Centre Culturel Français de Ouagadougou, Centre de Développement Chorégraphique – La Termitière de Ouagadougou, Compagnie Salia nï Seydou miT unTersTüTzung von: Ministère de la culture et de la communication – DRAC de Bretagne, Conseil Général des Côtes d’Armor (Saint-Brieuc) gasTspiel ermögliChT durCh: Französische Botschaft, Bureau du Théâtre et de la Danse, Culturesfrance, Goethe-Institut.

Compagnie salia nÏ seYdou ouagadougou »poussières de sang« 14 + 15 aug / 20 hhaus der berliner fesTspiele

eur 25 / 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

65 min

Foto > Antoine Tempé

deuTsChlandpremiere

Das jüngste Stück des französisch­österreichischen Kollektivs beginnt mit der napoleonisch­österreichischen Schlacht bei Aspern im Jahr 1809. In historischen Kostümen wird geschossen, gestorben und vergewaltigt. Schnell wird allerdings deutlich, dass hier nur ein Film über den Krieg gedreht wird. Das Gemetzel bildet den Ausgangspunkt für eine Reflektion über die Medialisierung von Gewalt: Wie fabriziert man einen Sieg? Soll die Legende oder die Wirklichkeit gezeigt werden?„Ein lautes Stück, mit einer Unmenge an Anspielungen und Metaphern, ein Referenzmonster, das sich demonstrativ in den Kloaken des Kapitalismus an der Gülle der Repräsentationskultur gütlich tut.“ (Helmut Ploebst, Der Standard)

The latest piece by the French/Austrian collective starts out with the Napoleonic-Austrian battle near Aspern in the year 1809. People in historical costumes shoot, die and rape until the battle is revealed to be a film scene. This play within a play is the point of departure for a reflection on the mediatization of power. ”For all it proposes, EMPIRE (ART & POLITICS) is an important work of art, an utmost contempo rary and worldly critical statement in a clear and challenging form.” (Jeroen Peeters, www.corpusweb.net)

Durch Bewegung und Sprache werden Empfindungen zur kollektiven Erfahrung, indem die Tänzer sich zum Beispiel vorstellen, sie wären ein Tier oder verspürten intensive Lust. Gesprochene Sätze erzeugen Vorstellungen, und diese erzeugen körperliche Reaktionen. „Ich möchte Körper auf die Bühne bringen, die sich selbst erfinden und sich durch die Vorstellungen Anderer verwandeln. Es geht um die körperliche Imagination, die Beziehung zwischen Bewegung, Imagination und Empfindung.“ (Alice Chauchat)

Through movement and speech, sensations become collective as the performers imagine – for example – becoming animals or experiencing intense pleasures, thereby transform-ing their bodies and changing states. The performers’ voices travel through the room and describe these fantasies while lights transform the space into an artificial environment.

Choreografie/konzepT: Alice Chauchat Tanz/miTarbeiT: Cecilia Bengolea, Frédéric de Carlo, François Chaignaud, Frédéric Gies, Lola Rubio sound: Peter Lenaerts liChT: Rut Waldeyer koprodukTion: TANZ IM AUGUST geförderT durCh: Hauptstadtkulturfonds (Berlin) miT unTersTüTzung von: fabrik Potsdam, Tanzplan Potsdam: Artist-in-Residence.

Im Rahmen des Künstlerprojekts Praticable wird jeder Aufführung ein kürzeres Praticable­Stück vorangestellt.

Praticable is a horizontal work structure created by Alice Chauchat, Frédéric de Carlo, Frédéric Gies, Isabelle Schad and Odile Seitz that brings into relation research, creation, transmission and production. Each performance of a piece made within Praticable is preceded by a shorter Praticable performance.

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Choreografie/produkTion: Superamas darsTeller: Roch Baumert, Alix Eynaudi, Davis Freeman, Magda Loitzenbauer, Ariane Loze, Jamal Mataan, Anna Mendelssohn, Diederik Peeters, Faris Endris Rhoma, Rachid Sayet, Martin Schwab und Superamas koprodukTion: Parc de la Villette dans le cadre des Résidences d’Artistes 2008 (Paris), Linz 2009 Kulturhauptstadt Europas, Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Kaaitheater (Brüssel), Workspace Brussels in zusammenarbeiT miT: CCL choreographiccentrelinz (Linz), Centre Chorégraphique National de Montpellier, CNEAI (Paris), wp zimmer (Antwerpen) miT unTersTüTzung von: Stadt Wien, Österreichisches Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur, Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Île de France, Ministère de la Culture et de la Communication (Paris), l’Onda (Paris) gesponsorT von: Le Cru 100% Champagne gasTspiel ermögliChT durCh: Französische Botschaft, Bureau du Théâtre et de la Danse, Culturesfrance.

superamas paris / Wien »empire (arT & poliTiCs)« 15 aug / 21 h + 16 aug / 20 hhau 2

eur 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

90 min

aliCe ChauChaTberlin »ColleCTive sensaTions (praTiCable)« 15 + 16 aug / 19 hpodeWil

15 aug isabelle sChad »ohne WorTe (praTiCable)« (exCerpT / aussChniTT) / 10 min

16 augfrÉdÉriC de Carlo & odile seiTz »The parTners (praTiCable)« 20 min

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

Ca. 70 min

! uraufführung !

16 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

vorher / preCeded bY

Foto > SuperamasFoto > Kai Stoeger

deuTsChlandpremiere

In MUSCLE beschäftigen sich Arto Lindsay und Richard Siegal mit dem Phänomen der synästhetischen Wahrnehmung: Musik wird sichtbar, Tanz wird hörbar. In Zusammenarbeit mit Softwaredesigner Peter Zuspan und Lichtdesigner Gilles Gentner schaffen sie eine neue Sprache und ent­wickeln Klänge, durch die sich die Elemente Tanz und Musik entweder unterstreichen oder aber gegenseitig aufheben können. Ausgehend von der Annahme, dass beide Elemente in der Aufführung unter schiedliche Intensitäten haben, bildet die Musik das Vokabular der Bewegung, der Tanz die Beschaffenheit des Klangs ab. Dadurch wird ein Maß an Konzen tration erreicht, wie es in der jeweils einzelnen Form nur selten vorkommt.

MUSCLE starts from a synaesthetic impulse: the audience sees Arto Lindsay play-ing and hears Richard Siegal dancing. In collaboration with architect and software designer Peter Zuspan and light designer Gilles Gentner their aim is to develop a new language as well as to explore source-specific sound systems and ways in which the different components and performers can highlight each other or cancel each other. Dance and music require different levels of intensity in performance. Bringing dance up to this intensity – while asking the music to display the level of articulation in dance – requires a measure of concentration rarely found in either discipline.

Nahezu jeder künstlerische Arbeitsprozess kommt früher oder später vorübergehend ins Stocken. Aber nur selten arten Meinungs verschie­den heiten zwischen zwei Künstlern in tät liche Übergriffe aus. Die Nach­wuchs choreo grafen Pieter Ampe und Guilherme Garrido zeigen eine 30minütige Begegnung, während der sie sich gegen seitig triezen und schikanieren, bis uns das Lachen im Halse stecken bleibt.

“A well thought and constructed choreography, alternating moments of perfect creative harmony with ‘epic battles’ [...]. The result is a performance where exam-ples of male relationships are portrayed, highlighting the most banal aspects linked to imposed models of virility stereotypes.” (Paolo Salerno)

Das komisch­groteske Solo von Rachel Krische ist das Resultat einer Auseinandersetzung mit dem Stück The Runner der US­amerikanischen Choreografin Deborah Hay. Hay, die 2008 mit If I sing to you bei TANZ IM AUGUST zu sehen war, schickt ihre Interpreten auf eine Suche nach Wegen, Stimmungen, Bildern und Lauten, die genau in dem Moment zerfallen, wo sie eindeutig zu werden beginnen. Krische meistert diese Aufgabe mit Präzision und britischem Understatement.

THE SWIMMER is an adaption of Deborah Hay’s Solo The Runner. While the performance follows Hay’s set score, Rachel Krische’s execution is very much unique to her, full of moments that are completely free of decipherable movements.

