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Revolver Publishing by VVV

Durch das Objektiv seiner Kamera durchstreift Abrie Fourie vier verschiedene Kontinente: Afrika, Europa, Asien und Amerika. Das südliche Afrika ist seine vertraute Heimat. Asien und Amerika erlebt er als Besucher. Europa wird mit Berlin sein derzeitiger Wohnort. Er betrachtet Orte und Kulturen nie getrennt voneinander, sondern schafft Assoziations- und Bildräume die sich überlagern und poetisch verdichten. Er untersucht das Alltägliche und Gewohnte und nähert sich mit derselben Neugierde dem ihm Unbekannten. Es geht ihm nie darum, das Erlebte abzulichten. Er umkreist die Beziehungen zwischen den Räumen, den Zeichen und dem Selbst. Versteckte verbindende Strukturen werden sichtbar und verweisen auf die Schönheit hinter den scheinbar augenfälligen Oberflächen. Das kleine menschliche Detail und die Spuren des Zeitlichen ziehen sich durch das Buch. Der international anerkannte Schriftsteller Ivan Vladislavić lässt sich in seinen Texten von den Fotografien inspirieren. Die Fotografien werden weniger kommentiert oder konkretisiert, sondern werden zum Ausgangspunkt fiktiver Ereignisse. Sie erhalten eine Ausdehnung in die Dimension der Sprache.

„Only amateurs collect books in order to read them. The professionals wrap their investments in archival plastic and put them away in the safe. Idea: a syndicate of pros, old friends and rivals, buy a defunct meat-processing plant and use its refrigeration rooms to store their books. Reconstruct the minutes of the Cold Storage Club.”

Abrie Fourie wurde 1969 in Pretoria Südafrika geboren. er lebt und arbeitet heute in Berlin. // Einzelausstellungen: End of the World ain Johannesburg Art Gallery (2005) und im Museum for African Art in New York (2004). // Er hat an vielen internationalen Gruppenausstellungen teilgenommen, zum Beispiel Amsterdam, Tokyo and Brussels, as well as the Luanda Triennale and Venice Biennale Amsterdam, Tokyo and Brussels, as well as the Luanda Triennale and Venice Biennale

Abrie Fourie Oblique Berlin 2011, 150 pages, ill., 29 x 23 cm, Softcover, English 35,00 €

ISBN 978-3-86895-354-1

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Revolver Publishing

Seit den Frühkulturen spielt die Haut in den Mythen der Welt eine herausragende Rolle und wirkt bis in jüngstes, bildkünstlerisches und literarisches Schaffen. Besonders seit den 1960er Jahren ist „Haut“ Thema einer engagierten Diskussion, die sich mit jeweils aktuellen Akzenten ständig erneuert, begleitet von Ausstellungen, wissenschaftlichen Abhandlungen und Publikationen. Die Ausstellung im Kunsthaus „Haut. Mythos und Medium“ nimmt spotlichtartig Bezug auf diese Debatten und fügt Aspekte hinzu - sowohl durch spezifische Beiträge im Katalog als auch durch Kunstwerke in der Ausstellung, welche die historische, soziale und postkoloniale Dimension aufnehmen und metaphorische Referenzen zu Landschaft, Architektur und klassischem Mythos herstellen.

„Haut. Mythos und Medium“ ist die vierte von Volker Steinkraus und dem DERMATOLOGIKUM HAMBURG initiierte Schau zum Thema Haut (2002, 2005, 2008). Sie findet in diesem Jahr im Rahmen der Veranstaltungen zum 150. Jubiläum der freundschaftlichen Beziehungen zwischen Japan und Deutschland statt. Während die ersten drei Schauen zum Thema Haut ausschließlich das Bildmedium der angewandten und künstlerischen Fotografie einsetzten, um Haut anschaulich und in allen Facetten der menschlichen Existenz zu erkunden, erweitert das aktuelle Projekt den medialen Rahmen durch Arbeiten von KünstlerInnen aus Deutschland, Frankreich, Japan, Österreich, der Schweiz und den USA:

Adidal Abou-Chamat, Akihiro Higushi, Honoré Daumier, Charles & Ray Eames, Silke Hönig, Ishiuchi Miyako, Daniela Keiser, Vera Lossau, Christina Lux, Leonore Mau, ORLAN, Nobuyuki Osaki, Lisl Ponger, Wols, Yodogawa technique.

Die Fragilität der Erdhaut wurde angesichts der Ereignisse am 11.3.11 während der Vorbereitungen zur Ausstellung „Haut. Mythos und Medium“ durch die Erdstöße vor der japanischen Pazifikküste mit verheerender Flutwelle spürbar, wodurch viele Werke - besonders die der KünstlerInnen aus Japan und grundsätzlich das Thema der Schau - mit aktueller Brisanz und erweiterten Bedeutungsschichten aufgeladen werden.

Kunsthaus Hamburg (Hg)

Haut. Mythos und Medium Berlin 2011, 126 Seiten, zahlr. Abb., 19 x 12 cm, gebunden, Deutsch 18,00 €