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konzepT: Arto Lindsay, Richard Siegal Tanz: Richard Siegal musik/komposiTion: Arto Lindsay bühnenbild/sound: Peter Zuspan liChT: Gilles Gentner koprodukTion: Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Sophiensaele (Berlin), Deutsches Nationaltheater und Staatskapelle Weimar GmbH, Staatstheater Thüringen, Choreographisches Zentrum NRW GmbH (Essen), PACT Zollverein (Essen), The Bakery (Berlin) miT unTersTüTzung von: NATIONALES PERFORMANCE NETZ (NPN) (München), Tanzplan Deutschland. eine veransTalTung der sophiensaele, unTersTüTzT von Tanz im augusT.

arTo lindsaY / riChard siegal neW York / frankfurT »musCle« 16 + 17 aug / 21.30 hsophiensaele

Choreografie/Tanz: Pieter Ampe, Guilherme Garrido produkTion: Campo (B) geförderT durCh: Départs Network mit Unterstützung der Europäischen Kommission im Rahmen des Programms Education and Culture DG.

double bill

pieTer ampe /guilherme garrido genT / porTo 30 min »sTill diffiCulT dueT« 17 + 18 aug / 21.30 hhau 3

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

45 min

Choreografie: Deborah Hay adapTion/Tanz: Rachel Krische miT unTersTüTzung von: ID, Dance4.

raChel krisChe london »The sWimmer «

deuTsChlandpremiere

deuTsChlandpremiere

deuTsChlandpremiere

18 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

20 min

im ansChluss

»The Swimmer« Foto > Chris NashFoto > Paula Hiroe

Der Ndombolo ist eine wirbelnde Mischung aus Rumba, traditionellen einheimischen Rhythmen, der Musik sonntäglicher Blaskapellen und Funk. Obwohl in den Texten dieser Musik hauptsächlich materialistische Träume besungen werden, hat die unmittelbare körperliche Wirkung des „kongo­lesischen Pop“ den Choreografen Faustin Linyekula stark beeindruckt. Der außergewöhnlichen Energie der Gitarren und den Stimmen des Ndombolo fügt Faustin Linyekula eine neue Text ebene und seine Choreografien hinzu, um uns „mit beiden Beinen fest am Boden zum Träumen zu bewe­gen“. MORE, MORE, MORE... FUTURE lädt dazu ein, gemeinsam über die Zukunft nachzudenken – ein Feuerwerk aus Rock konzert und Choreografie zu den schnellen Rhythmen von Flamme Kapaya.

The ndombolo is a swirling mixture of rumba, traditional rhythms, Sunday brass-band music and funk. Faustin Linyekula is fascinated by the direct impact of this “Congolese pop” on the body, even though mainly materialist dreams usually make up the lyrics. He adds his own scores to the extraordinary energy of the guitars and the voice of the ndombolo; they urge us to “dream with our feet on the ground.” MORE, MORE, MORE... FUTURE invites the spectator to build a future to the devilish rhythms of Flamme Kapaya and his colleagues. On stage, dancers and musicians serve up a rock concert/choreography that also acts as a guide for reflection.

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Choreografie/konzepT: Benoît Lachambre, Laurent Goldring, Louise Lecavalier, Hahn Rowe Tanz: Benoît Lachambre, Louise Lecavalier musik: Hahn Rowe liChT/bühnenbild/projekTion: Laurent Goldring produkTion: Par B.L.eux koprodukTion: Théâtre de la Ville (Paris), MODAFE 2008 (Seoul), Mercat de les Flors (Barcelona), PACT Zollverein (Essen), Festival TransAmériques (Montréal), Fabbrica Europa (Florenz), Usine C. Montréal miT unTersTüTzung von: The Canada Council for the Arts (Ottawa), Conseil des arts et des lettres du Québec, External Affairs and International Trade Canada (Ottawa) gasTspiel unTersTüTzT durCh: Vertretung der Regierung von Québec in Berlin.

Vier bekannte Künstler – ein Choreograf und Tänzer, eine Tänzerin, ein bilden der Künstler, ein Komponist und Musiker – haben sich zusam men ­getan und ein faszinierendes Spiel aus Bewegung, Bildern und Klängen erschaffen, das sich jeder Kategorisierung entzieht und zu einem verblüffen­den Abenteuer geraten ist, bei dem Identitäten und Wah rnehmungs ebenen ver schwimmen. Laurent Goldrings Projektionen definieren den Raum, die Tänzer werden zum Element seiner Zeichnungen. Konturen erwachen zum Leben, Tanz, Bild und Hahn Rowes live gespielte Klang land schaften fließen am Ende übergangslos ineinander und entwickeln eine neue gestische Qualität, die mehr Rhythmus ist als Form. Die kanadische Presse nannte das Stück „pure Kunst, lebendig gewordene Lein wand“ (The Montreal Gazette).

Four famous artists – a choreographer/dancer, a dancer, a visual artist, a composer/musician – joined to create a fascinating game of movement, images and sounds. IS YOU ME belies all categorization and is an adventure in which identities and levels of perception merge. Laurent Goldring’s projections define the space; the dancers become an element in his drawings. Contours come alive and dance, images and Hahn Rowe’s live soundscapes flow into one another. They develop a new gestural quality that is more rhythm than form. The Canadian press called the piece “pure art, a screen awakened to life“ (The Montreal Gazette).

par b.l.eux benoîT laChambre / laurenT goldring / louise leCavalier / hahn roWe monTrÉal »is You me«17 + 18 aug / 19.30 h / akademie der künsTe, hanseaTenWeg

idee/konzepT: Faustin Linyekula musikalisChe leiTung: Flamme Kapaya musik: Flamme Kapaya, Patou “Tempête” Kayembe, Le Coq, Cédric “Béton” Lokamba, Patient Mafutala Useni Tanz: Dinozord, Papy Ebotani, Faustin Linyekula kosTüme: Xuly Bët produkTion: Studios Kabako koprodukTion: TANZ IM AUGUST, KVS Theater (Brüssel), Festival d’Automne (Paris), Maison des Arts de Créteil, Kunstenfestivaldesarts (Brüssel) miT unTersTüTzung von: Theaterformen (Hannover), Direction Régionale des Affaires Culturelles d‘Ile de France, Ministère de la Culture et de la Communication (Paris), l’Organisation Internationale pour la Francophonie (Paris).

fausTin linYekula / sTudios kabako kisangani »more, more, more... fuTure« 18 + 19 aug / 19.30 hhau 1

eur 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

80 min

eur 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

70 min

Foto > Agathe PoupeneyFoto > André Cornelier

sofia dias and víTor roriz / lissabon »unfolding« 30 min UNFOLDING beschreibt den Vorgang des Enthüllens, des Aufdeckens, zu dem auch die gespannte Erwartung gehört, die der Enthüllung eines Objekts oder Körpers vorangeht. Den Moment, in dem wir etwas beina­he erkennen, die Erinnerung daran jedoch bewusst verdrängen, um die Aufdeckung hinauszuzögern und die Spannung zu verlängern. /// UNFOLDING is the action of disclosing, of gradually revealing something. A mysterious moment is implicit: expectations rise as the object is uncovered. In the moment just before the object is recognized we attempt to postpone revelation and prolong our expectations.

konzepT/performanCe: Sofia Dias, Vítor Roriz produkTion: O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo) gasTspiel in zusammenarbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

aYs ¸ e orhon / isTanbul »hava’nin a’si – [a:] of air« 30 min

„Ein Stück über die Wechselwirkung von Stimme/Ton und Bewegung, inspiriert vom gemeinsamen Singen türkischer Lieder mit Freunden und Familie in meiner Kindheit. Ich möchte die innere Maschinerie des Körpers sichtbar machen, zeigen, wie der Körper Laute und Töne hervorbringt.“ /// “I remembered the days from my childhood when family and friends would gather to play and sing Turkish classical music together. I wanted to explore the interrelation between voice/sound and movement, how their shapes affect each other and also study the use of the air as the carrier of sound as well as movement. This is an attempt to expose the body’s inner machinery that produces sound, to make visible what is invisible.”(Ays ¸ e Orhon)

Choreografie/performanCe: Ays ¸ e Orhon musik: Ahmet Altinel liChT: Jiv Wagner gasTspiel in zusammen­arbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

hermann heisig / nuno luCas / irina müllerberlin »WhaT Comes up musT go up« 30 min

Das Stück ist eine Recherche über Wachstum, Ausdehnung und andere Vergröße rungen. Eine musikalische, physische, oft ironische Tour de Force, die mit der Vorstellung von übertrieben sensiblen und anpassungs fähigen Körpern spielt, die an ihre Grenzen stoßen. /// A collaborative investigation of growth, expansion and things getting bigger, WHAT COMES UP MUST GO UP exagger-ates a desire for seeing things grow, such as plants, babies, investments, knowledge...

Choreografie/inTerpreTaTion: Hermann Heisig, Nuno Lucas, Irina Müller gasTspiel in zusammenarbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

ana CaTalina gubandru / bukaresT »i don’T knoW, i’ve never been here before« 20 min Ein Stück über die Lücke – die Lücke zwischen Zug und Bahnsteigkante, die Lücke zwischen Menschen, die Lücke zwischen Dingen und Menschen. /// “Mind the gap – this warning, heard so often in the subway, focuses on the space between the platform and the train. In my piece I investigate the spaces between people, and between people and things.” (Ana Catalina Gubandru)

Choreografie/performanCe: Ana Catalina Gubandru gasTspiel in zusammenarbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

sandra z. / Tallinn »iT’s Time« 30 min

Sandra Z. ist eine junge Choreografin und Performerin, die seit ihrem 16. Lebens jahr eigene Stücke aufführt. Sie studierte Tanz in Tallinn und am Dartington College in England. Nebenbei ist sie Leadsängerin der Death Metal­Band Deceased Dreams. /// “This is a physical theater/

contemporary dance performance in which we will try to capture the dynamics of a concert – a musical masterpiece like... Vivaldi’s The Four Seasons. After a concert you never ask what it was about or why one harmony

followed another the way it did. There is no social or political plot, all the visual effects are strictly personal and undescribable in any other way.” (Sandra Z.)

regie/darsTellung: Sandra Z. musik: Taavi Tulev Choreografie: Alissa Snaider, Sandra Z. koprodukTion: Kanuti Gildi SAAL (Tallinn) gasTspiel in zusammenarbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

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looping 1 19 aug / 19 hhalle Tanzbühne berlin

looping 2 20 aug / 19 hhalle Tanzbühne berlin

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

deuTsChlandpremiere

! uraufführung !deuTsChlandpremiere

deuTsChlandpremiere

Foto v.l.n.r. > Sofia Dias Nuno Müller-Heisig / Gokhan Kali / Tuuli Antsov / Vlad Petri ! uraufführung !

Mit ihrer aktuellen Performance riskieren Cecilia Bengolea und François Chaignaud den Blick über die Grenze zwischen Leben und Tod. SYLPHIDES ist eine Forschungsexpedition ins Sein danach – eine Spekulation: Was geschieht mit dem Körper, mit dem Tanz, wenn diese Grenze überschrit­ten wird? Auf der Suche nach einer Antwort setzen sie sich extremen Situationen aus. Die Tänzer liegen in Latexbetten, wie lebensgroße Schutzhüllen, in denen sie mit Hilfe eines Atemschlauchs für einige Stunden überleben können. Sie begeben sich bewusst in einen Zustand absoluter Leere und Einsamkeit, loten das Verhältnis von Leben und Sterblichkeit aus.

SYLPHIDES is an expedition to life after death. With their current performance, Cecilia Bengolea and François Chaignaud try to reach out for what may lie behind the border of life. What will happen with the human body, what dance will there be, once this limit is exceeded? Searching for answers, they put their bodies to extremes. In a condition of absolute reclusion and emptiness, a renaissance dance might liberate what was contained, preserved from emptiness, preserved from death, waiting for reincarnation.

Where To danCe / Chill / eaT / drink / Talk daY and nighT? sommer.bar 2009 lädt ein zu lauen Sommernächten mit Performances, Filmen, Konzerten, Ausstellungen, Partys von und mit Künstlern des Festivals. C [das ausführliChe programm finden sie in unserem sommer.bar flYer

und auf unserer WebseiTe]

sommer.bar 2009 is a place to dance, meet, network, hang out and communicate. Come by and enjoy long nights and sunny days in the festival center with daily performances, interventions, screenings, concerts, exhibitions and parties. C [see the sommer.bar flyer or our website for more info]

Relax and study in sommer.bar: massagen (Shiatsu, Fußreflexzonen, Klassische Massage)…books on the move [www.booksonthemove.eu], Lese­ecke mit Tanzmagazinen und Filmen / free internet access. sommer.bar 2009 presents: a bed full of songs – a performance by plan b, Sophia New & Daniel Belasco Rogers / a ConCerT by Hahn Rowe / – an inTervenTion by Antonia Baehr / madmud – a concert by Tânia Carvalho / The heaTher lang shoW by Eleanor Bauer and Vise Versus / …and François Chaignaud, Cecilia Bengolea, Gerald Kurdian / filme über Arbeiten von Benoît Lachambre, Anna Halprin, Trisha Brown …and manY manY more.

parTYs: aug 13Th sommer.bar kiCk­sTarT parTY – mit Performances und einem rauschenden Fest. aug 29Th TANZ IM AUGUST Closing evenT / absChlussparTY

Konzept / Programm: Kerstin Schroth

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CeCilia bengolea / franÇois Chaignaud paris »sYlphides« 19 aug / 21.30 h + 20 aug / 21.00 hpodeWil

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

60 min

Choreografie/konzepT: Cecilia Bengolea, François Chaignaud Tanz/miTarbeiT: Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Chiara Gallerani, Lenio Kaklea musik/dramaTurgie: Berno Polzer liChT: Eric Houllier produkTion: Vlovajob Pru koprodukTion: Le Quartz – Scène nationale de Brest, Le Merlan – Scène nationale de Marseille, Centre Chorégraphique National de Franche-Comté à Belfort, Centre Chorégraphique National Montpellier Languedoc Roussillon, La Ménagerie de Verre (dans le cadre des Studiolabs (Paris)), Théâtre de l‘Usine (Genf).

sommer.bar 2009 4Th ediTiondailY 11 a.m. – open end podeWilsommer.bar on the road: part of the program at hau 1 / 2 / 3

20 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

deuTsChlandpremiere

Foto > Alain Monot

Foto v.l.n.r. > Rebecca Groves / Bettina Hoffmann / Tânia Carvalho

Was passiert mit einem Tanz, wenn er bei Youtube erscheint und sich von dort aus in alle Welt verbreitet? Zur Beantwortung dieser Frage hat die junge Choreografin Eleanor Bauer einen neuen Streetdance erfunden: das Scratching. Grundregel des Tanzes ist es, die Füße beim Tanzen immer auf dem Boden hin und her zu schieben, wodurch ein kratzendes Geräusch entsteht. Eine Video­Installation im Foyer ermöglicht es, das Bewegungsvokabular dieses Tanzes Schritt für Schritt zu lernen. Das dazu­gehörige Bühnenstück AT LARGE verhandelt den ewigen, großen Diskurs zur Rolle des Tanzes als Kunst, Unterhaltung, Popkultur, Vergnügen, Kommunikation, Abstraktion, Identifikation, Ausdruck – alles, um zwei kurze Fragen zu stellen: wo sind wir heute und wohin als nächstes?

AT LARGE is a dance performance accompanied by a book, a song, a screensaver, an invented dance fad called “scratching” and a series of videos screened in the lobby of the live performance – all working together to question and articulate the position(s) of dance in the world today. Sliding between points of interest, connect-ing disparate frames of reference, transgressing spheres of relevance, Eleanor Bauer negotiates the persistent tropes of dance as art, entertainment, street cul-ture, pleasure, communication, abstraction, identification and self-expression. AT LARGE confronts these recombinant histories in order to ask where we stand today and, of course, where to move next.

Passend zum Motto des diesjährigen Festivals erörtern Theoretiker aus Theater-wissenschaft und Klangforschung die Kultur und Geschichte des Hörens sowie dessen Bedeutung in Kunst und Alltag.

Eine Veranstaltung in Zusammenarbeit mit dem Forschungsprojekt „Stimmen als Paradigmen des Performa-tiven“ am Sonderforschungsbereich „Kulturen des Performativen“ der Freien Universität Berlin. Mit Dank an Myriam Van Imschoot und Jeroen Peeters.

Teil 1 donnersTag 20 aug / 18.30 h /// hau 1 foYer/ eur 5 (dt.)

Doris Kolesch, Berlin. CEiNFüHRuNG Gerald Siegmund, Gießen. Vortrag C»DAS AKuSTiSCH imAGiNäRE« max Ackermann, Erlangen. Vortrag C»DiE KuLTuR DES HöRENS. WiE mEDiEN mACHEN, DASS DAS OHR HiSTORiSCH WiRD«

Teil 2 » nighT ediTion« freiTag 21 aug / 21.30 h /// hau 1 foYer / eur 3

michael Bull, Sussex. Vortrag C»THE iPOD EFFECT« (engl.)

Teil 3 monTag 24 aug / 18.30 h /// hau 1 foYer / eur 3

Brand on LaBelle, Bergen. Vortrag C»ACOuSTiC TERRiTORiES« (engl.)

Workshop freiTag 21 aug – sonnTag 23 aug /// 14 – 17 h /// hau 1

Brandon LaBelle, Bergen. C»RECORDiNG SOuNDS OF DANCiNG« TEILNAHMEGEBüHR: EUR 75 / ERM. EUR 50

Based on his project The music will not be broadcast for Deutschlandradio, LaBelle will give a workshop in which he collects the audible traces of dancing bodies. Mu-sic will serve as a stimulus for movement. However, one won’t hear the deep bass or the hammering beats in the space; instead, only the sound of moving bodies will be audible. Precisely this material will then be reworked into a acoustic “portrait.”

In English, no specific experience required. Limited number of participants. Registration deadline: July 31st 2009. More information at: dance.assist@hebbel-am-ufer.de

gespräCh diensTag 25 aug / 18.30 h /// hau 1 foYer / einTriTT frei

»uNFiNiSHED« – Susanne Foellmer und Pirkko Husemann im Gespräch über das Unabgeschlossene im zeitgenössischen Tanz (dt.).

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eleanor bauer brüssel »aT large« 20 aug / 21 h + 21 aug / 21.30 hhau 3

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

65 min

idee/konzepT: Eleanor Bauer Tanz/miTarbeiT: Eleanor Bauer, Femke Gyselinck, Manon Santkin video: Inneke Van Waeyenberghe liChT: Peter Fol kosTüme: Ada Rajszys musik: Gerald Kurdian & Board of Dance produkTion: Good Move vzw koprodukTion: Dance Theater Workshop (New York), Hebbel am Ufer (Berlin), Kunstencentrum BUDA (Kortrijk), Monty, PACT Zollverein (Essen), Vooruit (Genf), WorkSpaceBrussels, Public support from the Flemish Community, Flemish Commission Brüssel geförderT durCh: Départs Network mit Unterstützung der Europäischen Kommission im Rahmen des Programms Education and Culture DG.