ISBN: 978-3-86895-160-8

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In vielerlei Hinsicht ist das Werk von Hanna Nitsch außergewöhnlich und im Kontext neofigurativer Malerei singulär. Ihr Œuvre besticht dabei nicht zuletzt durch das äußerst subtile Spannungsverhältnis zwischen Realismus und Abstraktion, Verdichtungen und Auflösung, Zufall und Absicht. Seit einigen Jahren konzentriert sich die Künstlerin auf das Medium Papier. In ihren großformatigen Tuschemalereien und Zeichnungen, die oftmals raumgreifend präsentiert werden, entlockt Hanna Nitsch den scheinbar alltäglichen Themen aus ihrem privaten Umfeld, der Natur oder auch der Märchen- und Volkskultur stets etwas wundersam Bezauberndes wie auch tiefgründig Bedrohliches. Surreale (Alb)-Traumlandschaften, subversive Stillleben und überlebensgroße Büsten und Gesichter von Kindern ziehen unsere Blicke magisch an. Die Haut der Körper wirkt durchscheinend, wie auch ihre Blicke uns zu durchschauen drohen. Mensch und Landschaft ziehen uns in einen Bann, der uns der Alltäglichkeit entrückt und uns in das Zwischenreich des Unbewussten führt. Die Ausstellung und dieser Katalog sollen erstmals einen Überblick über die seit 2006 entstandenen Arbeiten auf Papier geben und zugleich einen Ausblick auf die installativen Arbeiten der Künstlerin eröffnen. Die Überführung der 3. Dimension im malerischen und zeichnerischen Werk von Hanna Nitsch in den Ausstellungsraum ist nicht zuletzt auf die intensive Auseinandersetzung mit der Ausstellung „Fleurs du Mal“, der ersten Einzelausstellung der Künstlerin in den Niederlanden, zurückzuführen. Erstmals sind in der Kunstvereniging Diepenheim/Drawing Centre Diepenheim Objekte, Multiples und Rauminstallationen im Zusammenspiel mit dem zeichnerischen und malerischen Werk zu einer Gesamtinszenierung zusammengeführt worden. In veränderter Form wird diese Ausstellung anschließend im Kunstverein Augsburg zu sehen sein, was uns angesichts der grenzüberschreitenden kulturellen Zusammenarbeit besonders freut. (Marcus Körber)

Hanna Nitsch

Fleurs du Mal Berlin 2011, 78 Seiten, zahlr. Abb., 28 x 23 cm, gebunden, incl. Poster als Banderole, Dutch/German 25,00 €

ISBN: 978-3-86895-158-5

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Revolver Publishing

Mit diesen Aufzeichnungen möchte Thomas Neumann die Stimmung im März 2011 für sich einfassen und die mediale Realität der Katastrophe in Japan festhalten. Die Fotografien sind seinem Alltag dieser Tage entnommen, die Nachrichten stammen aus Newstickern verschiedener Internetseiten. Draußen ist Frühling. Die ersten warmen Strahlen des Jahres. Und wie jedes Jahr eine euphorische Stimmung. Dennoch in diesen Märztagen dröhnen unglaubliche Nachrichten in meinen Kopf. 11. 3. 11. Die Katastrophe in Tohoku. Orte, in denen ich war, Gegenden, durch die wir gefahren sind. Das Meer, die Berge sehe ich vor mir. Den kühlen Wald im Sommer. Die nördliche Einöde im Winter. Nun drängen Opferzahlen, Millisievert, Regierungssprecher in mein Ohr. Mails mit erstaunlichen Formulierungen kommen rein. Panischer Optimismus. Widerwillig begreife ich. Ich bin hier, nicht dort. Mein Alltag keine Katastrophe, vielmehr der satte Frühling. Zeitig dieses Jahr. Die Blüten explodieren in rosa und weiß. Entlang am Dreck der Nebenstraßen. Ein Supermarkt. Dann auf die Autobahn. Vorher nicht beachtete Zeichen an der Wand. Ich fotografiere, um mich zu vergewissern, dass die Dinge sind wie sie sind. Thomas Neumann, 1975 in Cottbus geboren / Studium an der Kunstakademie Düsseldorf / Fotografie, Video und Installationen / zahlreiche Ausstellungen und Projekte / Mitglied der Künstlergruppe Fehlstelle / Katalogbeteiligungen und eigene Publikationen, "1984 News from Utopia" (2003), "Pictures from Utopia" (2006), "Kongress der Futurologen" (2007) / lebte 2 Jahre in Tokio

Thomas Neumann

Märztage

Berlin 2011, 128 Seiten, 50 Farb-Fotos, 14 x 20 cm, broschiert

15,00 €

ISBN: 978-3-86895-164-6

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Art-ist publications started focusing on the works of young artists from Turkey through the artist books series with ‘Ahmet Öğüt: Informal Incidents’ in 2008, followed by the second book ‘Bashir Borlakov: Fictional Reality’ and the third book ‘Pigeons are People’ was deliberating on Can Altay’s work. Şener Özmen is a productive key figure who has been actively participating in the contemporary art scene of Turkey since its gradual ascent in the 90s. The original stance of his labour in the emergence of our art is seen in his continuing efforts in writing, publishing, curatorial contributions, presentations and fictional work alongside his art works which mark the centre-periphery polarisation both on a global scale through East-West dynamics and on a local scale through The Southeast-Istanbul axis while at the same time persistently representing the Kurdish (and regional) reality in a multi-dimensional way in contemporary art. Another repeatedly noted characteristic of Özmen is his presence as an experimental figure illustrating the intermingling of text and visual arts. Although Özmen has a critical position in terms of technique as much as content, and has been widely circulated internationally, there has not been a comprehensive publication focusing on his body of work as yet. With this book we had the opportunity to place Özmen’s work of some nearly 20 years into the perspective of a framework. We hope that, with it, we are able to present a guide to attempt taking on the frequently debated work of Şener Özmen, who despite relentlessly investigating the periphery in his works, is a central figure in the short history of contemporary art in Turkey. (Sureyyya Evren)

Sener Özmen

A ŞENER ÖZMEN BOOK BĐR ŞENER ÖZMEN KĐTABI

Berlin 2011, 168 Seiten, zahlr. Abb., 21 x 15 cm, broschiert, Englisch/Türkisch 15,00 €

ISBN: 978-3-86895-153-0