»deep lisTening« zur kulTur des hörens in kunsT und allTag

21 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

deuTsChlandpremiere

Foto > Eleanor Bauer

jeremy Wade will extend a naughty little night time series of five minute

shows: Summer Serenades in reverence of inspiring dead people. Thus closing

the events of the day and preparing us for the day to come with some glitter

wwwooosssshhhh!!! look for Them ouTside of hau 2 aT 23.55 h sharp!

BODIES IN URBAN SPACES ist kein gewöhnlicher Spaziergang – es ist ein sich bewegender Parcours. Choreografiert für eine Gruppe von 20 Berliner Tänzerinnen und Tänzern, deren Bewegungen der Zuschauer ver­folgen kann, um sich damit selbst durch öffentliche und halb­öffentliche Räume fortzubewegen. Eine Kette schnell gebildeter Körper­Skulpturen eröffnet neue Perspektiven und Einblicke, sie zeigt dem Publikum die urbanen, funktionellen Strukturen und daraus resultierende limitierte Bewegungs möglichkeiten auf. Zuschauer und Passanten werden dazu ein geladen, über ihr Umfeld und ihre Bewegungsgewohnheiten nachzu­denken. Die Intervention bleibt temporär, ohne Abdruck. In der Erin ne­rung der Augenzeugen aber hinterlässt sie ihre Spur.

BODIES IN URBAN SPACES is anything but an ordinary excursion. It is a moving obstacle course, choreographed for a group of dancers who lead the audience through selected parts of public and semi-public spaces. A series of temporary physical interventions are set up very quickly, allowing the public to perceive the same space or place in a new and different way. Passersby, residents and the audi-ence are motivated and prompted to reflect on their urban surroundings as well as their own movement behaviors and habits. The interventions are temporary and leave no traces except imprints in the eyewitnesses’ memories.

PARADES & CHANGES, REPLAYS ist eine Neuinterpretation des Stückes Parades & Changes von Anna Halprin, das 1965 uraufgeführt wurde. Halprin war eine der ersten, die Improvisation und alltägliche Bewegungen als choreografisches Mittel einsetzte – damals eine revolutionäre Idee, die einen entscheidenden Beitrag zur Entwicklung des postmodernen Tanzes leistete. Allerdings konnte das Stück in den USA wegen der Ausstellung von Nacktheit auf der Bühne über 25 Jahre lang nicht gezeigt werden. In Anne Collods Version rückt stattdessen die Art und Weise des Umgangs mit Anweisungen zur Improvisation in den Vordergrund. Je nach Interpret fällt der Tanz zur Musik von Morton Subotnick, einem langjährigen Wegbegleiter von Halprin, unterschiedlich aus.

PARADES & CHANGES, REPLAYS is the re-interpretation of Anna Halprin’s 1965 masterpiece Parades & Changes. Halprin’s work, one of the most radical and fecund artistic adventures of the 20th century, opened a vast field of experimenta-tion for American post-modern dance, using improvisation, gestures of daily life, work in nature, etc. In her home country, Halprin’s piece was banned for over 25 years because of nudity on stage. In Anne Collod’s performance, nudity goes consciously and deliberately against any preconceived idea about distancing itself from the observer, showing how clothes generate a personal identity and how instantly this identity changes once the body becomes exposed.

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Choreografie/konzepT: Willi Dorner miT unTersTüTzung von: Kulturamt der Stadt Wien.

Neuinterpretation von Parades & Changes (Anna Halprin und Morton Subotnick – 1965)

konzepT/Choreografie: Anne Collod Tanz/miTarbeiT: Boaz K Barkan, Nuno Bizarro, Alain Buffard, Anne Collod, DD Dorvillier, Vera Mantero musik: Morton Subotnick koprodukTion: Festival d’Automne (Paris), Les Spectacles vivants – Centre Pompidou (Paris), Biénnale de la Danse (Lyon), Centre National de Danse Contemporaine d’Angers, Le Manège de Reims – Scène Nationale / Centre Choréographique National de Montpellier Languedoc Roussillon miT unTersTüTzung von: New England Foundation for the Arts (Boston), FUSED (New York), French American Cultural Society (San Francisco), ADAMI (Paris), DRAC Île de France, SPEDIDAM (Paris), Foundation Beaumarchais, Services Culturels, Consulat Général de France (San Francisco), Französische Botschaft/USA, Culturgest Lissabon, Le Vivat Scène Conventionée d’Armentières, Micadanses (Paris), Les Laboratoires d’Aubervilliers, Parc et Grande Halle de la Villette (Paris) gasTspiel ermögliChT durCh: Französische Botschaft, Bureau du Théâtre et de la Danse, Culturesfrance.

Cie. Willi dorner Wien »bodies in urban spaCes« 21 + 22 aug / 18.30 hopen air / TreffpunkT: verkehrsTurm am poTsdamer plaTz /// ziel: hau 2

anne Collod / anna halprin & guesTs paris / san franCisCo »parades & Changes, replaYs« 21 + 22 aug / 20 hhau 2

einriTT frei ///

Ca. 60 min

eur 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

75 min

deuTsChlandpremiere

Foto > Jérôme DelatourFoto > Lisa Rastl

22 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

Sei es mit Ton oder ohne: man kann die Musik immer „sehen“. In ACCORDS konzentriert sich Thomas Hauert mit seiner Arbeit an Körper und Bewegung besonders intensiv auf die Beziehung zwischen Tanz und Musik. Man hat den Eindruck, dass die Choreografie zur Musik geschrieben wurde, denn die Tänzer legen es darauf an, sich so präzise wie möglich an diese anzuschmiegen. Und doch stellt sich heraus, dass die Bewegungen ganz anders entstanden sind, nämlich in einem demo­kratischen Prozess zwischen den Tänzern, der auf individueller Freiheit und permanenter Aufmerksamkeit den anderen gegenüber beruht und eine choreografische Komplexität hervorbringt, die sich der intuitiven Intelligenz des Körpers und der Gruppe verdankt.

With or without sound: you can always “see” the music. ACCORDS intensifies Hauert’s body and movement work by concentrating on the relationship between dance and music. When you see ACCORDS you could imagine that the choreogra-phy was created for the music; the seven dancers of ZOO meld with it. However, as it turns out, the process of creating the movement was radically different. It was a democratic process based on individual freedom and a permanent awareness for the others that creates a remarkable choreographic complexity. Thomas Hauert trusts in the intuitive intelligence of the body and the group.

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konzepT/regie: Thomas Hauert Tanz/miTarbeiT: Thomas Hauert, Liz Kinoshita, Sara Ludi, Chrysa Parkinson, Zoë Poluch, Albert Quesada, Mat Voorter liChT/bühnnebild: Jan Van Gijsel musik/sound: Peter Van Hoesen produkTion: ZOO koprodukTion: Kunstenfestivaldesarts (Brüssel), Kaaitheater (Brüssel), PACT Zollverein (Essen), Festival Alkantara (Lissabon), Mercat de les Flors (Barcelona), NXTSTP, with the support of the Culture Programme of the European Union miT unTersTüTzung von: Vlaamse Gemeenschap, Vlaamse Gemeenschapcomissie, Pro Helvetia – Swiss Arts Council (Zürich), „Ein Kulturengagement des Lotterie-Fonds des Kantons Solothurn“ und Fonds des programmateurs, reso-réseau danse suisse (Bern).

Thomas hauerT / zoo züriCh / brüssel»aCCords« 22 + 23 aug / 20.30 h akademie der künsTe / hanseaTenWeg

eur 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

80 min

Foto > Filip Vanzieleghem

23 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

Dies ist kein Stück über Verzweiflung, kein Stück über Metaphysik, kein Stück über den Irak­Krieg. Dies ist „kein Stück über alles“. Daniel Linehan betritt die Bühne und beginnt sich zu drehen. Damit wird er dreißig Minuten lang nicht aufhören, ist er doch überzeugt davon, dass der Mensch sich am Ende an alles gewöhnen kann. Er dreht sich mal schneller, mal langsamer, baut hier und da Variationen und kleine Handlungen ein. Es entwickelt sich ein komplexer und humorvoller Tanz, der Linehans Talent zum Multi­Tasking unterstreicht: Er spricht, denkt und reagiert gleichzeitig auf das Publikum. Sein Drehen erzeugt einen Raum, in dem Gedanken kommen und gehen, sich zerstreuen und neu zusammensetzen.

This piece is not about desperation, not about metaphysical problems, not about Iraq. This piece is NOT ABOUT EVERYTHING. Linehan enters the stage and starts to turn. He will not stop for over thirty minutes, convincing us that in the end a person can get used to anything. Introducing a series of variations, accelerations and subtle shifts, Linehan creates a funny and complex dance, involving multiple simultaneous tasks: to speak, think, react and address the audience all at the same time. Spinning around in the center of a shifting network of ideas, Linehan opens a space of thoughtful reflection where ideas can flow and resound.

Das Format WALK +TALK, von Philipp Gehmacher konzipiert, verbindet Be wegung und Sprache. Im Zentrum steht der Versuch, Bewegung zu verbali sieren und das, was sich im Moment der Aktion in Gedanken manifestiert, auszusprechen. WALK markiert die Zeit, die vergeht und die eine Bewegung braucht, um sich auszubreiten. TALK steht für die Komplexität der eigenen Wahrheiten, die durch Aussprache an Bedeutung entweder gewinnen oder verlieren können. Antonia Baehr folgt der Grundannahme von WALK+TALK und untersucht die „Fiktion des Alltäglichen und die Fiktion des Theaters“. Für Oleg Soulimenko ist die Beziehung zwischen dem sich bewegenden Körper und den sich bewegen­den Gedanken etwas sehr Intimes, dem er einen Raum voller Bilder gibt.

The WALK + TALK format, philipp gehmacher’s concept as curator of „Still Moving“ (Tanzquartier Wien), will seek to interconnect movement and language. The focus of the attempt is to verbalize movement and the thoughts that occur in the moment action takes place. WALK marks the time that passes and is required for a move-

ment to extend into space. TALK stands for the complexity of one’s own truth that gains or loses meaning when expressed. antonia baehr pursues the basic assumption of WALK + TALK and investigates the “fiction of daily life and the

fiction of theater”. For oleg soulimenko the relationship between a moving body and the thoughts that move this body is very intimate; he gives it a space full of images.

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daniel linehan neW York »noT abouT everYThing« 23 + 24 aug / 20 hpodeWil

idee/konzepT/Tanz: Daniel Linehan liChT: Joe Levasseur geförderT durCh: Bessie Schönberg/First Light Commissioning Program, Jerome Foundation (St. Paul), the Ford Foundation (New York), the National Endowment for the Arts (Washington), the New York State Council of the Arts, Jerome Robbins Foundation (New Yoirk) miT unTersTüTzung von: Movement Artist Residency Project (New York), Leonard and Sophie Davis Fund (New York).

eur 10 ///

erm. eur 7 ///

30 min

deuTsChlandpremiere

anTonia baehr berlin »Walk + Talk 4« 23 aug / 21 hpodeWil

oleg soulimenko moskau / Wien »Walk + Talk 1«Was meine muTTermir niChT erzählT haT

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eur 10 ///

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30 min

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40 min

Walk + Talk 4: konzepT/Tanz: Antonia Baehr produkTion: Tanzquartier Wien.Walk + Talk 1: Choreografie/konzepT/Tanz: Oleg Soulimenko dramaTurgisChe beraTung: Judith Helmer produkTion: Oleg Soulimenko/Vienna Magic, Tanzquartier Wien.

24 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

deuTsChlandpremiere

deuTsChlandpremiere

Foto > Jason SommaFoto > Sophie Lal / Aleksei Tukachov

24 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

Nacera Belaza, Tänzerin und Choreografin algerischer Abstammung, präsen­tiert gemeinsam mit ihrer Schwester ein hypnotisierendes Duett, für das sie zentrale Elemente traditioneller Derwisch­Tänze aufgriff und verfremdete. „Alle traditionellen Aufführungen, die ich sah, basieren auf einer ursprüngli­chen, schwingenden Bewegung. Das kann zur Trance führen. Es steckt auch etwas Spirituelles dahinter, wie bei den Derwischen. In LE CRI untersuche ich, was davon bleibt, wenn man alle folkloristischen Elemente entfernt. In zwölf Monaten Arbeit an dem Stück habe ich praktisch nur eine einzige Bewegung getanzt“ (Nacera Belaza). Übrig bleiben die repetitiven und auf unerklärliche Weise synchronisierten Armschwünge der Derwische zum Gesang von Nina Simone, Larbi Bestam, Amy Winehouse und Maria Callas.

Nacera Belaza, Algerian dancer and choreographer, presents a hypnotic duet with her sister in which she integrates and alters central elements of traditional Dervish dances. “All traditional performances I saw were based on an original swinging movement. That can lead to a trance. There is something spiritual in it, just like it is for the Dervishes. In LE CRI I investigate what remains of this element when the folkloristic ones are removed. In 12 months of work on the piece I practically just danced one single movement.” (Nacera Belaza) What remains are the repetitive and inexplicably synchronized swinging arms of the Dervishes to the songs by Nina Simone, Larbi Bestam, Amy Winehouse and Maria Callas.

LIKI – „flüssig“ auf Esperanto – verbindet den Tanz mit dem Ton und der Fotografie. Elsa Decaudin sucht in ihrer Arbeit nach Kreuzungs punkten, Grenzen und Überlagerungen zwischen diesen drei Ebenen. „Wir ver­suchen, dem Publikum durch dynamische Wege und Irrwege eine Bewe gungs erfahrung zu vermitteln. Nach 36 Minuten folgen 4 Minuten der Trägheit und des Nachspürens.“ (Elsa Decaudin) Elsa Decaudin war Ingenieurin mit Schwerpunkt Flüssigkeitsmechanik, ehe sie zum Tanz kam. /// LIKI – „liquid“ in Esperanto – connects dance with sound and photography. In her work Elsa Decaudin searches for points of intersection, borders and commonalities between these three elements. “We attempt to convey a movement experience to the audience through dynamic paths and labyrinths. After 36 minutes, four minutes of languor and remembering follow.” (Elsa Decaudin)

looping ist ein Projekt von Uzès Danse (Frankreich) in Partner­schaft mit TanzWerkstatt Berlin und O Espaço do Tempo (Portugal) in Zusammenarbeit mit Partnern in Tallinn, Bukarest und Istanbul, gefördert aus Mitteln des Kulturprogramms der EU.LOOPING fördert über zwei Jahre neue Arbeiten von sechs jungen Künstlern aus den sechs Ländern sowie drei junge Kulturmanager. 2009 sind dies: Susanne Ogan, Hélène Sorin und Lígia Teixeira.

looping is an Uzès Danse (France) project in partnership with TanzWerk statt Berlin und O Espaço do Tempo (Portugal) in cooperation with partners from Tallinn, Bucarest and Istanbul, supported by the Culture Programme of the EU. LOOPING supports short works by young artists and young cultural managers from the six cooperating countries. In 2009 the managers are: Susanne Ogan, Hélène Sorin and Lígia Teixeira.

24

Choreografie: Nacera Belaza Tanz: Dalila Belaza, Nacera Belaza video/sound: Nacera Belaza sound: Nicolas Perrin liChT: Eric Soyer koprodukTion: Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Le Forum: Scène conventionée de Blanc-Mesnil, AARC, Französische Botschaft Algier, Biennale nationale de danse du Val de Marne, Centre Chorégraphique National de Caen/Basse-Normandie, Centre Chorégraphique National de Créteil/Compagnie Montalvo-Hervieu miT unTersTüTzung von: DRAC Ile-de-France/Ministère de la Culture et de la Communication, Conseil Général de Seine-Saint-Denis, Beaumarchais Association (Paris), Centre National de la danse (Pantin), EMA Vitry-sur-Seine, Cité internationale des arts (Paris) gasTspiel ermögliChT durCh: Französische Botschaft Bureau du Théâtre et de la Danse, Culturesfrance.

Choreografie/Tanz: Elsa Decaudin foTografie: Bastien Defives musik: Roland Cahen, Jean-Philippe Lambert Ton/liChT: Jean-Philippe Lambert.

Compagnie naCera belaza paris / algier »le Cri« 24 + 25 aug / 20 hhau 3

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

50 min

looping 3 elsa deCaudin / monTpellier »liki« 26 aug / 20 hpodeWil

eur 10 ///

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40 min

Foto > Bastien Defives, PulxFoto > Laurent Philippe

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Was hat uns zeitgenössischer Tanz, eine der komplexesten Kunst­formen von heute, zu sagen? Spricht er überhaupt? Und wenn ja, in welcher „Sprache“? Die Tanzwissenschaftlerin und ­dramaturgin Maren Witte führt in zwei Stücke des Festivals ein.

Introduction and contextualization of two festival pieces with Maren Witte – in German.

16 aug / 17 h – 18.30 h / podeWilEinführung zu C»COLLECTiVE SENSATiONS« von Alice Chauchat (Praticable). 19 H Vorstellung, im Anschluss Nachbesprechung.

17 aug / 17.30 h – 19 h akademie der künsTe / hanseaTenWegEinführung zu C»iS YOu mE« von Lachambre/Goldring/Lecavalier/Rowe.19.30 H Vorstellung, im Anschluss Nachbesprechung.

Im Anschluss an die Vorstellungen. Daten auf den entsprechenden Programmseiten / For dates and times please see performance descriptions.

Die Publikumsgespräche haben in diesem Jahr ein besonderes Format. Bei der Improvisation IMPERSONATION GAME befragt der Choreograf drei Personen zu seinem eigenen Stück, die so tun, als seien sie die Schöpfer dieses Stücks. Nach 15 Minuten wird die Diskussion geöffnet und das Publikum kann Fragen stellen.

Instead of the classic artist talk, some of the choreographers participating in TANZ IM AUGUST will interview three people of their choice about their piece. The rule of the game is that these three impersonators answer the questions of the artist as if they themselves were the creators of the work. After 15 minutes, the discussion is opened to the audience.

Hosted by alice Chauchat, Conrad noack and petra sabisch.

This Impersonation Game is part of everybodys, an open platform aimed at expanding the understanding of performance by fostering the exchange of ideas and strategies.

3130

publikumsWorkshop miT maren WiTTe / berlin »Tanz sChauen – eine sehhilfe« in deuTsCher spraChe / in german

publikumsgespräChe everYbodYs presenTs:

»The impersonaTion game«

in zusammenarbeiT miT: Dr. Maren Witte / Tanz Scout / www.tanzdramaturgie.de

Teilnahmegebühr je eur 3

(ZZGL. EINTRITTSKARTE FüR DIE VORSTELLUNG)

karTen erhälTliCh an unseren kassen

www.everybodystoolbox.net

akademie der künsTeHanseatenweg 10, Tiergartenu Hansaplatz i Bellevue

halle Tanzbühne berlinEberswalder Straße 10­11, Prenzlauer Bergu Eberswalder Straße

hau 1Stresemannstraße 29, Kreuzbergu Möckernbrücke u Hallesches Tor

hau 2 Hallesches Ufer 32, Kreuzbergu Möckernbrücke u Hallesches Tor

hau 3Tempelhofer Ufer 10, Kreuzbergu Möckernbrücke u Hallesches Tor

haus der berliner fesTspieleSchaperstraße 24, Charlottenburg­Wilmersdorfu Spichernstraße

podeWilKlosterstraße 68, Mitteu Klosterstraße i + u Alexanderplatz

radialsYsTem vHolzmarktstraße 33, Friedrichshain­Kreuzbergi Ostbahnhof

sommer.bar im podeWil Klosterstraße 68, Mitteu Klosterstraße i + u Alexanderplatz

sophiensaeleSophienstraße 18, Mitteu Weinmeisterstraße i Hackescher Markt

TANZ IM AUGUST spielorTe / venues Talk

sTudio quÉbeC sTipendiaTen bei Tanz im augusT

In einer Kooperation zwischen dem Conseil des Arts et des Lettres du Québec, der Vertretung der Regierung von Québec in Berlin und der TanzWerkstatt wird ein Stipendium für eine zweimonatige Residency an einen Choreografen aus Québec vergeben. Bisher waren 2007 Mélanie Demers und 2008 Karine Denault zu Gast, 2009 kommt Dany Desjardins. /// A stipend program initiated by Québec and TanzWerkstatt Berlin offers a Québec choreographer a two-month residency in Berlin starting August 15th. After Mélanie Demers and Karine Denault, this year‘s resident is Dany Desjardins.

… and The Winner is: 27 aug / 22 h /// hau 1

ballet-tanz, Europas führende Tanzzeitschrift, zeichnet Choreografen, Tänzer und Tanzproduktion des Jahres aus, gewählt von einer internatio­na len Jury. Es wird ein Fest sein. /// ballet-tanz, Europe’s leading dance magazine, invites you to their awards ceremony. An international jury will vote for choreographer, dancer and production of the year.

TanzplaTTform deuTsChland 2010 vom 25. bis 28. Februar in Nürnberg. The next German dance platform will take place from February 25 – 28th 2010 in Nuremberg.

WeiTere infos: Tafelhalle im KunstKulturQuartier, Fon +49 911 231­8195info@tanzplattform2010.de, tanzplattform2010.de.

Ivo Dimchevs neue Arbeit basiert auf 100 sehr persönlichen Themen, über die er jeweils einminütige Songs schreibt und diese dann zu kurzen Performances von etwa 5 Minuten ausarbeitet. Die Gastspielveranstalter wählen jeweils 10 der Themen aus, und Dimchev verbindet seine 10 dazugehörigen Performances dann zu dem Stück, das er in der entspre­chenden Stadt zeigt. So ist jedes Gastspiel dieser Arbeit ein Unikat, und die einzelnen Themen gewinnen durch die sich verändernde Reihenfolge neue Dimensionen.

“I’m working on a collection of 100 subjects, ideas or people I feel a strong connec-tion to. Festival programmers choose their own top 10 from the list. Each perform-ance version is unique, and re-ordering the topics and scenes will change their meaning every time.” (Ivo Dimchev)

Zusammen mit fünf Tänzern, einer Popsängerin und einem Counter­Tenor begibt sich die Choreografin Nicole Beutler auf eine Zeitreise in die Welt des Barock. Sie selbst beschreibt ihren Ansatz als subjektive Interpretation einer fiktiven barocken Oper in drei Akten, für die sie typische Motive wie Theatralität, Emotionen und Opulenz mit einer nüchternen Ästhetik kon­frontiert. Beutlers Suche nach den Grenzen des Logischen und Rationalen ermöglicht es Akteuren und Zuschauern gleichermaßen, akustisch und visuell produzierte Stimmungen zu empfinden und zu reflektieren. Abstrakt, pervers, lächerlich, subtil ist diese bewusste Gratwanderung zur Musik von Henry Purcell und dem britischen DJ und Komponisten Gary Shepherd.

LOST IS MY QUIET FOREVER is the subjective interpretation of a fictitious baroque opera in three acts. With her new piece, Beutler examines theatricality, opulence and festiveness in contrast to the experience of restlessness, horror vacui and instabi lity. Emotion seeps through the detailed physical form, transgressing the boundaries of the rational, seeking ongoing emotional expansion and intense physical experience – for performer and spectator alike. An abstract, perverse, ridiculous and subtle adventure.

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ivo dimChev sofia »som faves« 26 + 27 aug / 21.30 hhalle Tanzbühne berlin

konzepT/performanCe: Ivo Dimchev koprodukTion: TANZ IM AUGUST, DasArts (Amsterdam), European Cultural Capital Linz 09, „O is not company“ collective, Koninklijk Conservatorium (Den Haag) gasTspiel in zusammenarbeiT miT: HALLE TANZBüHNE BERLIN.

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

Ca. 60 min

Choreografie/konzepT: Nicole Beutler dramaTurgie: Igor Dobricic Tanz/miTarbeiT: Carola Bärtschiger, Katy Hernan, Pedro Inês, Niels Kuiters, Aimar Pérez Gali gesang: Maurits Musch, Monica Page musik: Gary Shepherd, Henry Purcell kosTüm: Jessica Helbach liChT: Minna Tiikkainen design libreTTo: Connie Nijman produkTion: nb, LISA miT unTersTüTzung von: Amsterdams Fonds voor de Kunst, Nederlands Fonds voor de Podiumkunsten (Den Haag), Norma Fonds (Amsterdam) geförderT durCh: Départs Network mit Unterstützung der Europäischen Kommission im Rahmen des Programms Education & Culture DG.

niCole beuTler nb amsTerdam »losT is mY quieT forever« 25 aug / 21 h + 26 aug / 20 hhau 2

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

75 min ! uraufführung !

Foto > Ivo DimchevFoto > © Anja Beutler

26 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

Was bleibt vom Leben in einer Welt, in der die Technologie den Menschen an den Rand seines eigenen Verschwindens gebracht hat? Stellen wir uns vor, alle menschliche Aktivität würde in pure Energie verwandelt: Entstünde dann etwas hinter der Krise, ein letztes Streben nach Tragödie und Humanität? Diese Fragen waren Ausgangspunkt für THE SONG, eine Choreografie von Anne Teresa De Keersmaeker für neun Männer und eine Frau. Bewegung funktioniert darin wie ein Vogelschwarm im Flug. Körper versuchen, ihre Position zu behaupten, während sich die sie umgebende Landschaft in ständiger Veränderung befindet. So entsteht eine Art Transitzone zwischen mathematischer Präzision und menschli­cher Freiheit.

THE SONG is a piece for nine men and one woman that bespeaks the imminence of a time when our ever-increasing speed of change outruns itself. In this accelera-tion towards stillness, as humans consume Earth’s last remaining natural resources and the physical body as we know it races towards its own obsolescence, neces-sary radical shifts in momentum, direction and values question what belongs to the past and what belongs to the future. At the center of these spiraling forces lies the changing role of the body – as a resonance chamber of the chaotic flows of its environment – and what it might become.

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rosas brüssel »The song« 27 – 29 aug / 19.30 hhau 1

Choreografie: Anne Teresa de Keersmaeker, Ann Veronica Janssens, Michel François Tanz/miTarbeiT: Pieter Ampe, Bostjan Antonic, Eleanor Bauer, Carlos Garbin, Matej Kejzar, Marc Lorimer, Simon Mayer, Mikael Marklund, Michael Pomero, Sandy Williams musik: Eugénie De Mey produkTion: Rosas koprodukTion: De Munt/La Monnaie (Brüssel), Théâtre de la Ville (Paris), Grand Théâtre de Luxembourg, Concertgebouw Brugge.

eur 25 / 20 / 15 ///

erm. eur 15 / 10 ///

Ca. 100 min

deuTsChlandpremiere

Foto > Michel François

Einen Erneuerer nennt Israel Galván sich selbst. Doch seine Arbeit ist auch tief in der Tradition des Flamenco verwurzelt, während er sein Material in einer Welt des Hier und Jetzt sucht. Einer Welt, in der für ihn Erfahrungen wie das Internet oder ein Fußballspiel ebenso inspirierend sein können wie ein genau ausgeführter Tanzschritt. In diesem Kosmos ist Galván ein Forscher, der beabsichtigt, den Kern des Flamenco zu entdecken, um sein Wesen sicht­ und fühlbar zu machen. Wo normaler­weise Musiker und Tänzer gemeinsam ihren Rhythmus finden, betritt Galván die Bühne allein und fasziniert in SOLO durch seine schlichte, beeindruckende Präsenz, weitab von Show oder Kommerzialisierung. Traditionelle Elemente dekonstruiert Galván dabei Stück für Stück, bis nur noch die pure, rohe Seele des Flamenco übrig bleibt.

Although he calls himself an innovator, Israel Galván’s work is deeply rooted within the flamenco tradition. Nevertheless, he seeks inspiration in the present. For him, the experience of surfing the internet or watching a football match can be as inspiring as a precisely performed dance step or the art of a traditional compás-rhythm. In this world, he becomes an explorer, always trying to expose the core of the flamenco art. Where musicians and dancers usually perform together, he enters his stage all alone and hooks the audience with his simple and haunting presence. Deconstructing traditional elements, in SOLO he shows us the pure, raw soul of flamenco.

Unter TROPEN werden sprachliche Anordnungen verstanden, die von der gewöhn lichen Wirkung der Sprache abweichen, wie etwa Ironie oder Metaphern. TROPEN haben die Aufgabe, die Alltagssprache aufzu­lockern und dadurch negative Wirkungen des Ausdrucks zu vermeiden: die Ermüdung des Zuhörers durch Länge, Wiederholung, Un anschau­lich keit, Ungeschicklichkeit oder Gleichförmigkeit des Ausdrucks. Dieter Baumann und Reinhold Friedl haben diesen Begriff zum Ausgangspunkt ihrer gemeinsamen Arbeit gemacht und präsentieren ihr Ergebnis: ein monodisches Klang­ und Bewegungserlebnis voller Verschränkungen und Deklinationen. Der Tänzer wird dabei zum Kammersänger, der sich auf ein Spiel mit dem Pianisten einlässt. Klangmaschine und Körper begegnen sich reduktionistisch, wild und streng.

TROPEN are linguistic constructs that deviate from the usual causality in language. In general, tropes avoid negative aspects of expression: a listener’s exhaustion due to length, repetition, lack of comprehension or cleverness, uniformity in expression… Dieter Baumann and Reinhold Friedl focused on this concept and now present their results: a monodic sound and movement experience with interconnections and declinations. The dancer becomes a chamber singer – the singer is the body – in a dialogue with the pianist. The sound machine and the body meet in a reduced way, simultaneously wild and disciplined.

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dieTer baumann / TanzCompagnie rubaTo /// berlin reinhold friedl / zeiTkraTzer /// berlin »Tropen« 26 aug / 21 h + 27 aug / 20 h /// podeWil

idee/konzepT/Tanz: Israel Galván Ton: Félix Vázquez produkTion: Cisco Casado – Chema Blanco, a negro producciones (Sevilla) gasTspiel in zusammenarbeiT miT: RADIALSYSTEM V gasTspiel unTersTüTzT durCh: Spanische Botschaft.

israel galvÁn sevilla »solo« 28 aug / 19 h + 29 aug / 18 h + 20.30 hradialsYsTem v

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

40 min

Tanz: Dieter Baumann (Tanzcompagnie Rubato) klavier: Reinhold Friedl (Zeitkratzer) liChT: Andreas Harder produkTion: Baumann/Friedl.

eur 10 ///

erm. eur 7 ///

40 min

previeW

deuTsChlandpremiere

Foto > Retrato SanfulgencioFoto > Thomas M. Jauk

Luc Dunberry, langjähriges Ensemblemitglied bei Sasha Waltz & Guests, entwickelte kontinuierlich auch zahlreiche eigene Choreografien. Sein neues Stück ALIENS! ist eine Reflektion über Themen wie Herkunft und Migration und stellt die Frage nach unserer Identität. Was ist noch sinngebend, welchen Wert besitzen überlieferte Traditionen und kul­turelle Unterschiede in einem Jahrhundert, das steten Veränderungen unterworfen, von Technologie und Globalisierung geprägt ist? Gibt es überhaupt noch Raum für Respekt und Mitgefühl – für die Natur, unsere Mitmenschen?

ALIENS! is a reflection on origins and migratory movements and their significance in an ever-expanding modern world, constantly reshaped into new physical, ideological and virtual territories. What defines our identity in the 21st century where high-speed technology, travel and instant communication dominate? What remains of past traditions and cultural differences within the general climate of globalization? Is there still room for respect and compassion for nature, for our next of kin?

sasha WalTz & guesTs presenTs:

28 aug / 21.30 h + 29 aug / 19 hradialsYsTem v

renaTe graziadei / berlin »rüCkWärTs«Alltägliche Routinen ebenso wie außergewöhnliche Ereignisse prägen unsere Körper. Renate Graziadei seziert diese Muster und Erinnerungen, um sie für eine Neuinterpretation zu öffnen. /// Daily routines and unusual events form our bodies; they leave patterns and memories. In her solo Renate Graziadei dissects influential memories in order to open them up to a re-interpretation.

konzepT/Tanz/Choreografie: Renate Graziadei dramaTurgie: Arthur Stäldi. Eine Produktion von Sasha Waltz & Guests und LaborGras im Rahmen des Förderprogramms »Choreographen der Zukunft«, das von der BASF SE als Hauptsponsor gefördert wird.

shang­Chi sun / berlin »dialogue ii«Was verbirgt sich hinter dem Körper? Wie beeinflussen Religion und Politik das individuelle Körperverhalten? Erkennen wir unseren eigenen Körper oder wählt der Körper die für ihn richtige organische Inkarnation? /// Is it only flesh and blood that form the basic structure of a living being? Do religion and politics influ-ence the individual body performance? Do we recognize our body or does the body choose the right organic incarnation? DIALOGUE II is inspired by 4.48 Psychosis by Sarah Kane.

konzepT/Tanz/Choreografie: Shang-Chi Sun TexT: Sarah Kane 4.48 Psychosis liChT: Nicolas Boudier, Shang-Chi Sun musik: György Ligeti miT unTersTüTzung von: The.Lab Art & Media GmbH (Berlin), Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch« (Berlin).

xuan shi + niannian zhou / berlin »parallel«

Xuan Shi und Niannian Zhou loten die Strukturen einer Paar­situation aus. PARALLEL entstand 2008 und wird nun erstmals in einer Neubearbeitung gezeigt. /// In their first work together, Xuan Shi und

Niannian Zhou delve into the structures a couple creates. PARALLEL was created in 2008 and is now presented in a new version.

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Tanz/Choreografie: Xuan Shi, Niannian Zhou bühne: Thomas Schenk liChT: Martin Hauk kosTüm: Beate Borrmann musik: François Couturier, Hans Otte. Eine Produktion von Sasha Waltz & Guests im Rahmen des Förderprogramms „Choreographen der Zukunft“, das von der BASF SE als Hauptsponsor gefördert wird.

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

Ca. 60 min

Choreografie/konzepT: Luc Dunberry Tanz/miTarbeiT: Robert Abubo, Luc Dunberry bühne: Sung-Uk Hwang video: Karl Wedemeyer liChT: Jörg Bittner kosTüme: Beate Borrmann musik/sound sCore: Jonathan Bepler produkTion: Sasha Waltz & Guests koprodukTion: Grand Théâtre de Luxembourg miT unTersTüTzung von: Förderprogramm »Choreographen der Zukunft«, das von der BASF SE als Hauptsponsor gefördert wird, Canada Council for the Arts (Ottawa), Goethe Institut Kanada, DanceWorks Toronto, Le Groupe Dance Lab (Ottawa). Sasha Waltz & Guests wird gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds.

sasha WalTz & guesTs presenTs:

luC dunberrY /// berlin / monTrÉal »aliens!« 28 aug / 20 h + 29 aug / 21.30 hradialsYsTem v

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

55 min Foto > Karl WedemeyerFoto v.l.n.r. > Martin Bellard, Jo Grabowski, Sebastian Bolesch

deuTsChlandpremiereN ! uraufführung !

Die portugiesische Choreografin Tânia Carvalho erforscht die Beziehung zwischen Tanz und Musik. Für ihr neues Stück hat sie die Bewegungsabläufe beim Klavierspielen untersucht, die ihr mehr und mehr wie eine in sich geschlossene Choreografie erschienen. Eine Choreografie, ohne die die Musik nicht „richtig“ wäre. Diese Abhängigkeit des einen Mediums vom anderen arbeitet Carvalho in BUT FROM ME I CAN’T ESCAPE, HAVE PATIENCE! heraus: Die Tänzer handeln wie Marionetten des Pianisten, gesteuert durch Klänge oder auch Pausen des Klaviers. Die Musik wiede­rum antwortet durch den Pianisten auf die Bewegungen der Tänzer. Alles wirkt improvisiert, ein schlichtes Muster aus Aktion und Reaktion, ist aber streng durchkomponierte Choreografie.

In BUT FROM ME I CAN’T ESCAPE, HAVE PATIENCE! the four dancers on stage react to sound as if they were marionettes, controlled by either the piano or by its silence. On the other hand, the music will react to the dancers’ movement, creating a loop of cause and effect. Although movements and music seem to be improvised, as if the dancers and musicians were meeting for the first time, the choreography is an all-encompassing composition.

Der spanische Choreograf Juan Domínguez beschäftigt sich seit län­gerem mit dem Verhältnis von Sprache und Bewegung, Realität und Imagination, Präsenz und Absenz. „Mein Interesse an der Linguistik ergab sich aus einer Neugier nach dem unbewussten Anteil in unse­rer sprachlichen Kommunikation. Natürlich sind wir uns bis zu einem bestimmten Grad über das Unbewusste in unserer Sprache im Klaren, aber wäre es auch möglich, unsere Realität, unser Umfeld zu verändern, indem wir lernen, wie wir wahrnehmen, wie wir verstehen und durch Sprache kommunizieren?“ (Juan Domínguez) Seine aktuelle Arbeit BLUE präsentiert Sprache, die von jeglicher Bedeutung entleert ist und trotz­dem sinnvolle Kommunikation ermöglicht.

In BLUE the Spanish choreographer Juan Domínguez creates a language that is completely empty of meaning but still makes sense: “My interest in linguistics came from a curiosity about the unconscious side that is active in linguistic communication. Certainly, we are aware of the unconscious as we communicate to some extent, but can we gain freedom to change our reality once we learn how we perceive, understand and communicate it through language? I was also interested in relating this question to an understanding of the body and movement.” (Juan Domínguez)

40 41

Choreografie: Tânia Carvalho Tanz: Tânia Carvalho, Marlene Freitas, Luís Guerra, Mario João Rodrigues Ricardo Vidal, musik: Tânia Carvalho TexT: Patrícia Caldeira liChT: Anatol Waschke koprodukTion: O Espaço do Tempo (Montemor-o-Novo) miT unTersTüTzung von: Uzès Danse, Fundaçao Calouste Gulbenkian (Lissabon), TanzWerkstatt Berlin.

TÂnia Carvalho /// lissabon »buT from me i Can’T esCape, have paTienCe!« 28 aug / 21 h + 29 aug / 21.30 hpodeWil

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

50 min

konzepT/Choreografie/produkTion: Juan Domínguez Tanz/miTarbeiT: Luís Miguel Félix, Maria Jerez, Arantxa Martínez, Naiara Mendioroz, Emilio Tomé liChT: Gilles Gentner in zusammenarbeiT miT: Oscar Hernández koprodukTion: TANZ IM AUGUST, Parc de la Villette (Paris, im Rahmen von Artists in Residence 2009), Espace Pier Paolo Pasolini (Valenciennes), Buda Arts Centre (Kortrijk, Next International Arts Festival), LiFE (Saint-Nazaire), Centro Párraga (Murcia) miT unTersTüTzung von: Instituto Cervantes (Berlin), La Casa Encendida (Madrid), Matadero Madrid (International mobility support 2009), 6M1L und Centre chorégraphique national de Montpellier, Languedoc-Roussillon.

juan domínguez madrid / berlin »blue« 29 + 30 aug / 20 hhau 2

eur 15 ///

erm. eur 10 ///

60 min

! uraufführung !deuTsChlandpremiere

Foto > Juan DominguezFoto > Bruno J.D. Miguel

30 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

29 aug im Anschluss / after the show

gespräCh / impersonaTion game

Talk

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radioeins. Wie ein Tanz aus der Reihe.

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Infos und Kontakt _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ euro-scene Leipzig // Ann-Elisabeth Wolff, Festivaldirektorin_ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ Tel. 0341-980 02 84 // info@euro-scene.de // www.euro-scene.de

11 Gastspiele in 24 Vorstellungen und 10 Spielstätten

Zum 9. Mal: Wettbewerb »Das beste deutsche Tanzsolo« Konzeption: Alain Platel, Gent

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DIE THEATER- UND TANZSAISON DER BERLINER FESTSPIELE

Oktober – Dezember 2009

November

� 12. – 15. Sylvie Guillem, Robert Lepage, Russell MaliphantEONNAGATA Deutschlandpremiere

� 20. + 21. Ensemble Modern und Sasha Waltz & Guests JAGDEN UND FORMEN [Zustand 2008] von Wolfgang Rihm

� 28. + 29. Nadja Saidakova EGOPOINT Uraufführung

Dezember

� 4. + 5. Michael Clark Company New Work 2009 Deutschlandpremiere

� 10. – 13. Tanztheater Wuppertal Pina Bausch DIE SIEBEN TODSÜNDEN

�16., 17., 19. + 20. Sasha Waltz & Guests IMPROMPTUS

DIE

RIESENKOMMEN

09_sp'eu_Anz_Tanz-Aug 20.05.2009 17:54 Uhr Seite 1

46

Lange Nacht der MuseenLange Nacht der Museen

w w w . l a n g e - n a c h t - d e r - m u s e e n . d e

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2 9 . A U G U S T 2 0 0 9Sonnabend 18 – 2 Uhr

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veransTalTer: Kulturprojekte Berlin GmbH / TanzWerkstatt Berlin – Geschäftsführung Moritz van Dülmen, Hebbel

am Ufer – Geschäftsführung Matthias Lilienthal künsTlerisChe leiTung: Ulrike Becker, Pirkko Husemann,

Matthias Lilienthal, André Thériault, Marion Ziemann produkTionsleiTung: Kati Thiel, Marion Ziemann

assisTenz: Fridjof Vareschi, Anna Wagner miTarbeiT: Sandra Leege, Susanne Ogan prakTikanTinnen:

Silvia Haag, Mira Moschallski büroleiTung TanzWerksTaTT: Sabine Seifert sommer.bar: konzepT/

programm: Kerstin Schroth presse­ & öffenTliChkeiTsarbeiT/redakTion: k3 berlin – Heike Diehm

miTarbeiT: H.-W. Dohna, Jovana Foik, Katharina Rost, Talea Schuré hospiTanz: Friederike Erhart, Anne-Kathrin

Griese überseTzung: Christopher Langer, Thomas Rach gesTalTung: Sebastian Niederhagen – Visuelle

Kommunikation karTenverTrieb: Thomas Tylla sTand: Mai 2009 änderungen vorbehalTen.

parTner/supporT: TANZ IM AUGUST ist eine Veranstaltung von Hebbel am Ufer und Kulturprojekte Berlin GmbH / TanzWerkstatt Berlin in Zusammenarbeit mit ihren Partnern Akademie der Künste, Berliner Festspiele, HALLE TANZBüHNE BERLIN, RADIALSYSTEM V, Sasha Waltz & Guests, Sophiensaele. Mit Unterstützung des Regierenden Bürgermeisters von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten. Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds der Bundesrepublik Deutschland.

Wir danken unseren langjährigen Partnern in den Länderinstituten für ihre diesjährige Unterstützung.

50

unseren parTnern:

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impressum

dank unseren förderern: unseren medienparTnern: unseren kooperaTionsparTnern:

an jedem 1. und 3. Dienstag im Monat

22.25 Uhr in 3sat

ab dem 1. und 3. Mittwoch im Monat

19.00 Uhr im ZDFtheaterkanal

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Esther SchweinsTheo Koll

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13 aug podeWil 20 h Premiere des ZDF/ARTE-Films urban balleT

mit Künstlern von TANZ IM AUGUST 2008, u.a.: BORIS CHARMATZ, DRESDEN

SEMPER OPER BALLETT, AKRAM KHAN, DAVE ST-PIERRE und MEG STUART.

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kasse / TiCkeT offiCe hau 2BIS 31 JUL TÄGLICH 16 – 19 H AB 1 AUG TÄGLICH 12 – 19 H FON + 49 30 259 00 427

kasse / TiCkeT offiCe podeWil4 ­ 31 JUL MO – SA 16 – 19 HAB 1 AUG TÄGLICH 12 – 19 HFON + 49 30 247 49 777

Karten erhalten Sie auch an allen bekannten Vorverkaufsstellen. Abendkasse jeweils eine Stunde vor Vorstellungsbeginn. Er mäs­sigte Karten gibt es in begrenzter Anzahl auch im Vorverkauf.

Advance tickets will also be on sale at all “Theaterkassen” outlets. Box offices open one hour before performances begin. A limited number of reduced-price tickets is also available during advance sales.

C online TiCkeT serviCe: HiNWEiS: Die Zehnerkarte des HAU hat für die Festivalveranstaltungen keine Gültig­keit. /// please noTe: The HAU “Zehnerkarte” ticket is not valid for the festival performances.

TILL 31 JUL DAILY 4 – 7 PMFROM 1 AUG DAILY 12 – 7 PM

4 – 31 JUL MO – SA 4 – 7 PMFROM 1 AUG DAILY 12 – 7 PM

www.tanzimaugust.de

fesTival­TiCkeT gültig für 7 festivalvorstellungen nach Wahl, eine Karte pro Vorstellung. Einzulösen an unseren Vorverkaufskassen im HAU 2 und im Podewil oder an den Abendkassen der Spielstätten nach Verfügbarkeit der Plätze.valid for seven festival performances of your choice, one ticket per performance only. Tickets can be redeemed at the ticket offices at HAU 2 and Podewil or at the evening box offices, subject to availability of seats.

eur 90 erm. / red. eur 60